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Braguino (Clément Cogitore, 2017)

Amenazas en la profundidad de la taiga siberiana

Ubicada en lo más remoto de la taiga siberiana, a 700 Km del pueblo más cercano, vive la familia numerosa de Braguino. Junto con su mujer, se alejó de la sociedad en busca de un lugar en el que ser autosuficiente, vivir al margen de los demás y poder establecer sus propias normas. Donde vive la familia de Braguino, solo se puede acceder en barco o helicóptero. No hay carreteras que delimiten el camino. Allí, la naturaleza se muestra en todo su esplendor, y también en toda su crueldad. Braguino y su familia cazan para alimentarse, para subsistir. La naturalidad pasmosa con la que sus hijos se enfrentan a la muerte es producto de una cotidianidad, de una repetición. Nada hay de sorprendente o ajeno para ellos en la caza de un ser vivo. Sujetan el pato muerto y lo despluman entre juegos y risas. Será su sustento, su alimento. Jamás lo han visto envasado ni introducido en una bandeja de poliestireno, tan solo lo han visto volar por la taiga. Tan habituados a la muerte están, que pueden incluso llevar puestas las zarpas de un oso a modo de zapatillas sin que ello les parezca nada raro.

Los hijos de Braguino viven ajenos a las redes sociales, al último modelo de Iphone o al cantante de moda. Sus juegos tienen la naturaleza como eje central. Nada de videojuegos ni gadgets electrónicos, nada de tecnología. Pero, lejos de convertirse este ambiente en un contexto bucólico, sobre la familia de Braguino planea la sombra de una amenaza. Una amenaza que en realidad son dos. Por un lado los Kiline, una familia que vive al otro lado de la valla y hacia la que sienten una total animadversión. Por otro, los cazadores furtivos, que llegan a la taiga en helicóptero para romper, con su desmesurada avaricia, el equilibro del ecosistema. “Los humanos son los animales más peligrosos de la taiga”, afirma (y no sin razón) el protagonista en un momento determinado del filme. Parece que varios factores externos confluyen para evitar que la utopía sea posible.

La cámara de Clément Cogitore se acerca a los hijos de Braguino. Estos, al no estar sometidos a los horarios que implica la escolarización pueden pasar su tiempo jugando, y lo hacen en una tierra de nadie misteriosa, etérea, en una pequeña isla en medio de la nada que los niños de ambas familias utilizan para jugar. Los pequeños, sin ser capaces de racionalizarla, han heredado la animadversión que existe entre los patriarcas de ambos clanes y mantienen las distancias. Se miran, sí, pero no se dirigen la palabra. Una barrera, no precisamente material, les impide relacionarse.

Formado en la escuela de arte Le Fresnoy, Cogitore concibió inicialmente esta obra como una instalación a doce pantallas que expuso en la galería Le Bal de París. El título original de la misma, Braguino o la comunidad imposible, era bastante más explícito y descriptivo que el actual. Una comunidad imposible, dos familias enfrentadas que no tienen a nadie más, que viven aisladas del resto de la sociedad, que se enfrentan cada día, cual personajes de un cuadro de Friedrich, a la inmensidad de la naturaleza. Que no tienen más remedio que asimilar que la autosuficiencia es en realidad inalcanzable, que el hombre es un lobo para el hombre y que, por mucho que intenten huir, la amenaza siempre les perseguirá. En apenas 50 minutos, el director es capaz de condensar un documental etnográfico que deriva de modo sinuoso hacia el relato de fantasmas. Un relato de tintes hipnóticos, perturbador y distópico, que nos muestra una insólita y angustiosa cotidianidad, tan cercana al universo de Jean Rouch como al de David Lynch.

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Doclisboa 2012 – Competición Oficial 4

Los filmes necesarios

El festival y la competición internacional, como hemos comentado, han puesto la atención en los conflictos que se están viviendo en el mundo, revoluciones, protestas… en otros casos levantamientos o catástrofes, como Babylon de Youssef Chebbi, Ismaël Chebbi y Ala Eddine Slim (Túnez, 2012) y Vers Madrid (The Burning Bright)! (Sylvain George, Francia, 2012). Caso aparte es la obra The Radiant, de The Otolith Group (Reino Unido, 2012); su propuesta, la investigación de las imágenes y una particular articulación del film con todo tipo de recursos son ya señas de identidad de un grupo con 10 años de actividad donde las propuestas artísticas navegan sobre la investigación del lenguaje de las imágenes y el documento sociocultural, bajo el lema “El mundo no necesita más películas, ni más vídeo arte”, una regeneración de la percepción de los acontecimientos filmados y sobre todo una disección de las imágenes que vemos y la cultura que las crea. Esta propuesta se ha dirigido en este caso a las consecuencias radiactivas generadas en la devastación acontecida por el último colapso nuclear. Babylon nos conduce, bajo una propuesta más convencional del tratamiento de las imágenes, por la creación de una comunidad humana, o una ciudad “babilónica”, en este caso los campos de refugiados levantados en la frontera con Túnez. Con su cámara el reportero finalmente encuentra un hilo narrativo en la necesidad de crear un lugar habitable en medio del desierto, respondiendo a la perentoria situación. Miles de refugiados huyen de la guerra… La Babilonia moderna aparece y desaparece en medio de una situación límite y miles de restos de basura, hoy por hoy el verdadero indicio de que la humanidad existe.

