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L’Alternativa 2012 – 22/11/2012

Doble alumbramiento

Texto de Aaron Cabañas y Enrique Aguilar.

Como ya hiciera en su anterior documental, Bagatela (2009), en el que seguía de cerca el proceso de encarcelamiento de unos jóvenes de Bogotá, Jorge Caballero vuelve a indagar aquí sobre lo institucional. Nacer. Diario de maternidad no tiene más pretensión que la que su título anuncia, a pesar de contener cierta denuncia social hacia el estado de la sanidad pública colombiana. Mediante una estructura regular de episodios que datan los días clave en un embarazo, cada uno titulado con un verbo relacionado con el proceso de gestación, el director nos acerca las circunstancias de cada una de las futuras madres que protagonizan la cinta. Este acercamiento se hace de forma progresiva y delicada, evidenciando cómo a medida que avanza su embarazo aumenta la cercanía con respecto a ellas. La puesta en escena, pues, parte del plano general de la sala de espera con el que abre el film, para culminar en el primer plano de un recién nacido que lo clausura. En medio queda el paulatino acercamiento de la cámara y los encuadres cada vez más centrados en las parturientas. De hecho, la figura del hombre es aquí anecdótica, pues, salvo secuencias fugaces, la práctica totalidad del documental parece evitar la presencia masculina. Y así lo descubrimos en los rutinarios cuestionarios preparto que los enfermeros les hacen a las futuras madres y en los que la mayoría confiesan estar solteras, divorciadas o incluso viudas. Aun así, la exclusividad genérica (las únicas protagonistas son las mujeres, por méritos propios) no le resta un ápice de interés. En los partos, Caballero compone los planos con suma elegancia y sin mostrar nada desagradable, aunque se nos puede descubrir en algún momento la verdadera magnitud de ciertas situaciones siempre edulcoradas o distorsionadas en producciones hollywoodienses como, por ejemplo, Nueve meses (Nine months, Chris Columbus, 1995). Lo verdaderamente importante, al final, es que su director nos muestra la dimensión tangible y realista de un hecho sobre el que aún pesan el misticismo y el hecho religioso.

Después del encuentro con la actriz y cantante francesa Jeanne Balibar pudimos asistir también a la única proyección programada de L'idiot (Pierre Léon, 2008). Partiendo de la obra de Fiódor Dostoiévski, el film condensa en una hora un fragmento de la historia relatada en el libro y lo hace de forma tan sencilla que aparentemente roza lo simple. Un espacio reducido a poco más que una habitación, un grupo de actores y un juego, nada más que esto necesita Pierre León para situarnos ante una dinámica perversa en la que los personajes han de explicar la acción más vil que han cometido en sus vidas y cuyo funcionamiento dará paso a la revancha libertaria de Natasha Philippovna (Jeanne Balibar). León aprovecha la poca movilidad a la que obliga la falta de espacio para situar a los personajes sentados mirándose unos a otros, como si hubiera un único centro, una mesa a la que están sentados y sobre la cual se ha situado la cámara como invitada de lujo capaz de captar la dinámica impresa por el juego de miradas.

El abismo de pasiones característico de la obra del escritor ruso se pone en escena precisamente mediante el gesto, con el movimiento bufonesco de Ferdychtchenko (Jean Denizot) quien propone el juego, con la rigidez de Totsky (Bernard Eisenschitz) o el malestar del General Epantchine (el propio Pierre Léon), con las lágrimas de Daria Alexeievna (Sylvie Testud) pero sobre todo con el gesto verbal, con la palabra que se erige en L’idiot como verbo que alumbra imágenes a partir del discurso hablado en cada una de las acciones innobles que se relatan en escena. Lo que parece entonces mero teatro filmado se desvela como un calculado ejercicio de sencillez clásica que propone un montaje cuya piedra angular es la correspondencia entre miradas-plano (las diatribas de Natasha Philippovna) y miradas-contraplano (las reacciones de los hombres que se sienten heridos). La palabra es movimiento y en L’idiot se concreta en acción dramática que revoluciona las relaciones de subordinación entre los personajes. Que toda esta forma y contenido se concrete en 61 minutos es francamente asombroso. Una vez más, la sencillez poco o nada tiene que ver con la simpleza.

