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Lo mejor del 2018

Se acaba este 2018 y solo queda hacer dos cosas: el balance cinematográfico general y las listas con lo mejor de las películas estrenadas en nuestras salas. Para lo segundo contamos con la inestimable ayuda de algun@s amig@s, colegas de la crítica, que nos han cedido su tiempo, su buen criterio y su amor por el cine en forma de TOP10. (Ver más abajo, después del texto). Y también, por supuesto, estan los TOP10 de los editores de esta revista.

En lo que a balance se refiere, este ha sido un año muy fructífero en general (y también para el cine español), aunque sigue habiendo algunas notas discordantes: si bien la calidad del cine estatal ha sido más que notable (y parece que también su nivel de producción va en aumento), le sigue faltando visibilidad a esas películas que solo llegan a verse en festivales, y más notoriedad a esas otras que con mucha fortuna llegan a estrenarse en salas comerciales, aunque sea en sesiones muy puntuales y dosificadas. Hay que agradecer, por tanto, el papel que juegan esas pequeñas salas que se rigen más por el criterio y por el riesgo, que por la apuesta segura y rentable que les garantizaría su supervivencia de forma automática, y que por tanto, programan esas pequeñas joyas que piden a gritos un visionado. Estamos hablando, claro está, del Zumzeig Cinecooperativa o de Cinemes Girona en Barcelona, de Numax en Santiago de Compostela, o de Artistic Metropol en Madrid, entre otras. Pero también del archivo Xcèntric en el CCCB y de festivales como L'Alternativa, el DOCS y el D'A en Barcelona, el Punto de Vista en Iruña, el REC Tarragona, el Festival Márgenes, el FIC Xixón, el Cinemad, el Festival Internacional de Cine de Huesca, o el Atlantida Film Fest de Mallorca (organizado por Filmin), y tantos otros. Y a pesar de que cierren algunas salas históricas de las grandes ciudades (en ese proceso imparable de gentrificación que también afecta al ámbito cultural) y se vaya borrando, poco a poco, nuestra memoria cinéfila (y esto nos entristezca), en Contrapicado celebramos esta resistencia que supone la conquista de un espacio de programación libre y no dependiente únicamente de los dictados del capital.

Ainhoa: yo no soy esa, de Carolina Astudillo. Una pequeña joya.

No podemos olvidar, por otra parte, que las nuevas plataformas audiovisuales (con Netflix a la cabeza) han venido para quedarse y que los hábitos de los espectadores llevan años mutando hacia una forma de consumo "en petit comité". En este 2018, Netflix ha vuelto a protagonizar una polémica (Cannes se negó a programar Roma de Cuarón, que finalmente ganó el León de Oro en Venecia), siendo su segunda en festivales en dos años consecutivos después del caso Okja (Bong Joon-Ho, 2017). Pero lo cierto es que esta plataforma audiovisual se ha convertido este año en un todoterreno de la producción (con el cine como valor al alza) alcanzando los niveles de toda una major. Y a esta se le suman, con mayor o menor acierto, las demás plataformas de VOD (la pionera Filmin, Mubi, HBO, etc). No nos engañemos, si han surgido ha sido para cubrir una demanda de consumo audiovisual "casero", que es por lo que nuestras vidas llenas de falta de tiempo acaban optando. Su gran virtud es contar con un catálogo de títulos tan grande y diversificado como para no salir de casa en años.

Roma, de Alfonso Cuarón. Flamante producción de Netflix.

Así las cosas, la sensación general es que cada vez hay una mayor producción audiovisual y no tenemos tiempo material de verlo todo. Parece sintomático, pues, y hasta inevitable, que existan las listas, para ayudarnos poniendo algo de orden en este extraño universo audiovisual, en continua expansión, pero a la vez más concentrado en unas pocas estrellas fugaces. Y aunque en Contrapicado dejamos hace un tiempo de poner estrellitas a los estrenos, lo que no dejamos es de hacer listas:

TOP-10

Javi Cózar (El Hype, Contrapicado)

  1. Un lugar tranquilo (A Quiet Place) (John Krasinksi)
  2. Mandy (Panos Cosmatos)
  3. The Unthinkable (Den blomstertid nu kommer) (Victor Danell)
  4. La maldición de Hill House (The Haunting of Hill House) (Mike Flanagan)
  5. Tres anuncios en las afueras (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri) (Martin  McDonagh)
  6. Yo, Tonya (I, Tonya) (Craig Gillespie)
  7. Aniquilación (Annihilation) (Alex Garland)
  8. Hereditary (Ari Aster)
  9. Mute (Duncan Jones)
  10. Blanco perfecto (Downrange) (Ryûhei Kitamura)

Jorge-Mauro de Pedro (Culturaca)

  1. El hilo invisible (Phantom Thread) (Paul Thomas Anderson)
  2. Burning (Lee Chang-dong)
  3. Lazzaro feliz (Lazzaro felice) (Alice Rohrwacher)
  4. Ready Player One (Steven Spielberg)
  5. Roma (Alfonso Cuarón)
  6. La fábrica de nada (A fábrica de nada) (Pedro Pinho)
  7. Braguino (Clément Cogitore)
  8. Caras y lugares (Visages villages) (JR y Agnès Varda)
  9. Yo, Tonya (I, Tonya) (Graig Gillespie)
  10. A Silent Voice (Koe no katachi) (Naoko Yamada)

Albert Elduque (University of Reading, Contrapicado)

