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Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya 2018. Películas destacadas (II)

Continuamos con la segunda parte de este resumen con las películas más destacadas del festival y llegamos a los primeros puestos. Nos decantamos por cinco películas valientes y polémicas, muy distintas a nivel tanto de género como argumental, pero que tienen en común una decidida vocación de riesgo y la clara intención de no pasar desapercibidas allá donde vayan.

  1. The House That Jack Built (Lars Von Trier, Dinamarca)

Incontinencia narrativa, humor negro, exceso, constantes referencias a su obra y también a obras ajenas, autoparodia, polémica, cinismo, barroquismo visual postdogma… ¿Algún concepto más que se os ocurra relacionar con el (ya no tan) enfant terrible del cine danés?  Tal vez el festival de Sitges sea un lugar más apropiado para el último filme de von Trier que el glamuroso Cannes, donde provocó la indignación (y posterior huida) de gran parte del público durante la première oficial. Pero si hay algo que este director sabe hacer es reírse de sí mismo mediante su obra. The House That Jack Built sigue el rastro de humor negro dejado anteriormente por algunas de sus películas y tiene como protagonista a un Matt Dillon tan efectivo como excesivo, desquiciado psicópata asesino con un trastorno obsesivo compulsivo que le lleva a vivir situaciones de una inesperada comicidad. En definitiva, sufrimiento y carcajadas a partes iguales. Y por el camino, algunas reflexiones tan lúcidas como desmedidas sobre el asesinato como una de las bellas artes.

  1. In Fabric (Peter Strickland, Reino Unido)

Para todos aquellos que disfrutaron con la cuidada puesta en escena de la onírica y sensual The Duque of Burgundy (2014), Peter Strickland ha dirigido In Fabric, cuento de terror vintage capaz de arrancar a sus desprevenidos espectadores constantes carcajadas. Sorpresivo relato que coquetea con el giallo, pero también con el humor absurdo. Delirio visual y narrativo, audacia fílmica inclasificable y heterodoxa que ilustra a la perfección la incontrolable fuerza del fetichismo. ¿Quién nos iba a decir a estas alturas que una película sobre un vestido asesino podría sorprendernos? Pues bien, Peter Strickland lo ha conseguido con In Fabric.

  1. Lazzaro felice (Alice Rohrwacher, Italia)

       *Premio de la Crítica José Luis Guarner

       *Sección Oficial, Premio Especial del Jurado

       *Premio del Jurado Joven

Premio al mejor guion en el último Festival de Cannes, la nueva película de Alice Rohrwacher ha logrado también conquistar al jurado de la crítica del Festival de Sitges y se ha alzado con el Premio José Luis Guarner, además del Premio especial del Jurado y el Premio del Jurado Joven. Con ecos al Pasolini más humanista, a algunas películas de Fellini, otras de Visconti e incluso al Kusturica de Underground (1995), Lazzaro Felice logra, mediante la apariencia de una inofensiva fábula, realizar una profunda y crítica  reflexión sobre el neoliberalismo y las estructuras de poder que perpetúan la abismal diferencia de clases.

  1. Season of the Devil (Lav Diaz, Filipinas)

¿Hay algo más arriesgado que dirigir un musical a capella, en blanco y negro, de cuatro horas de duración, sobre la conflictiva y sanguinaria militarización de Filipinas en los años ochenta? ¿Hay alguien más apropiado que Lav Diaz para dirigirlo? Season of the Devil ha sido, sin duda alguna, una de las películas más extremas y audaces de este festival. Tan solo algunos inconscientes se atrevieron –nos atrevimos– a dedicar cuatro horas de sus respectivas vidas a un experimento de tal envergadura. La contundente crítica a la dictadura de Ferdinand Marcos y los largos planos secuencia presentes en la mayoría de sus películas, se han convertido ya en el sello personal del director. ¿Os imagináis cómo sería una violación a manos de despiadados militares y cantada a ritmo de blues? Yo hace casi una semana que la presencié y todavía no me la puedo quitar de la cabeza.

01.Domestik  (Adam Sedlák, República Checa)

      *Mención especial, Sección Noves Visions

      *Premio Citizen Kane a la mejor dirección nobel

La opera prima de Adam Sedlák disecciona una adicción descontrolada con la milimétrica exactitud de una incisión practicada por un experimentado cirujano. Con una puesta en escena tan minimalista como contundente (menos es más, como bien decía Mies van der Rohe), con tan solo tres personajes y apenas un par de lugares en los que ubicar todas las secuencias, Sedlák configura una angustiosísima pesadilla anclada en la repetición que nos muestra cuán siniestro puede llegar a ser nuestro comportamiento cotidiano cuando se ve perturbado por una obsesión incontrolable, tanto si se trata de ser madre como de lograr el estatus de ciclista de élite.

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‘Melancolía’ (‘Melancholia’, Lars von Trier, 2011)

Wagner o la exacerbada belleza del fin del mundo

Que la llegada del Apocalipsis es uno de los temas preferidos por lo directores de cine es algo que sabemos desde hace mucho tiempo. Y que las maneras de abordar un tema como éste pueden ser muchas y muy variadas también lo sabemos. Tras la polémica terapia que resultó ser Anticristo (Antichrist, 2009) el director danés regresa con, según sus propias palabras, “una bella historia de amor sobre el fin del mundo”.

