Archivo de la etiqueta: Isaki Lacuesta

Donostia Zinemaldia – Festival de Cine de San Sebastián (27/09/2018)

Jornada 7

Entre dos aguas (Isaki Lacuesta)

¿De qué va? Después de salir de la cárcel, Isra vuelve a su pueblo natal para reencontrarse con su familia y tratar de emprender una vida normal. Allí, su hermano Cheíto sirve a la marina.

¿Y qué tal? Doce años después de La leyenda del tiempo (2006), Isaki Lacuesta vuelve a trabajar junto a su protagonista gitano, Israel Gómez. Como en la trilogía Antes de…, de Richard Linklater, Entre dos aguas se organiza sobre la elipsis que ha mantenido a su protagonista ausente durante doce años.

En el reencuentro del realizador y el actor, los flujos entre la ficción y el documental son tan intensos que resulta imposible tratar de descifrar qué corresponde a cada terreno. El respeto y el afecto con el que Isaki Lacuesta filma a todos sus personajes se respira en cada una de sus secuencias. El plus de verdad de Entre dos aguas no hay que buscarlo discriminando cuáles hechos son reales y cuáles ocurrencias, sino en la mirada del realizador y en el lenguaje de sus personajes. Isra y su hermano Cheíto se entregan a la ficción con un realismo y una naturalidad insuperables, y la película convierte su historia íntima en la crónica social de toda una época. Sin duda, se trata de una película monumental. Viendo el resultado, los doce años de espera entre La leyenda del tiempo y Entre dos aguas han valido cada hora de espera.

 

The Sister Brothers (Jacques Audiard)

¿De qué va? En Estados Unidos, en el año 1850, los hermanos Sister (John C. Reilly y Joaquin Phoenix) persiguen por orden del comodoro a un prospector de oro.

¿Y qué tal? Desde el mismo título, el director francés Jacques Audiard rinde homenaje a las películas de cowboys y forajidos de la edad de oro del western. Aunque no falto de un particular sentido del humor, The Sister Brothers es un relato brutal en el que se puede rastrear la huella de los grandes realizadores del género: Ford, Hawks, Peckinpah… Los disparos de los hermanos Sister son certeros y ensordecedores, y no se compadecen de nadie.

Acompañados por la formidable música de Alexandre Desplat, la dupla C. Reilly / Joaquin Phoenix recorre los paisajes de un salvaje oeste hostil y despiadado. Probablemente el amor fraternal entre ambos personajes sea uno de los rasgos más notables de este western fronterizo, donde los hermanos Sister no dejan de ser dos niños grandes que sueñan con volver bajo el porche familiar.

Cómprame un revólver (Julio Hernández Cordón)

¿De qué va? En un futuro no muy lejano, en el que los narcotraficantes se han hecho con el control de México y las mujeres prácticamente han desaparecido, un padre y su hija malviven en un campo de baseball.

¿Y qué tal? La distopía violenta de Julio Hernández Cordón es como el cuento que un padre contaría a su hija para intentar explicarle la deriva contemporánea. No por casualidad, la protagonista de Cómprame un revólver, Matilde Hernández, es la hija del director de la película.

La narrativa de Mark Twain, los niños perdidos de Peter Pan o el mundo postapocalíptico de Mad Max (George Miller, 1979) son algunos de los elementos con los que trabaja Hernández Cordón en Cómprame un revólver. A ellos se suma una notable afinidad con el videoarte, que da lugar a algunas de las imágenes más originales y fantásticas de su relato. Marcada por la violencia, la película está narrada por una ingenua voz infantil, pero es más bien una llamada de atención, en forma de carta, al mundo adulto.