  1. The Florida Project (Sean Baker)
  2. Zama (Lucrecia Martel)
  3. El hilo invisible (Phantom Thread) (Paul Thomas Anderson)
  4. El reverendo (First Reformed) (Paul Schrader)
  5. Call Me by Your Name (Luca Guadagnino)
  6. El veredicto. La ley del menor (The Children Act) (Richard Eyre)
  7. Infiltrado en el KKKlan (BlacKKKlansman) (Spike Lee)
  8. Las guardianas (Les gardiennes) (Xavier Beauvois)
  9. Bohemian Rhapsody (Bryan Singer)
  10. Ready Player One (Steven Spielberg)

Toni Junyent (Transit, Miradas de Cine)

  1. Caras y lugares (Visages villages) (JR y Agnès Varda)
  2. Lazzaro feliz (Lazzaro felice) (Alice Rohrwacher)
  3. El león duerme esta noche (Le lion est mort ce soir) (Nobuhiro Suwa)
  4. Burning (Lee Chang-dong)
  5. Mudar la piel (Ana Schulz y Cristóbal Fernández)
  6. Western (Valeska Grisebach)
  7. Un sol interior (Un beau soleil intérieur) (Claire Denis)
  8. Hereditary (Ari Aster)
  9. El infinito (The endless) (Justin Benson y Aaron Moorhead)
  10. Amante por un día (L'amant d'un jour) (Philippe Garrel)

Antoni Peris Grao (Miradas de Cine, Culturaca)

  1. Dhogs (Andrés Goteira)
  2. Ainhoa, yo no soy esa (Carolina Astudillo)
  3. No Intenso Agora (João Moreira Salles)
  4. Lo que esconde Silver Lake (Under the Silver Lake) (David Robert Mitchell)
  5. Burning (Lee Chang-dong)
  6. El hilo invisible (Phantom Thread) (Paul Thomas Anderson)
  7. The Florida Project (Sean Baker)
  8. Lazzaro feliz (Lazzaro Felice) (Alice Rohrwacher)
  9. La balada de Buster Scruggs (The Ballad of Buster Scruggs) (Joel & Ethan Coen)
  10. The Wild Boys (Les garçons sauvages) (Bertrand Mandico)

Endika Rey (Otros Cines Europa, Transit)

  1. Call me by your name (Luca Guadagnino)
  2. El hilo invisible (Phantom Thread) (Paul Thomas Anderson)
  3. Un asunto de familia (Manbiki kazoku) (Hirokazu Koreeda)
  4. Zama (Lucrecia Martel)
  5. 120 pulsaciones por minuto (120 battements par minute) (Robin Campillo)
  6. Lazzaro feliz (Lazzaro Felice) (Alice Rohrwacher)
  7. Burning (Lee Chang-dong)
  8. Roma (Alfonso Cuarón)
  9. Caras y lugares (Visages villages) JR y Agnès Varda
  10. Lo que esconde Silver Lake (Under the Silver Lake) David Robert Mitchell

Paula Arantzazu Ruiz (SensaCine, Cinemanía, Ara)

  1. Lazzaro feliz (Lazzaro felice) (Alice Rohrwacher)
  2. El tránsito (Transit) (Christian Petzold)
  3. Entre dos aguas (Isaki Lacuesta)
  4. Isla de perros (Isle of dogs) (Wes Anderson)
  5. Lo que esconde Silver Lake (Under the Silver Lake) (David Robert Mitchell)
  6. Roma (Alfonso Cuarón)
  7. Climax (Gaspar Noé)
  8. Museo (Alonso Ruizpalacios)
  9. Mudar la piel (Ana Schulz y Cristobal Fernández)
  10. La balada de Buster Scruggs (The Ballad of Buster Scruggs) (Joel & Ethan Coen)

Jon Ruiz Rodríguez (¡A txiflar! Blogspot)

  1. El hilo invisible (The Phantom Thread) (Paul Thomas Anderson)
  2. Roma (Alfonso Cuarón)
  3. Cold War (Zimna wojna) (Paweł Pawlikowski)
  4. La forma del agua (The Shape of Water) (Guillermo del Toro)
  5. Tres anuncios en las afueras (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri). (Martin  McDonagh)
  6. El reino (Rodrigo Sorogoyen)
  7. Dogman (Matteo Garrone)
  8. Isla de perros (Isle of Dogs) (Wes Anderson)
  9. Viudas (Widows) (Steve McQueen)
  10. Lazzaro feliz (Lazzaro felice) (Alice Rohrwacher)

Manu Yáñez (Otros Cines Europa, Fotogramas, Ara Play, Film Comment, Rockdelux, El Cultural)

  1. Blue (Apichatpong Weerasethakul)
  2. Lazzaro feliz (Lazzaro felice) (Alice Rohrwacher)
  3. High Life (Claire Denis)
  4. Hotel by the River (Hong Sang-soo)
  5. La flor (Mariano Llinás)
  6. El libro de imágenes (Le livre d’image) (Jean Luc-Godard)
  7. Mirai (Mamoru Hosoda)
  8. Relaxer (Joel Potrykus)
  9. Transit (Christian Petzold)
  10. Al otro lado del viento (The Other Side of the Wind) (Orson Welles)

Listas de los editores

Marla Jacarilla (Contrapicado, Culturaca) 