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L’Alternativa 2012 – 20/11/2012

Inauguración y Previa

Con la proyección de Ne change rien (2009) de Pedro Costa, arrancó ayer esta decimonovena edición del Festival Internacional de Cinema de Barcelona, l'Alternativa, que este año contará con la presencia de Jeanne Balibar, actriz francesa de cine y teatro, cantante, bailarina y ahora también directora, como puede deducirse de innegable versatilidad y talento más bien desaprovechado. Balibar nos presentó ayer la cinta de Costa y estará hoy en la Filmoteca presentando su ópera prima Par exemple, Electre (codirigida con Pierre Léon), así como en un encuentro que tendrá lugar el jueves en el Instituto Francés. Dicho encuentro servirá de actividad complementaria a la retrospectiva que este año le ha preparado el festival con sus películas más representativas, entre las que se encuentra Ne change rien. Lo que no deja de ser una pequeña gran decepción es la repentina ausencia del cineasta portugués. A pesar de ser un habitual de las retrospectivas en muchos festivales y de haber visitado Barcelona anteriormente, no hace mucho, y aunque desconozcamos el motivo real de esta ausencia, quien escribe estas líneas no deja de lamentar la falta de uno de los cineastas que mejores respuestas sabría plantear a las dificultades económicas que atraviesa el sector cinematográfico. A pesar de ello, contaremos igualmente con su retrospectiva, que dejará un buen título como el ya citado y otras obras que siempre merecen una revisión: Ossos (1997), O nosso Homem (2010), y No Quarto da Vanda (2000), que, más que películas, en realidad son radiografías en movimiento de lo que se halla al margen, en el fuera de campo, de nuestra sociedad actual. Y si las presencias pueden ser uno de los platos fuertes de un festival, no podemos olvidar que l'Alternativa tiene una de las programaciones más diversificadas y mejor definidas del panorama nacional. La sección oficial de largometrajes cuenta con 11 trabajos, entre los que destacan las metafílmicas 5 Broken Cameras (Emad Burnat, Guy Davidi) y Los mejores temas (Nicolás Pereda), las extrañas Two Years at Sea (Ben Rivers) y Nana (Valérie Massadian), y el retrato histórico-social de Revision (Philip Scheffner) o Crulic - drumul spre dincolo (Anca Damian); mientras que la sección oficial de cortometrajes está dividida en 3 pases diferentes. Atención a Enero 2012 o la apoteosis de Isabel la Católica, del colectivo Los Hijos, y al corto documental preseleccionado para los Goya 2012 A Story for the Modlins de Sergio Oksman, quien ya compitiera en Sundance 2010 con Notas sobre el otro. Las secciones “Panorama” (dedicada a creadores nacionales) y “Contra el silencio de todas las voces” (espacio para la denuncia social) completan la oferta principal. En “l'Alternativa proposa” se pueden ver pequeñas obras agrupadas por temas, en esta ocasión: “A les Armes!”, “A la recerca del paradís”, “Empremtes”, “Music All”, “Somnis i malsons” y “Bestieses” serán las diferentes sesiones temáticas de esta sección paralela. Y gracias a “Intercanvi” tendremos la oportunidad de descubrir los mejores trabajos de la pasada edición del Anim'est, el único festival de cine de animación de Rumanía, cinematografía actualmente en auge. Además, “Didàctiques de la Imatge” nos permitirá conocer los proyectos de la Universidad Veracruzana y de Zalab, iniciativas que utilizan la pedagogía cinematográfica como herramienta de cohesión social. Por si fuera poco, la programación de l'Alternativa 2012 se completa con talleres organizados por escuelas de cine, seminarios dedicados a profesionales, debates sobre el estado del cine independiente y sesiones infantiles el fin de semana. Y para acabar, qué mejor forma que volver al inicio, donde se citaba Ne change rien de Pedro Costa. En ella, Jeanne Balibar canta, invirtiendo la famosa frase de El gatopardo (Il gattopardo, Luchino Visconti, 1963): “No cambies nada, para que todo sea diferente”. Esperemos, pues, como sugiere el director luso, que l'Alternativa no cambie nada y siga siendo eso, una buena alternativa.