Alejado de este conflicto pero en la línea de las reivindicaciones y manifestaciones que han surgido en este tiempo, el movimiento 15M ha acaparado gran parte de la atención mediática, al igual que las movilizaciones, mucho más punzantes, de la crisis en Grecia. Vers Madrid (The Burning Bright)! es uno de los muchos documentos audiovisuales que podían surgir de esta situación, material de denuncia y registro, que a mi modo de ver resulta necesario proyectar en espacios como festivales internacionales, pero con el inconveniente de que sobre estos acontecimientos aún no se han conseguido construir obras con un lenguaje más cinematográfico, por lo que en general casi todos estos trabajos funcionan más como documentos de denuncia y registro que como obras cinematográficas –función, vuelvo a repetir, necesaria, la Historia esta llena de bellacos que han intentado echar cemento a hechos que acontecieron–; por tanto, la dirección del festival, de forma lógica y conociendo la situación, ha arriesgado en la proyección de estos documentos, sobre todo dentro de la competición oficial.

Desde la experiencia humana, foco inevitable del festival, y también en el campo de la denuncia, Bakoroman (Simplice Ganou, Francia / Burquina Faso, 2011) construye a través de uno de los recursos esenciales del lenguaje cinematográfico, el tránsito, el camino vital de un grupo de niños “da rua” en Burquina Faso, una película de lo esencial. El componente odisea, es decir el viaje y sus aventuras pero con un claro elemento motor, salir de la miseria para buscar trabajo en la ciudad, propone una película con una clara articulación cinematográfica. A través de esa acción se retrata a estos niños, víctimas todos ellos de la miseria ejercida desde arriba, descolonizaciones, gobiernos, falta de medios, pobreza, hambre y consecuencias aledañas como la drogadicción y el abandono. Es este pequeño éxodo, del campo a la ciudad, motivo reconocido incluso como inercia antropológica –la factura de esta película nos recuerda a los filmes de Jean Rouch–, donde encontramos la amistad, los sueños de mejora, los anhelos de todo tipo que son explicados infantilmente a cámara, por estos inocentes seres que viven su vida como algo fantástico, al menos de momento. La cámara, siempre dispuesta hacia el retrato y la imagen del rostro de estos niños, realiza un seguimiento de sus aventuras; cámara al hombro en muchas ocasiones, aunque perfila la presentación de las secuencias con una cámara fija, ubica a los niños en contexto dentro de la nueva escena, otro día más. De nuevo nos encontramos ante el paraíso de la infancia, el que ya vimos en Three Sisters (San Zimei, Wang Bing, 2012), en este caso demoledora, pero que será recordada por muy mala que parezca, si sobreviven, como el único lugar donde aferrarse.

Ese otro paraíso, el de la Naturaleza, puede llegar a ser un verdadero infierno y es en ese estado en donde se mueve Fogo, en mi opinión una de las mejores películas que se han visto en el festival, un verdadero viaje por los abismos humanos en medio de un entorno hostil pero arrebatador. La imagen de Yulene Olaizola (México / Canadá, 2012) es de una precisión barroca, excelente en el tratamiento de la luz y sobre todo el sentido en cada uno de los planos, los cuadros que ha dibujado –hago mención aquí a otro trabajo de verdadera precisión en el punto de la toma, O sabor do leite creme, película de Hiroatsu Suzuki y Rossana Torres, que estuvo presente en la competición portuguesa de largometrajes–. Fogo nos ubica en un lugar inhóspito pero bello: la isla del Fuego, al norte de Canadá, es un espacio donde parece que sólo existe el pasado, ya que el futuro está condenado por la tundra que poco a poco se está apoderando del lugar. Los pocos habitantes que residen se preparan para la despedida, irse a la ciudad, pero otros deciden permanecer. En esos paseos, por los espacios helados y húmedos, imágenes casi lunares de los lugares, brotan las conversaciones tras los muros de las pocas casas que quedan en pie, o la ocupación de las abandonadas, allí se desgranan las palabras y los lamentos frente a la ventana. La luz que entra por los vanos, débil y crepuscular, dibuja claroscuros en las siluetas de los personajes que piensan cuál será su futuro y qué hacer. Es un tiempo que se acaba, y para algunos, los más mayores, un dibujo adelantado de su propia muerte. Ese espacio crepuscular tiene unos colores tenues, grises, y una mirada gélida, en esos cuadros la cámara, solemne y quieta, se ubica para buscar el espacio de intimidad preciso, estar para ser parte de la soledad que cada una de las tomas de la película dibuja. Toda la obra es una continuidad de cuadros y espacios, plásticos y sonoros, no hace falta la continuidad; la luz, o mejor dicho la ausencia de, determina en los cuadros el paso del tiempo. Un tiempo que aquí se acaba.

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