  1. El hilo invisible (Phantom Thread) (Paul Thomas Anderson)
  2. La fábrica de nada (A fábrica de nada) (Pedro Pinho)
  3. Apuntes para una película de atracos (León Siminiani)
  4. Ainhoa, yo no soy esa (Carolina Astudillo)
  5. Burning (Lee Chang-Dong)
  6. Lazzaro Feliz (Lazzaro Felice) (Alice Rohrwacher)
  7. Dhogs (Andrés Goteira)
  8. Manifesto (Julian Rosefeldt)
  9. Granny’s Dancing On the Table (Hanna Sköld)
  10. Lo que esconde Silver Lake (Under the Silver Lake) (David Robert Mitchell)

Carlos Balbuena (Contrapicado)

  1. Cantares para una Revolución (Ramón Lluís Bande)
  2. Zama (Lucrecia Martel)
  3. La fábrica de nada (A fábrica de nada) (Pedro Pinho)
  4. Burning (Lee Chang-Dong)
  5. El hilo invisible (Phantom Thread) (Paul Thomas Anderson)
  6. Con el viento (Meritxell Colell)
  7. La cámara de Claire (La caméra de Claire) (Hong Sang-Soo)
  8. Isla de perros (Isle of Dogs) (Wes Anderson)
  9. Al otro lado del viento (The other side of the Wind) (Orson Welles)
  10. Clímax (Gaspar Noé)

Aaron Cabañas (Contrapicado)

  1. El hilo invisible (Phantom Thread) (Paul Thomas Anderson)
  2. Tres anuncios en las afueras (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri) (Martin  McDonagh)
  3. Un asunto de familia (Manbiki kazoku) (Hirokazu Koreeda)
  4. Lazzaro feliz (Lazzaro Felice) (Alice Rohrwacher)
  5. Cold War (Zimna wojna) (Pawel Pawlikowski)
  6. Zama (Lucrecia Martel)
  7. The Florida Project (Sean Baker)
  8. Entre dos aguas (Isaki Lacuesta)
  9. Elefantes (Carlos Balbuena)
  10. Ainhoa, yo no soy esa (Carolina Astudillo)

Las películas del año (por número de votos)

  1. Lazzaro feliz (Lazzaro Felice) (Alice Rohrwacher)
  2. El hilo invisible (Phantom Thread) (Paul Thomas Anderson)
  3. Burning (Lee Chang-Dong)
  4. Zama (Lucrecia Martel)
  5. Roma (Alfonso Cuarón)
  6. Lo que esconde Silver Lake (Under the Silver Lake) (David Robert Mitchell)
  7. The Florida Project (Sean Baker)
  8. Caras y lugares (Visages villages) (JR y Agnès Varda)
  9. Tres anuncios a las afueras (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri) (Martin  McDonagh)
  10. La fábrica de nada (A fábrica de nada) (Pedro Pinho)

          Ainhoa: yo no soy ésa (Carolina Astudillo)

          Isla de perros (Isle of Dogs) (Wes Anderson)

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L’Alternativa 2018: Festival de Cinema Independent de Barcelona

Inauguración

La 25ª edición de L’Alternativa de Barcelona no podía empezar de mejor manera: la proyección del último film de Isaki Lacuesta, Entre dos aguas (2018), premiado con la Concha de oro en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de San Sebasastián, y con la presentación del director. El film, una secuela parcial de la icónica La leyenda del tiempo (2006), vuelve a Cádiz para retomar el hilo de las vidas del Isra y el Cheíto, años después de aquel primer acercamiento. La secuela es parcial porque en Entre dos aguas ya no aparece Makiko y la sombra alargada de Camarón no planea sobre la narración. Pero es secuela, al fin y al cabo, porque a través de sus personajes, Lacuesta recupera de La leyenda del tiempo ese tono crepuscular que filtra puntuales destellos de tosca hilaridad. Lo cierto es que considerar a Isra y Cheíto “personajes” de una narración es bastante impreciso, ya que la cámara se aproxima a ellos a una distancia en la que la realidad fluye sin necesidad de recurrir a dispositivo ficcional alguno. En ningún momento parece que actúen, más bien que únicamente se limiten a vivir delante de una cámara de cine. La película, pues, asesta certeros golpes de realidad, y el plano final de Isra mirando al infinito y volviéndose a cámara, reproduciendo el mismo instante memorable que tenía lugar en La leyenda del tiempo, nos ubica en las dos aguas entre las que se encuentra: los sueños rotos del pasado y un incierto porvenir.

La edición de este año de L’Alternativa la conforman una sección oficial compuesta de nueve largometrajes, entre los que podemos encontrar Trote de Xacio Baño, Teatro de guerra de Lola Arias (la artista citada en The Square de Ruben Östlund), o Una vez la noche, de Antonia Rossi; además de diecinueve cortometrajes a competición. Una sección paralela, Panorama, con películas de producción nacional, compuesta de largometrajes, entro los que destacan: Tódalas mulleres que coñezo de Xiana do Teixeiro, Trinta lumes (ganadora del premio de la crítica en la última edición del D’A Film Festival) de Diana Toucedo o Las ciudades imposibles de Chus Domínguez; y también cortometrajes, como Vecines del colectivo Laboratorio Reversible, Amor siempre de Maider Fernández, o Evolución 1975-2017 de Marla Jacarilla.

El festival sale de su sede oficial en el CCCB para viajar a la Filmoteca de Catalunya y darle cabida al ciclo Elles tallen, dedicado a las montadoras en el cine. El ciclo cuenta con títulos como Beau Travail (Claire Denis, 1999), Bonnie and Clyde (Arthur Penn, 1967), Meshes of the afternoon (Maya Deren y Alexander Hammid, 1943) Lost Highway (David Lynch, 1997) o Dancer in the dark (Lars Von Trier, 2000). Y también visitará el Zumzeig Cinema en el caso de algunas proyecciones especiales: Oscuro y Lucientes (Samuel Alarcón) y Amanecer (Carmen Torres), entre otras.