Fotografía de Eladio Agudo

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‘Ne change rien’ (Pedro Costa, 2009)

DVD “Colección Cahiers du Cinema” - Cameo

En los extras que acompañan a esta edición de Ne Change Rien presentada por Cameo encontramos un par de videos que nos recuerdan como en junio del año pasado la comunidad cinéfila celebraba con agrado el primer estreno en salas comerciales de una película de Pedro Costa. El acontecimiento, sin duda, no podía ser para menos. Después de su paso por Cannes en el año 2006 con Juventud en marcha, el director portugués se había convertido en una figura de culto a nivel de mundial y sus películas, totalmente invisibles, en algo más que películas. Aun así parecía imposible que algún día pudiéramos ver en una gran pantalla y en 35 mm alguno de sus trabajos. Pero Paco Poch obró el milagro y con ayuda de la embajada francesa logró, además, que el director y Jeanne Balibar, la actriz protagonista de Ne change rien, acudieran a Barcelona para presentarla. En un ambiente orgiástico la pareja concedió un centenar de entrevistas como respuesta a la oleada de entusiasmo y admiración desatada por su presencia. Pero pronto se esfumó todo, y parecía como si hubiéramos asistido a una de tantas operaciones publicitarias que suelen articularse dentro de este mundo “alternativo” que conocemos como cine de autor. Desde luego que películas como Ne change rien no aspiran a obtener una gran recaudación, ni a llegar a un gran número de salas, y mucho menos a mantenerse más de un par de semanas en cartelera. Sus objetivos son otros, como conseguir que el entusiasmo se mantenga a lo largo del tiempo, que el recuerdo sensible sostenga y anime un comentario casi eterno de unas imágenes tan misteriosas como sensuales.

“Podremos olvidarlo todo menos la voz”. Pedro Costa se muestra categórico al final de una larga entrevista concedida a Glòria Salvadó el mismo día de la presentación de la película en Barcelona también incluida en esta edición de Ne change rien. Durante una media hora la profesora y crítica cinematográfica entabla un dialogo sumamente interesante con el director portugués, logrando dar con algunas claves relevantes y hasta ahora desconocidas de la concepción teórica del film. Y, para nuestra sorpresa, descubrimos lo que muchos sospechábamos; que sus films están destinados al olvido, a deshacerse en el tiempo una vez han dejado de desfilar las imágenes por una pantalla. Costa cree que ha llegado el momento de superar esa forma de mirar apoyada en la puesta en escena instaurada como un dogma desde el tiempo de la Nouvelle Vague. Sus imágenes huyen de ella y se presentan como esbozos de algo que puede llegar ser. Posibilidades, dispositivos relacionales abiertos a todo. Una especie de sueños que elogian y priman lo inconcluso. No estamos en el campo del recuerdo, sino de esa parte de toda memoria negada habitualmente por unas imágenes que pretenden alcanzar la gloria a través, precisamente, de los recuerdos. El cine de Costa opera de manera contraria, estableciéndose como un contracampo, eliminando, incluso, el trabajo de la actriz que toma como referente casi exclusivo para su cámara. Lo que le interesa no es propiamente ella, sino como esa voz consigue convocar el pasado musical que actualiza con su voz y que se encarna de una manera especial en el presente. Como un tiempo olvidado y recobrado simultáneamente, al que accedemos sin atajos, colocando nuestro tiempo en el mismo plano que el de la actriz mientras trata de encontrar el ritmo de ese “tiempo”.

Una segunda entrevista, esta vez realizada por Paco Poch a Jeanne Balibar, se presenta igualmente reveladora. En la larga conversación descubrimos como la vida de la actriz ha desarrollado un especie de “work in progress” cultural; en la infancia aprendió a bailar, en la adolescencia estudió a fondo literatura. Una vez llegada a la madurez consiguió otorgar palabras a un cuerpo mudo que dominaba plenamente, iniciando una carrera como actriz de teatro y posteriormente de cine. Su incursión en el mundo de la música supone el colofón definitivo de ese juego entre control corporal y uso de la palabra. Una relación de la que nace el “método” de la actriz y que ha aprovechado el director portugués para aplicar el suyo. No se cansa de repetirlo; antes de encender la cámara había un deseo de filmar a su amiga. Y ese deseo tenía que ver tanto con la pléyade de relaciones que se conjugan en la distancia entre la cámara y aquello que toma como “objeto” como en todas aquellas que afloran en un cuerpo convertido en una estatua parlante a la manera de los Straub. Relaciones donde se funda el sentido de las imágenes pero, eso sí, fuera de las imágenes. Nada de naturalismo, nada de vida de las imágenes, ni un resquicio de redención en ellas. La vida sigue estando del lado de la vida. He aquí por qué debemos olvidarlas, por qué debemos escapar a ese punto de vista sostenido por filósofos como Georges Didi-Hubermann.

Aunque pueda parecer que esta edición, como hemos visto, se presenta un tanto escasa de valores añadidos, estos tienen la suficiente calidad como para seguir descubriendo la complejidad de una película de la que podríamos hablar casi eternamente. No lo olvidemos, por lo menos esto no.

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