El prólogo de Melancolía nos muestra unas hermosas, hermosísimas (demasiado hermosas diría yo) escenas que por momentos nos podrían recordar a los trabajos más visualmente impactantes del videoartista Reynold Reynolds. Durante ocho minutos una serie de imágenes oníricas a cámara lenta nos muestran la parte más bella de lo que para Lars von Trier vendría a ser el fin del mundo. Si en Anticristo era la música de Haendel la que sonaba durante el prólogo, esta vez es Wagner, con toda su grandiosidad, el que pone la banda sonora al choque de la Tierra con el planeta Melancolía, diez veces más grande que ella. Podríamos pensar, tratándose de alguien como von Trier, que se trata de un guiño a su propio ego. Que él, en su infinita pericia y magnanimidad como contador de historias ha decidido arriesgarse esta vez con una que sea bigger than life, con su película más grandiosa hasta el momento, con una obra de arte total. O también podríamos pensar por supuesto que sus intenciones van mucho más allá del mero egotrip autocinefílico.

Justine y Claire son las dos protagonistas de la historia, dos hermanas que estructuran el filme en dos capítulos distintos, dos personajes de carácteres completamente opuestos que afrontan el acercamiento del planeta Melancolía de formas radicalmente distintas. Mientras von Trier, depresivo crónico, afirma sentirse identificado con Justine (sutil interpretación de Kirsten Dunst llena de matices), define al personaje de Claire (Charlotte Gainsbourg) como “una persona normal”, alguien con ganas de vivir, aterrorizada por el fin de la humanidad. La oposición de ambas personalidades se convierte en el eje vertebrador de una historia que no tendrá segunda parte. El personaje de Justine, incómoda y desubicada al principio de la película, intentando sin éxito creerse el ritual de su propia boda, irá poco a poco encontrando su lugar en el mundo justo cuando el Apocalipsis se convierta en algo inevitable. Su hermana, por el contrario, sufrirá  el efecto contrario dejándose dominar por el pánico ante el inminente acercamiento del planeta Melancolía.

No es la primera vez que se aborda el Apocalipsis desde una perspectiva “de autor” y prescindiendo (al menos durante la mayor parte del metraje) de efectos especiales, grandes explosiones o mares que se dividen. Ya en el 2003 Michael Haneke hizo lo propio con la desgarradora El tiempo del lobo (Wolfzeit, 2003) y el Festival de Cinema de Sitges de este año nos ha regalado unos cuantos ejemplos más con directores como Abel Ferrara (4:44 Last Day On Earth, 2011) o Béla Tarr (The Turin Horse, 2011). Pero creo (y recalco, aunque sea entre paréntesis, que se trata de una opinión totalmente subjetiva) que el fin del mundo no es para von Trier más que una excusa para hablar de esas otras cosas que son realmente las que le interesan. De ahí que ese planeta amenazante tenga un nombre tan descriptivo, tan definitivo, tan definitorio.

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Sitges 2011 – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya (11/10/2011)

El apocalipsis según Lars

Con mucho miedo, muchas dudas y mayores reticencias me dispongo a contemplar la nueva película de Lars Von Trier, Melancholia, porque ante todo sinceridad: Lars no es santo de mi devoción y eso implica una serie de prejuicios muy difíciles de superar a la hora de ver una película. Sin embargo, no hay que obviar que cualquier estreno del director danés es siempre un acontecimiento, ni que sea por la polémica o los debates apasionados que normalmente generan sus films entre detractores y partidarios.

Toda esta aclaración inicial viene al caso debido a que, a pesar como decía de los prejuicios, no cabe duda de que estamos, no solo ante posiblemente la mejor película de Lars Von Trier, sino una de las mejores del festival y de los últimos años. Este es un film cuya película de referencia según el director es Sacrificio (Offret, Andrei Tarkovski, 1986) y en general el cine del director ruso y así lo hace patente en un prólogo donde pone todas la cartas sobre la mesa en cuanto a homenaje cinéfilo para luego pasar directamente a su film obviando así cualquier tentación de búsqueda de referencias durante el metraje.

Estructurado en dos partes se nos muestra en la primera la celebración de una boda, momento álgido de alegría que el director aprovecha para sentar las bases, para profundizar en la psique de sus personajes centrándose en los conflictos tanto internos como externos que les afectan. Una forma de sumergirnos de forma un tanto quirúrgica en un ambiente tenso, denso donde esa presunta alegría desaparece a favor de unas sombras que se alargan cada vez más.

Es en el segundo tramo donde asistimos al apocalipsis, tanto en la desestructuración familiar final como en la destrucción absoluta del planeta, destacando sobremanera cómo Von Trier maneja perfectamente los tiempos, estirando (esculpiendo) el clímax hasta crear una tensión insoportable. Todo ello desde una cierta lejanía emocional, sin dejar que nos impliquemos demasiado con los personajes, sencillamente mostrando que su película es un artefacto ficcional, pero un artefacto bello, lleno de matices cuya finalidad no es amar u odiar a sus integrantes sino maravillar con su obra como un todo.

Estaba claro que Melancholia ponía el listón muy alto en el día de hoy, pero eso no es óbice para reconocer que una cosa es la comparación y otra ver films como Twixt, película que bien podría ser el certificado de defunción de Francis Ford Coppola. La ventaja de su última producción es que no generará mucha polémica, sencillamente se trata de una cinta ignominiosa viniendo de quien la firma. Coppola trata de volver a sus orígenes en el cine de género y nos factura un film con ciertos aires de John Carpenter y una estética por momentos rescatada de su Dementia 13 (1963). Más allá de ello encontramos un argumento disparatado cuya plasmación combina un lamentable uso del 3D, con recursos formales absolutamente inapropiados o desfasados como la pantalla partida para sostener un diálogo o la introducción del blanco y negro con puntos concretos de color. Junto a todo ello un Val Kilmer que ya no lo rescata ni Tarantino y la últimamente omnipresente Elle Fanning, situándose una vez más como lo único salvable del film. Un cierre de jornada que merecía sin duda algo mejor.

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