L'Alternativa también contará con una valiosa muestra del cine de Boris Lehman a partir de tres films de su abundante filmografia: À la recherche du lieu de ma naissance (1990), Babel. Lettre à mes amis restés en Belgique (parties 1 et 2) y Funérailles (De l'art de mourir), además del seminario La película como un largo camino, impartido por el propio cineasta belga.

Las proyecciones se completarán con las sesiones especiales de El silencio de los otros (Almudena Carracedo y Robert Bahar), Comandante Arian (Alba Sotorra), Intimidad revelada. El cinema de Xacio Baño, e Idrissa, crònica d'una mort qualsevol, segunda película de Xavier Artigas y Xapo Ortega.

Por si fuera poco, habrá proyecciones infantiles, una sesión continua en el Hall del CCCB durante todo el festival, masterclasses, actividades para profesionales vinculados al medio, pitching forums, el sexto Mentoring Projects, mesas redondas, debates y un largo etcétera de actividades. ¿Se puede pedir más? Celebremos los 25 años de L'Alternativa: ¡esto no ha hecho más que comenzar!

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Top D’A Film Festival 2018

Terminamos nuestro decálogo de textos sobre el D’A Film Festival con un Top 15 de los mejores momentos.

Carlos Balbuena

 –El desolador plano final de Escoréu, 24 d'avientu de 1937, En el que Ramón Lluís Bande invoca a los 10000 cuerpos aún enterrados en las cunetas asturianas.

–La incontinencia verbal de Tesa Arranz en Aliens, de Luís López Carrasco, haciendo un repaso a todos los nombres propios de la Movida, incluido un Pedro Almodóvar del que dice que ni tenía talento ni era interesante.

–La tremenda y desgarradora reflexión sobre la maternidad que Carolina Astudillo hace en primera persona en su maravillosa Ainhoa, yo no soy esa.

–La sesión de Fasenuova sobre Maya Deren. Una verdadera EXPERIENCIA audiovisual (y sí, EXPERIENCIA, en letra mayúscula).

–El maravilloso blanco y negro, rodado en 35 mm, de Amante por un día. Hay siempre algo de cine de la Resistencia que me emociona en Philippe Garrel.

 

Marla Jacarilla

–La hermosa secuencia del baile de En attendant les hirondelles de Karim Moussaoui, en la que los gestos y miradas de sus protagonistas dicen mucho más que todos sus diálogos.

–El desolador final de Frost, de Sharunas Bartas. Una película en la que la guerra es un elemento desconocido, extraño y ajeno. Al menos, hasta que ya es demasiado tarde como para huir de ella.

–El desconcertante final de Dhogs, de Andrés Goteira. Un final en el que se pide al espectador que tome partido, esta vez sí, de forma activa y consciente.

–El descacharrante inicio de Oh Lucy!, que tiene lugar en la academia de inglés más bizarra a la que hayamos podido asistir jamás.

–Los gloriosos minutos que Guy Maddin le dedica a Chuck Norris (triste) en The Green Fog, el modo infalible de conseguir que toda una sala de cine se ría a carcajada limpia. 

 

Enrique Aguilar

Amante por un día. Mirar, bailar, sentir.

Trinta Lumes. Escuchar la lluvia.

Les Unwanted de Europa. Dos cuerpos que caminan, gestualidades diferentes, una frontera.

Cocote. Ritual.

A Ciambra "Siamo noi contro il mondo".

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La liga de la justicia (Zack Snyder, 2017)

Nuevas caras y poco más

La carrera por la taquilla «superheróica» entre las dos grandes —DC y Marvel— es, desde hace un tiempo, imparable. Se siguen sucediendo estrenos a un ritmo casi imposible, que, sumando los de las dos factorías, dejan una agotadora lista de nuevas entregas anuales, que no hace sino crecer y alargarse sobre el futuro. DC entró tarde a la competición. Se he hablado mucho de las prisas y los acelerones que habían de asumir para no perder el tren, lo que se ha traducido en menos películas individuales hasta llegar al punto que nos atañe hoy: la primera entrega que fusiona a sus grandes nombres en una sola cinta. La liga de la justicia podría considerarse, como a Los Vengadores (Whedon, 2012) en su momento, como el fin de la primera etapa introductoria del universo cinematográfico DC.

Efectivamente, La liga de la justicia une a sus grandes superhéroes, de los cuales solo dos han podido contar con una película exclusiva para sus personajes —Superman (El hombre de acero (Snyder, 2013)) y Wonder Woman (Wonder Woman (Jenkins, 2017))— y el resto, excepto Batman, son introducidos por primera vez. Esto puede parecer una anécdota sin más, pero es un reflejo certero de las prioridades comerciales de este tipo de películas: se trata de tener la imagen del grupo, el típico plano de varios superhéroes con sus disfraces resultones y su pose guerrera. Eso es lo que vende, la épica superficial de la imagen recopilatoria de personajes icónicos, el cómo funcionen esos personajes luego como elementos narrativos en un argumento, es absolutamente irrelevante.

