Archivo de la etiqueta: Cine fantástico

FILMADRID 2017: A Dragon Arrives! (Ejdeha Vared Mishavad!, Mani Haghighi, 2016)

Haghighi y el ornitorrinco

La historia de los géneros cinematográficos tiene su etapa posmoderna, como la tiene la historia del arte y del pensamiento. A escala pequeña corresponde la hibridación de los géneros, luego de haberse presentado en sus etapas experimental y clásica –y otras, dependiendo del autor que se consulte–. El resultado es lo de siempre: pastiches, mezclas; criaturas de siete brazos y tres ojos. Y es que frente a A Dragon Arrives! no se está ante Melinda y Melinda (Melinda & Melinda, Woody Allen, 2004), esa combinación de drama-comedia pensada para establecer una línea clara que divida los dos géneros; tampoco ante Cowboys vs Alien (Cowboys & Aliens, Jon Favreau, 2011), una mezcla homogénea que probó su éxito en la serie Westworld (creada por Lisa Joy y Jonathan Nolan). En efecto, ha llegado un dragón: la película de Mani Haghighi combina los géneros más inesperados en una cinta que apenas parece poder contenerlos.

La trama aparenta sencillez, puesto que siempre parece tener un solo objetivo: en Irán, año 1965, el joven y apuesto detective Babak Hafizi debe resolver un caso. Para hacerlo, se toma un camino principal que lo dirige al Golfo Pérsico, un camino que involucra a su superior y otros personajes extemporáneos que están dispuestos a prestarle ayuda. Lo que ocurre alrededor de estas situaciones, la entrada y salida de estos personajes de todos los “lugares fuera de lugar”, hacen de la cinta una experiencia que vale ser apreciada por su rareza, como si se estuviese ante vida extraterrestre. Un barco varado en la mitad de un océano de arena; un equipo de técnicos de sonido que revisa la edición de una cinta iraní en blanco y negro y crea ambiente en el paisaje desértico “westerniano” con el audio de una tormenta; la inserción de fragmentos filmados como entrevistas de un documental (que incluyen a Haghighi, quien también es actor) y escenas en las cuales se pierde definitivamente la coherencia diegética en un salto al cine fantástico.

Las alegorías, políticas o de cualquier otra índole, si las hubiere, pueden ser inalcanzables para todos los no iraníes. En ese sentido A Dragon Arrives! es hermética, no como cintas anteriores de su director, aunque conserve mucho del humor de estas y una fotografía vibrante y de alto contraste.

Haghighi ha trabajado con el laureado Asghar Farhadi y ha realizado una película a partir de una historia de Abbas Kiarostami. Su cine no se parece al de ninguno de los dos. Tal vez su intención de hacer alegorías lo acerque más al cine de denuncia de Panahi (en Men at Work –Kargaran mashghoole Karand, Haghighi, 2006–, dos hombres intentan sin éxito tumbar una roca que parecía fácil de derribar). Puede que tenga un poco de cada uno, como esta cinta donde los movimientos de cámara y paisajes del western se combinan con una trama de cine negro y thriller, ocasionalmente interrumpida por lenguaje propio del documental o la fantasía. La ferocidad de esta criatura, serpiente con alas y garras, está en el coraje de Haghighi por haberla llevado a cabo sin perder ni un poco de su sentido del humor.

Publicado en Jump cut | Etiquetado , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Comentarios desactivados en FILMADRID 2017: A Dragon Arrives! (Ejdeha Vared Mishavad!, Mani Haghighi, 2016)

Sitges 2013 – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya

Sitges is coming

Un año más no podemos faltar a la cita del Festival de Sitges. Las sensaciones son de ansiedad y muchas ganas, y junto a todo ello la admiración por la estrategia (excelente todo hay que decirlo) de ir lanzando pequeñas píldoras de avance del festival consiguiendo, por un lado, aumentar el hype y, por otro, dar la sensación de acortar los plazos hasta el inicio del evento.

En el fondo, el aumento en tamaño e importancia del festival, así como su ubicación en el calendario (cuando el circuito de festivales ha determinado muchas de las sensaciones del año), ayudan a que, a falta de confirmar algunos títulos, se sepa qué producciones tendrán lugar seguro dentro de la programación. Así, la presencia de Only God Forgives de Nicolas Winding Refn u Only Lovers Left Alive de Jim Jarmusch no deja de ser, aparte de una buena noticia, una reafirmación de lo esperado, mientras que lo contrario, su ausencia, supondría un decepción mayúscula. Lo mismo podemos decir de la película de inauguración del festival que, afianzándose ya como tradición, será otra producción autóctona. Se trata de Grand Piano, un thriller dirigido por Eugenio Mira bajo la producción de Rodrigo Cortés y con un elenco internacional de prestigio con actores como Elijah Wood (repitiendo en Sitges tras Maniac –Franck Khalfoun, 2012–) y John Cusack.

