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Top D’A Film Festival 2018

Terminamos nuestro decálogo de textos sobre el D’A Film Festival con un Top 15 de los mejores momentos.

Carlos Balbuena

 –El desolador plano final de Escoréu, 24 d'avientu de 1937, En el que Ramón Lluís Bande invoca a los 10000 cuerpos aún enterrados en las cunetas asturianas.

–La incontinencia verbal de Tesa Arranz en Aliens, de Luís López Carrasco, haciendo un repaso a todos los nombres propios de la Movida, incluido un Pedro Almodóvar del que dice que ni tenía talento ni era interesante.

–La tremenda y desgarradora reflexión sobre la maternidad que Carolina Astudillo hace en primera persona en su maravillosa Ainhoa, yo no soy esa.

–La sesión de Fasenuova sobre Maya Deren. Una verdadera EXPERIENCIA audiovisual (y sí, EXPERIENCIA, en letra mayúscula).

–El maravilloso blanco y negro, rodado en 35 mm, de Amante por un día. Hay siempre algo de cine de la Resistencia que me emociona en Philippe Garrel.

 

Marla Jacarilla

–La hermosa secuencia del baile de En attendant les hirondelles de Karim Moussaoui, en la que los gestos y miradas de sus protagonistas dicen mucho más que todos sus diálogos.

–El desolador final de Frost, de Sharunas Bartas. Una película en la que la guerra es un elemento desconocido, extraño y ajeno. Al menos, hasta que ya es demasiado tarde como para huir de ella.

–El desconcertante final de Dhogs, de Andrés Goteira. Un final en el que se pide al espectador que tome partido, esta vez sí, de forma activa y consciente.

–El descacharrante inicio de Oh Lucy!, que tiene lugar en la academia de inglés más bizarra a la que hayamos podido asistir jamás.

–Los gloriosos minutos que Guy Maddin le dedica a Chuck Norris (triste) en The Green Fog, el modo infalible de conseguir que toda una sala de cine se ría a carcajada limpia. 

 

Enrique Aguilar

Amante por un día. Mirar, bailar, sentir.

Trinta Lumes. Escuchar la lluvia.

Les Unwanted de Europa. Dos cuerpos que caminan, gestualidades diferentes, una frontera.

Cocote. Ritual.

A Ciambra "Siamo noi contro il mondo".

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D’A Film Festival 2018 (IV)

La reconstrucción de la intimidad

Con su primera película, El gran vuelo, Carolina Astudillo intentaba rastrear la figura de la militante del PSUC Clara Pueyo Jornet que, tras una condena a muerte, consiguió escapar de la prisión de Les Corts, en Barcelona, y desaparecer para siempre. La información y material gráfico del que disponía Astudillo era mínima: apenas unas fotos y algunas cartas. Cuando Clara Pueyo salió por la puerta de la cárcel (parece ser que por la mismísima puerta principal) consiguió de alguna manera que desapareciese con ella todo rastro de sí misma. Esa dificultad inicial la cineasta la asume como reto y consigue que su película acabe hablando, a partir de esa ausencia, del papel injustamente silenciado de la mujer en el proyecto revolucionario de la izquierda clandestina.

De Ainhoa Mata Juanicotena, al contrario de lo que ocurría con Clara Pueyo, lo que hay es sobreabundancia de material: años de vida familiar grabados compulsivamente con una cámara de Super 8, fotografías, conversaciones telefónicas; pero, sobre todo, los diarios que desde la adolescencia fue escribiendo la propia Ainhoa y que, de alguna forma, constituyen no solo el contrarelato de la imagen idílica que aparece en vídeos y fotografías, sino también una crónica  paralela, personal, en femenino, y por supuesto, brutalmente desencantada de la transición.

Carolina Astudillo lidia con todo este material de manera brillantísima y, en una labor monumental de guion y montaje, construye una película inabarcable, inagotable, poética, sincera y sentida. La cineasta se expone hablando desde la subjetividad de su experiencia personal que hace dialogar con la de Ainhoa, en un gesto de intimidad y complicidad verdaderamente emocionante. Y sin embargo lo que define Ainhoa, yo no soy esa es la polifonía, compuesta en su mayor parte de voces femeninas. Aparece, por supuesto, la voz íntima y cruda de los diarios de Ainhoa, leídos por la escritora Isabel Cadenas, que hablan de una mujer rebelde y frágil, sensible y en permanente lucha por su libertad, y que adquieren toda su dimensión al solaparse con las deterioradas películas y fotografías familiares; está la voz de la cineasta, tan lúcida, reflexiva y cercana a la de Ainhoa (“Querida Ainhoa, he decidido escribirte aun sabiendo que nunca leerás esta carta”, dice la voz en off de Astudillo al empezar la película); Y están las voces invocadas de otras muchas mujeres, escritoras, pensadoras y artistas que han reflejado en sus diarios esos mismos combates que libra Ainhoa: Alejandra Pizarnik, Sylvia Plath, Sherrie Levine, Susan Sontag, Frida Kahlo,…

Ainhoa, yo no soy esa es una película cuya fuerza poética y despliegue reflexivo la convierten en una de las grandes películas del festival.

Qué sesión más sorprendente vivimos ayer en el teatro del CCCB. La plasticidad de las obras de Maya Deren y la absorbente música electrónica industrial de Fasenuova mantienen un diálogo riquísimo, de un brutal impacto sensorial. La música, en este caso, no complementa ni acompaña, no está solapando la imagen ni haciendo innecesarios subrayados, todo lo contrario: añade capas de texturas, de matices, de rugosidades a la portentosa riqueza visual de las obras de Deren.

La belleza sin duda era esto: la ductilidad de los cuerpos que se retuercen, se parten, se desdoblan, danzan y hasta levitan mientras se relacionan con los objetos y los entornos, todo al ritmo de unos sintetizadores que parecen formar parte de ese estudio/disección del Cuerpo recorriendo en pocos minutos todo el abanico posible de estados de ánimo, desde el sufrimiento hasta el éxtasis, en los cuatro títulos que pudimos disfrutar (Meshes of the Afternoon, 1943; At Land, 1944; Study in Choreography for Camera, 1946; y The Very Eye of Night, 1958).

Fasenuova sobre Maya Deren habla un idioma particular dentro de este festival (dentro de cualquier festival, en realidad). Pasa pocas veces que una obra audiovisual exija únicamente sentarse y disfrutar.

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