En la película de Zack Snyder, esta irrelevancia se acentúa especialmente. Uno puede ver a seis superhéroes, compartiendo pantalla y protagonismo como pueden en un enrevesado reparto de minutos, pero, a poco que se atienda a lo que pasa, se verá que la mayoría de ellos no aportan realmente nada. ¿Para qué introducir personajes de relleno, interpretados algunos por actores de gran caché y que luego, realmente, no aporten nada relevante a la acción? Parece que no hay otro motivo que el de tener un interés meramente publicitario. En este sentido, Snyder no ha inventado nada. La fórmula es la misma que empleó Whedon —que también anda presente en esta película— con sus Vengadores. Todo se centra en ampliar el catálogo de nombres, en ampliar el imaginario, incluso hasta niveles que dificultan la gestión de los tiempos narrativos, para que, al final, todo recaiga en un par de personajes.

La liga de la justicia no va a defraudar a nadie que sepa mínimamente cómo funciona el cine de superhéroes de los últimos años, pero tampoco va a aportar nada que haga que resalte sobre las demás, más allá de que algunos tengan más simpatía por los murciélagos y amazonas que por gigantes verdes y arañas. Si el universo DC parecía tener posibilidades de tomar un camino alternativo al de Marvel, más alejado del cine-espectáculo y de superhéroes con carisma de estrellas del rock, como se podía apuntar en Wonder Woman o, especialmente, en Batman v. Superman (Snyder, 2016); La liga de la justicia las descarta. La «batalla» entre marcas se luchará en idénticos términos. Aquello de dos productos que son iguales y solo la publicidad les hace parecer distintos parece poderse aplicar aquí.

Tenemos algunas caras nuevas para nuestro álbum infinito de rostros con habilidades especiales, un nuevo recital de una Gal Gadot —que ojalá tenga la ocasión de convertirse en una de esas actrices de blockbuster que, cuando salen de él, deslumbran y asombran— y, nuevas escenas  en las que absolutamente todo parece construido con materiales inflamables, marca de la casa Snyder. Un más de lo mismo, otra pieza en esta suerte de introducción infinita a la aventura definitiva.

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Los nadie (Juan Sebastián Mesa, 2016)

Huida hacia ninguna parte

Desde principios de los 2000 a esta parte es fácil encontrar en el cine latinoamericano varios ejemplos de películas que podrían conformar una suerte de subgénero o corriente estética, de esas que se crean fruto de un contexto social muy determinado. Son películas que comparten varios rasgos temáticos y estilísticos, desde la mirada a los suburbios de las grandes ciudades y la vida marginal, hasta una fotografía —en ocasiones en un blanco y negro poco contrastado— propia de la estética audiovisual de la cultura urbana. Pero, sin duda, el gran elemento que las cohesiona y permite relacionarlas con claridad es el de centrar su atención en adolescentes; chicos que se encuentran en un momento vital de estancamiento e indecisión y que, a falta de una meta que perseguir, se dedican a vagar sin rumbo.

Películas como Dos en la vereda (Lisandro Alonso, 1995); Temporada de patos (Fernando Eimbcke, 2004); Los hongos (Óscar Ruiz Navia, 2014) o Güeros (Alonso Ruizpalacios, 2014), forman parte, de una forma o de otra, de la vida de Los nadie. También hay algo de la manera de filmar de cierto cine independiente americano, como el que realizan Gus Van Sant, Harmony Korine o Larry Clark; aunque en Los nadie, Juan Sebastián Mesa no mira hacia la adolescencia para mostrar un mundo de conductas intensas y autodestructivas, como podría ser el caso de los tres directores estadounidenses. Los chicos de Los nadie —aunque, evidentemente, se divierten— no abrazan la marginalidad o la falta de motivaciones y esperanzas para pasarse el día entre excesos y vicios. La motivación de todos ellos es un viaje. Una huída hacia adelante sin un destino mucho más marcado que el de salir de su ciudad.

Esta imagen del adolescente como un individuo perdido ante una sociedad en la que no parece tener cabida, con un pasado que no parece crearle excesivas raíces ni identificación y con un futuro que prácticamente les parece negado, no es algo que aparezca ahora en el cine latinoamericano, por supuesto. Es, por ejemplo, uno de los motivos más recurrentes del cine japonés de la «nueva ola» japonesa de los Nagisa Oshima o Shuji Terayama, o del cine de Shinji Sômai. Estamos hablando de unos referentes que sitúan un período de auge de esta imagen del adolescente entre los años setenta y los años ochenta —no en vano es en esta época cuando también aparece todo el movimiento punk del nihilismo y el “no futuro”— que no va a desaparecer desde entonces. Los nadie, por tanto, es fruto de una preocupación generacional que atraviesa el mapa de la historia del cine desde hace casi cincuenta años. Un motivo que, además, cuando se une a un contexto socioeconómico especialmente complejo, siempre suele resurgir con fuerza.

El acercamiento a este sector tan concreto de la población, a este grupo de chicos que se pasan el día en la calle haciendo trucos circenses para ganarse unas monedas, no es sencillo. Es fácil caer en el paternalismo, en lo maniqueo o, incluso, establecer un discurso moralista condescendiente. Juan Sebastián Mesa, sin embargo, lo filma con un pulso muy firme y, sin ser una película que se rija por los preceptos del realismo, consigue obtener una imagen bastante limpia y neutra, en cuanto a lecturas dadas se refiere.

Estos «nadie», como aquellos de Eduardo Galeano, sueñan con que un día les llueva la buena suerte. Con un viaje que se convierta en una escapada, en un reencuentro con ellos mismos consiguiendo serlo. Merece la pena saber de ellos, subirse a la parte trasera de una camioneta con un montón de nadie que, en el fondo, podríamos ser nosotros.