Publicado en Festivales, Jump cut | Etiquetado , , , , , , , , , , , | Comentarios desactivados en Donostia Zinemaldia – Festival de Cine de San Sebastián (27/09/2018)

Donostia Zinemaldia – Festival de Cine de San Sebastián (20-21/09/2011)

8 y 1/2

Un festival de cine siempre acaba siendo la historia de un sacrificio. En mi caso el más doloroso se debate entre las cinco horas de sueño diarias y el que todavía no haya podido cumplir con el que era mi objetivo a priori: empaparme de todo Jacques Demy en pantalla grande. No hay queja implícita en esta afirmación: uno acepta las consecuencias de sus decisiones. Lo que hoy sí hay es la sensación de que uno ha sido infiel al maestro con ocho obras y media (tal vez nueve) que no siempre han estado a la altura de ese primer amor.

La esposa: Nader & Simin, una separación (Asghar Farhadi) es una rival de altura. Comienza con el posible divorcio de un matrimonio y acaba con un juicio por homicidio involuntario consecuencia indirecta de ese primer proceso: de una esposa a las esposas. No daré más datos sobre la trama ya que no harían justicia a la minuciosa construcción de este implacable drama que poco a poco se va transformando en una película de pura acción (dialéctica). Es, de momento, el filme más redondo y palpitante de lo que llevamos de Festival. Una especie de Aaron Sorkin iraní que sobrecoge, turba y apasiona. Una película que bien merece un anillo de diamantes.

La amante: El humor, como las queridas, es alérgico a la solemnidad [1]. Extraterrestre (Nacho Vigalondo) es, en este sentido, una parodia cinematográfica que cuestiona los confines y potestades de los géneros. A medio camino entre una película de invasiones extraterrestres y una comedia romántica con ingredientes de sitcom, Vigalondo consigue culminar (¿darle un punto y final?) el fenómeno Chanante, impulsar el portento Noguera y todo sin renunciar por un segundo a ser un producto independiente. Extraterrestre respeta las convenciones de los géneros, las sitúa en un escenario imprevisto y la mezcla da lugar a algo reconocible pero nuevo: sus flashbacks típicamente shyamalianos son, al mismo tiempo, un remedo jocoso, resolutivos en la trama y descriptivos con los personajes. Extraterrestre es la mejor comedia/ciencia ficción española en eones.

La musa: El árbol de la vida (Terrence Malick) es una travesía inspirada por dos contrarios: toma el enfrentamiento entre Dios y la Naturaleza como útiles a la hora de interpretar el mundo. Se ha hablado mucho y bien de la última película de Terrence Malick (entre otros sitios, aquí mismo), por lo que seré breve (y no demasiado original): la última ganadora de la Palma de Oro es una experiencia única e inagotable. Uno puede aceptar a regañadientes el hecho de que en su conclusión se le dé más importancia a uno de los viajes que al otro, pero incluso con ello lo cierto es que esta no es una película donde el remate final tenga importancia. El partido estaba ganado desde el minuto cero.

La estrella de cine: El flirteo con una diva tiene sus peligros. Por un lado, uno sabe que su talento ha sido corroborado ya por la admiración profesada por miles de personas. Por otro, existe el riesgo de decidir que el galán gusta antes de haberlo probado. Shame (Steve McQueen) es Michael Fassbender, luego, puro magnetismo. Pero al final, tener cerca al astro acaba suponiendo bajarlo también de las alturas: los pequeños planos secuencia que forman Shame son maestros pero, a diferencia de Hunger (2008), la anterior película del director, aquí el conjunto de los mismos no traza ningún contexto. La caída sexual del protagonista se intuye condicionada por un trabajo que anula, una relación incestuosa, un acceso forzoso a la cultura del hedonismo, etc., pero ninguno de esos principios se desarrolla más allá del guiño. El declive, además, provoca cierto rubor: homologar una masturbación o el sexo homosexual con un descenso a los infiernos es demasiado apostólico para una película que presume de pecaminosa. Michael Fassbender es fascinante, eso sí, pero Shame todavía no se ha ganado la plaza de estrella: de momento es más bien un meteorito.