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Jupiter’s Moon (Kornél Mundruczó, 2017)

El regreso del mesías

Si algo bueno tienen los festivales de cine es su capacidad como escaparate para la promoción de nombres y cinematografías que pasan más fácilmente desapercibidos por los circuitos comerciales estándar. Estos sistemas de distribución permiten la llegada de películas de partes del mundo cinematográfico relativamente desatendidas en el calendario de estrenos. Si alguna de esas cintas logra, además, alzarse con algún galardón o mención, su distribución comercial será aún más sencilla. Este —de manera simplificada— ha sido el recorrido de Jupiter’s Moon, flamante ganadora como “Mejor película” del Festival de Sitges, hasta las salas de nuestro país.

La película del director húngaro Kornél Mundruczó es un drama fantástico que se escapa de los parámetros visuales y temáticos que la mayoría podemos tener en el imaginario cuando pensamos en cine de Europa del este. Jupiter’s Moon juega durante todo su metraje con largos planos secuencia —a veces toscamente falseados con la ayuda del digital— en los que la cámara,  o bien sigue a los personajes en su recorrido «pasillero» —como en El arca rusa (2002) de Sokurov—, o bien «flota» en el aire creando giros y retorcidas coreografías al estilo de la secuencia inicial de Gravity (Cuarón, 2013); salvando (bastante) las distancias con ambos ejemplos. Esta decisión formal —que termina por destaparse más como fuegos artificiales del audiovisual que como una herramienta visual que sirve a un propósito— coloca a Jupiter’s Moon lejos del drama «festivalero» con tonos grises, planos muy estáticos y ambientes gélidos que suelen llegar de estas regiones del continente.

Hay algo, sin embargo, que puede denotar que la película de Mundruczó viene de la tradición de ese cierto cine europeo: una preocupación temática sobre las miserias del individuo y su sociedad.   Esta idea de la humanidad sin humanidad, valga la redundancia, sobrevuela en torno a Jupiter’s Moon desde su primer plano, en el que un grupo de refugiados sirios trata de cruzar un río para entrar a Europa a través de Hungría. En definitiva, el punto de partida es la gran tragedia que asola nuestras fronteras —y ridiculiza a nuestros gobiernos— en los últimos años.

El mensaje de Mundruczó, sin embargo, no es de pesimismo, sino de necesidad de redención. En el tiroteo que busca evitar la entrada de refugiados, uno de ellos recibe varios impactos, muriendo en el acto. Poco después, una extraña levitación y resurrección evidencian que estamos ante lo que el director húngaro quiere convertir en el mesías. Este refugiado sobrenatural se topa con un médico, alcohólico y profesionalmente denostado, quien, al descubrir sus poderes, no duda en pegarse a él en un ambiguo intento de ayudarle o sacar beneficio económico de la situación. Ambos serán duramente perseguidos por la policía.

El subtexto religioso de Jupiter’s Moon se va evidenciando, a veces de manera excesivamente burda, y, progresivamente aclara el discurso claro que pretende entonar la cinta: hay que recuperar la fe para recuperar la luz. Esto se traduce en una cinta que empieza en la tragedia más oscura y cuyo último plano evoca una luminosidad redentora. Este arco, sin embargo, se lleva a cabo de una manera torpe y, en ocasiones, tramposa.

Toda esta adaptación de la pasión de Cristo a la historia de una suerte de superhéroe atípico refugiado en la Europa del siglo XXI, que tanto jugo podría tener sobre el papel, acaba siendo un panfleto excesivamente moralista, que avanza a golpe de planos secuencia pirotécnicos —algunos, como una persecución en coche, realmente buenos— e interpretaciones apáticas, para terminar empleando, claro, un Deus ex machina.

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Musa (Jaume Balagueró, 2017)

De libros y monstruos

Samuel Salomon (Elliot Cowan) es profesor de literatura en la Universidad de Dublin. Un año después de presenciar la traumática muerte de su novia, Salomon sueña con un extraño asesinato ritual que, días después, termina sucediendo. De esta forma, el profesor se verá envuelto en una aventura contra unos seres sobrenaturales muy ligados al campo de la literatura: las musas.

Jaume Balagueró abandona en esta ocasión las comunidades de vecinos terroríficas del Eixample barcelonés, que podríamos considerar el hábitat natural de su filmografía y que con tanta destreza ha gestionado, desde la saga REC (2007-2014) hasta Mientras duermes (2011). Su nuevo destino es una Irlanda de atmósfera invernal, de lluvia y oscuridad, donde los bloques de pisos de escaleras angostas y casas terroríficas dan paso a grandes casonas no menos inquietantes. Un Dublín cuya selección de habitantes elegidos para protagonizar la cinta se mueven en el entorno —inteligente aunque obviamente escogido— del legendario Trinity College, una referencia perfecta sobre la que cimentar un discurso sobre lo literario, lo esotérico y lo ancestral.

En Musa, Balagueró abandona el tono de terror que te mantiene pegado a la silla esperando el siguiente susto o sobresalto, inclinándose más por la construcción de un relato impulsado por el suspense. Conforma así una suerte de thriller sobrenatural, con gran presencia de elementos míticos presuntamente ocultos en la literatura universal, recordando a aquella suerte de subgénero que tuvo una gran eclosión con el éxito, a principios de los 2000, del novelista Dan Brown y sus adaptaciones fílmicas. Musa no es El código Da Vinci (Ron Howard, 2003) pero sí que se hace eco de ciertos elementos de investigación ocultista que esta popularizó.

Sin embargo, la intriga en Musa no funciona tanto como un proceso de descubrimientos de secretos ocultos como por descifrar la manera de derrotar a un enemigo aparentemente inmortal. Es más un atípico viaje del héroe que una investigación de pistas y acertijos. En este sentido, Balagueró apunta en alguna ocasión a esta segunda lógica de la investigación, sin embargo, suele resolverse con demasiada celeridad, restándole trascendencia como motor de la acción. Estableciendo una comparación con otra obra suya que trabaja el suspense: si en Mientras duermes se pone el acento en el proceso (cómo un hombre acosa de manera creciente a una vecina); en Musa el foco se centra en la resolución: cómo va a ganar la batalla.

El enemigo, por otra parte, el monstruo al que debe enfrentarse Salomon, está gestionado de manera irregular. No es uno, sino siete: las siete musas. Cada una de ellas tiene atribuida una cualidad especial y una se erige como una suerte de «jefe final». Estas características podrían dar lugar a una serie de enfrentamientos, de pruebas en el camino del héroe, que hay que ir venciendo de diversas maneras. Sin embargo, es un elemento desaprovechado y el desarrollo de las siete musas queda bastante desigual: tres o cuatro de ellas quedan bien definidas y aportan gran parte de la acción a la trama, mientras que las demás se limitan a figurar. Quizás es una gestión de los personajes inteligente respecto al tiempo de la película o a la saturación argumental, pero la imagen final es un adversario que queda desdibujado y que, en los momentos cruciales, no parece suponer una dificultad.

Así, Musa queda como un híbrido entre una cinta de aventura que explora el camino del héroe y un thriller de investigación. Quizás la fusión no haya sido excelente, pero queda una obra con momentos interesantes y que, sobre todo, muestra un posible nuevo camino dentro de la filmografía de su autor.

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The Square (Ruben Östlund, 2017)

Cómodo en la incomodidad

Parece algo dudoso que los premios y certámenes cinematográficos puedan servir como criterio fiable para medir la calidad de las películas y sus directores. Sin embargo, sí que son un termómetro bastante fiable de los nombres y las apuestas que la industria quiere destacar o convertir en sus más ilustres representantes. Siguiendo esta lógica, uno de los grandes nombres del cine europeo de esta década es el del sueco Ruben Östlund, quien con solo cinco largometrajes ya es un habitual en las grandes citas del cine europeo. Si con su anterior película, Fuerza mayor (2014) ya recolectó un goloso número de nominaciones y algún premio, con esta The Square ha ido más allá, alzándose con la Palma de Oro de Cannes, uno de los galardones más prestigiosos de Europa.

Resulta evidente que Östlund es un nombre que suena y seguirá sonando con fuerza, seguramente, porque el mercado europeo ha encontrado en él el tipo de cineasta que más le gusta para crear imagen de marca y competir con el mercado americano: un autor. Efectivamente, Ruben Östlund hace un cine muy reconocible. Tanto temática como formalmente, la mano del director sueco se hace notar, haciendo que cada película sea una pieza que encaja perfectamente con las demás para crear una filmografía con sentido de obra autoral.

Si hubiera que resaltar un gran elemento que resumiera la personalidad cinematográfica de Östlund, sin duda sería el del gusto por lo incomodo. Se gusta de crear películas que aborden temas controvertidos en los que hay una opinión «correcta» dominante —como el bullying, o el heteropatriarcado— y tensar las situaciones hasta que esas opiniones tienen que enfrentarse con una actuación de los personajes disonante, en un gesto que saca a la luz continuas incongruencias morales e hipocresía.

En The Square, Östlund hace chocar dos mundos, el de la élite del mundo del arte contemporáneo, con el de los mendigos, por un lado, y la pequeña delincuencia callejera de los suburbios, por otro. Un encontronazo entre dos clases sociales propiciado por un atraco sufrido por Christian (Claes Bang), el director de un museo de arte contemporáneo. El personaje de Bang se pasará la película intentando recuperar su cartera, lo que le provocará encontronazos con una realidad que le es ajena, mientras que la gestión del museo también le proporciona alguna situación de incomodidad dentro de su presunta «zona de confort».

El título de la película es el mismo que el de una obra de arte instalada en el museo, un cuadrado de luz en el suelo que pretende emular una zona de seguridad dentro de la cual todo el mundo se comportaría acorde a los códigos éticos y morales que parecen establecidos pero que rara vez se cumplen. De nuevo, la idea de la disonancia creada entre el discurso y la acción es un tema capital para Ruben Östlund.

Esta sucesión de dualidades en tensión generando momentos de incoherencia no se limita a una cuestión de choque de clases. Al igual que en Fuerza mayor, Östlund recurre a la intimidad, a las relaciones personales, a la confortabilidad del hogar y el dormitorio —que podrían ser el sumun de esa zona de seguridad «cuadrada»— para, también ahí, hacer saltar los protocolos sociales. El director sueco no da concesiones a sus personajes, los coloca en escenas cuyos diálogos generan un extrañamiento —generalmente por incapacidad de que los personajes se comuniquen despojados de los corsés sociales— que aumenta con unos planos perfectamente estirados en el tiempo, los cuales obligan a no entender lo incómodo como anécdota efímera, sino como costumbre.

The Square es una consolidación de lo consolidado. Confirma a Östlund —si es que hacía falta— como un maestro del cinismo, un experto en rodar, con pulso firme y estilo propio, situaciones emanantes de hipocresía y falsas apariencias, todo sin perder un tono humorístico muy particular, tremendamente empujado hacia el límite entre humor negro y el absurdo. Un cineasta y una película que, sin duda, logran encontrar lo confortable justo en su contrario.