La adolescente: Abrir puertas y ventanas (Milagros Mumenthaler) habla de tres adolescentes que viven solas en la casa de su abuela recientemente fallecida. Cada una afrontará el sentimiento de pérdida de una manera diferente: siendo incapaz de aceptar los cambios, con una necesidad de renovación total, o huyendo del hogar. Lo que más llama la atención es un uso deslumbrante del espacio: cada uno de los escenarios y sus respectivos muebles representa un personaje y un estado de ánimo muy concreto. La película es un inusitado producto, lleno de una melancolía propiamente teen, que mira a sus protagonistas de tú a tú, sin ningún tipo de condescendencia.

La prostituta: La voz dormida (Benito Zambrano) es una prostituta dicharachera, orgullosa de serlo, que no por eso deja de tener un poso de tristeza y amargura: probablemente no conozca otro mundo. Se trata de una película bien rodada, con dos actrices (María León e Inma Cuesta) inconmensurables, y la apariencia de ser una obra dispuesta a denunciar injusticias históricas. La realidad es que es un filme demagógico, incapaz de ver más allá de las cuatro paredes donde se dedica a satisfacer a una clientela que sólo quiere más de lo mismo. La voz dormida banaliza el franquismo (y, con ello, su propio mensaje) con unos villanos y unos héroes extremos; subasta la verosimilitud narrativa en aras del puñetazo moral y está anclada en una época (y un cine) de manera inmóvil y caducada. El uso del maquillaje hace que, en ocasiones, parezca luminosa, pero no hay que engañarse: debajo de la pintura se esconde una obra arrugada, polvorienta y que, a estas alturas, ya ha sido sobada en exceso.

La madre: Hacer un filme de animación adulto sobre la vejez es algo que ya de por sí despierta muchas simpatías. Arrugas (Ignacio Ferreras) es conmovedora y muestra un gran decoro. Explica algunos entresijos que se ocultan tras una residencia de ancianos y lo hace con un guión sencillo donde la enfermedad es el único malo de la película. Tiene un tratamiento maternalista y explicativo, casi didáctico, sobre el abandono de los mayores de la familia, pero está resuelto dignificando a sus protagonistas. El problema está en su factura técnica: aunque recoge los dibujos del comic en el que se basa con decisión, tanto los fondos, como los movimientos y los tipos de plano carecen de todo tipo de detalle. No se trata de pedir una película “bonita”, pero Arrugas se concibe como una animación humilde y se salda como directamente pobre.

Las hermanas: Las dos películas que Isaki Lacuesta ha presentado son el peor tipo de infidelidad posible: aquella que surge cuando ni siquiera te apetecía consumar. Los pasos dobles y, en menor medida, El cuaderno de barro se me aparecieron en un momento de cansancio extremo, cuando era imposible argumentar si quería enamorarme o borrar su número de teléfono. Presentan algunos temas muy interesantes: la figura del doble, la búsqueda de la Capilla Sixtina en África, el rol de líder, el albino como opuesto en Los pasos dobles & la intensa materialidad fílmica de El cuaderno de barro (una obra que recoge el mejor 3D posible en dos dimensiones). Sin embargo, el resultado es difuso y desenfocado. Da la sensación de que abren mil vías y no terminan con ninguna (Los pasos dobles, por ejemplo, dura 86 minutos pero bien podría haber seguido ad infinitum). Es posible que el problema esté en esta ocasión más en la actitud de lectura que en la intención del autor. Habrá que darle otra oportunidad cuando comience su recorrido en salas: ya se sabe que en los festivales los sentimientos se magnifican.

Notas:

  1. "[el humor] desacraliza, desmitifica, rechaza la gravedad, ejerce, en suma, un trabajo de destronamiento generalizado de los valores” ROAS, David: “Humores posmodernos. Hacia una epistemología de la risa en la (supuesta) Era del Vacío”, en OROZ, Elena y DE PEDRO, Gonzalo (Eds.): La Risa Oblicua, Madrid: Ocho y medio, 2009. 
Publicado en Jump cut | Etiquetado , , , , | Comentarios desactivados en Donostia Zinemaldia – Festival de Cine de San Sebastián (20-21/09/2011)