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Una Historia sobre la que reflexionar

En 2005, el Año Internacional de la Física, unos investigadores argentinos encontraron en la Patagonia un yacimiento de huevos de dinosaurio con embriones en su interior, el grupo ABBA se reunió por primera vez en más de 30 años, se incendió la Torre Windsor de Madrid, se aprobó la ley del matrimonio igualitario en España, el huracán Katrina azotó Nueva Orleans, entró en vigor el Protocolo de Kyoto, Angela Merkel fue elegida primera mujer canciller de Alemania y se realizó un referéndum nacional para la ratificación de la Constitución Europea en el que participó un 42% de la población.

Algunos de los hechos que sucedieron aquel año nos alegraron y otros nos entristecieron. Hubo bastantes que afectaron nuestras vidas de modo más o menos indirecto, y unos pocos que han acabado por condicionar nuestras rutinas, nuestra cotidianidad y, por qué no decirlo, nuestro modo de mirar. En Febrero del 2005 se creó youtube, y en Abril de ese mismo año Jawed Karim subió a dicha plataforma el primer vídeo. A partir de aquí, numerosos son los cambios que ha propiciado la tecnología respecto al consumo de imágenes en movimiento. En la actualidad, el auge de las plataformas VOD nos ofrece nuevos modelos de consumo y las posibilidades de elección del espectador aumentan de modo exponencial, pero este significativo hecho requiere también de un replanteamiento de las estructuras existentes. Nuevos modelos, no solo de distribución y consumo, sino también de producción. Otras formas de crear cine y darlo a conocer, una multiplicación de pantallas y posibilidades que exige también una recapitulación de lo que hemos logrado hasta ahora y plantea la necesidad de reflexionar sobre el pasado para después poder centrar la vista en el presente con un mayor conocimiento de causa.

A finales del año 2005 nació Contrapicado. Nació gracias a la dedicación y la energía de sus fundadores, Stefan Ivančić y Daniel Ureña, y también gracias a la aportación de numerosos colaboradores. Al mismo tiempo, en el territorio de la crítica cinematográfica online empezaron a proliferar webs y blogs especializados. Compañeros como Blogs & Docs, Letras de cine, Transit o Miradas de Cine entretejieron un corpus crítico alternativo al de la (por otro lado, bastante escasa) prensa impresa de este país y crearon una polifonía de voces que, aun a pesar de encontrarse en los márgenes (o tal vez gracias a ello), enriqueció indudablemente el panorama de la crítica cinematográfica en España. Algunas de estas publicaciones han desaparecido y otras han resistido el paso del tiempo, reinventándose constantemente para adaptarse a los cambios que ha traído consigo la segunda década del S XXI. Nosotros seguimos aquí después de casi 12 años a nuestras espaldas y nos gustaría celebrarlo con un número muy especial (el 50, nada menos) dedicado al cine español de la última década. Un repaso a todas aquellas películas que nos han marcado en estos últimos años, que han sido objeto de polémica y debate, que han educado nuestra mirada y que, de uno u otro modo, han acabado por formar parte de la historia del cine español más reciente. Una historia que ha vivido la instauración definitiva del vídeo digital y la democratización de la tecnología, pero también el cierre masivo de salas de cine con la llegada de la crisis. Una historia con altos y bajos, con contradicciones, con momentos memorables, con iniciativas pertinentes y necesarias. Una historia sobre la que os invitamos a reflexionar. A vosotros, como lectores, y también a todos aquellos a los que hemos tenido la oportunidad de entrevistar: directores de festivales, programadores, fundadores de plataformas VOD, críticos de cine… Porque sabemos que un discurso en el que participan varias voces es siempre infinitamente más interesante, más enriquecedor y más necesario. Por eso, a todos aquellos que habéis participado de uno u otro modo en este número 50 de Contrapicado, muchas gracias.

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Entrevistas

Desde Contrapicado, entrevistamos a algunos directores de festivales, plataformas de Video on Demand, programadores, críticos etc, y hablamos con ellos sobre la situación del cine español: ¿Qué momento atraviesa? ¿A qué nos referimos cuando hablamos de generaciones de cineastas? ¿Ha habido un cambio de paradigma de producción y consumo en estos últimos años? ¿Cuál será el futuro del cine español? Preguntas oportunas sobre las que creemos necesario reflexionar con todos ellos.

 

 

Entrevista a Carlos R. Ríos, director del D'A Film Festival, Barcelona Entrevista a Luís Parés, coordinador de contenidos de Historia de Nuestro cine

 

Entrevista a Cristina Riera y Tess Renaudo, directoras de L'Alternativa, Festival de Cinema Independent de Barcelona

Entrevista a Xavi García Puerto, director del REC, Festival Internacional de cine de Tarragona

 

Entrevista a Víctor Berlin, fundador de PLAT Entrevista a Javier Rueda, miembro fundador de Zumzeig Cinecooperativa, Barcelona

 

Entrevista a Toni Espinosa, responsable de programación de los cines Girona  Entrevista a Jaume Ripoll, fundador de Filmin y director del Atlántida Film Fest

 

 Entrevista a Diego Rodríguez, director del Festival Márgenes   Entrevista a Alejandro Díaz, director del Festival de Cine de Gijón

 

 Entrevista a Fran Gayo, director del Festival de Cine de Ourense
Entrevista a Jordi Costa, crítico de cine y docente

 

 Entrevista a Ángel Mora, fundador de Artistic Metropol

 

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