Otros de los habituales que no faltarán a su cita en Sitges serán Hong Sang-soo con Nobody´s Daughter Haewon, Johnnie To, que nos presentará físicamente dos películas (Drug War y la inclasificable y sorprendente Blind Detective), y Takashi Miike, cuya presencia en el festival como estrella invitada servirá tanto para presentar dos de sus últimos trabajos (Lesson of Evil y Shield of Straw) como para ofrecer una panorámica de sus títulos más destacados.

En otro orden de cosas, el festival contará una vez más con las sección Noves Visions, destinada a propuestas más arriesgadas y experimentales como White Epilepsy de Philippe Grandrieux o Goltzius and the Pelican Company de Peter Greenaway, y con la sección dedicada a cine asiático, donde, a parte de los tradicionales tótems como Corea, Japón y Hong Kong, se dará relevancia a cinematografías donde el cine de género no nos llega con especial asiduidad Así se proyectarán películas de Filipinas y también de la India "off Bollywood" con títulos como On the Job de Erik Matti o Ugly, del director de Gangs of Wasseypur (2012), Anurag Kashyap.

Los amantes del terror y argumentos locos y desquiciados seguirán contando con su habitual dosis de hemoglobina y salvajismo en el Midnight X-treme y en la sección Panorama, donde tendrán especial relevancia los vampiros y esos seres ya entrañables y habituales que son los zombies. Precisamente en este género es donde se presentará una de las propuestas más bizarras del festival, Battle of the Damned, un duelo a muerte entre robots y no-muertos que contará con la inestimable presencia de Dolph Lundgren. Un must see para todo amante del género y freaks en general.

En definitiva, y como decíamos a falta de completar el cartel, pocas sorpresas para el Festival de Sitges 2013. Una edición que se prevé difícil (ya se ha recortado un día de festival) por la crisis del sector ante las subidas del IVA y la situación macroeconómica general, pero que, al mismo tiempo, supone una edición clave para la consolidación de su modelo. Una forma de entender el certamen como una globalidad más amplia que el ceñirse al cine de género puro y que, de esta manera, aspira a ampliar más si cabe (la última edición batió récords en venta de entradas) su importancia como festival de referencia en Catalunya e internacionalmente. En este sentido el director del certamen, Ángel Sala, ha hecho especial hincapié en que la crisis afecta, pero no es excusa sino más bien acicate para buscar, o recuperar, otros modelos, otras formas de acercar la pantalla grande, el gusto por la butaca de la sala al público. La expectación generada año tras año indica al menos que el Festival de Sitges camina por la senda correcta. Sitges is coming y lo mejor es que lo estamos deseando.

Publicado en Jump cut | Etiquetado , | Comentarios desactivados en Sitges 2013 – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya

‘Mamá’ (‘Mama’, Andrés Muschietti, 2013)

Amor de madre

“Grande es siempre el amor maternal, pero toca en lo sublime cuando se mezcla con la admiración por el hijo amado”

Ángel Ganivet

En dos minutos y medio, Andy Muschietti nos brindaba, con Mamá (2008), uno de los mejores planos-secuencia del terror contemporáneo. Sacaba músculo en los momentos escalofriantes, desplegando unos efectos especiales un tanto estridentes, pero demostrando un dominio de la composición y la técnica que dinamitó todo rastro de amateurismo de su apellido. No es de extrañar que este director argentino recibiera, al poco tiempo, una palmadita en la espalda de Guillermo del Toro y contase con su generosa ayuda como productor para impulsar una ópera prima coproducida entre España y Canadá.

Mamá (2012) es una ampliación del corto firmada por Muschietti y su hermana, que versa sobra dos niñas desaparecidas en un bosque poco después de una tragedia familiar y que, tras ser encontradas en una cabaña abandonada, empiezan una vida civilizada con sus tíos (Nikolaj Coster-Waldau y la muy activa Jessica Chastain). ¿Problema? Parece que los tíos han traído a alguien más del bosque. Con semejante planteamiento, los Muschietti aportan más. Carne melodramática, por un lado. Fibra poética, por otro. No obstante, su película está dictada por los códigos del mainstream: construcciones de intriga convencional, un subrayado extradiegético, apariciones gratuitas del elemento monstruoso y la ya tópica trama de investigación pre-clímax que nos revelará el oscuro pasado de un alma en pena que busca redención.

Y es que no le faltan situaciones sobrantes a este debut. Algunas, de estímulo barato, parecen obra de Platinum Dunes, esa productora monitorizada por Michael Bay y Brad Fuller, que tiende a abusar de la presencia del mal en pantalla. Como estos remakes, Mamá también desperdicia algunos de sus comodines. Pero no todos. Encierra virtudes que la distancian del resto de productos hollywoodienses. Podríamos hablar de ella como acontecimiento histórico del terror español más reciente, sin que nos temblase el pulso. No por su calidad narrativa, un tanto irregular. Tampoco por el hecho de que se haya convertido en un taquillazo estadounidense. Lo que realmente hace de Mamá una extraña gema es la puesta en escena del director y una lectura novedosa de su personaje fantasmal.

Tras una introducción rítmica y unos títulos de crédito inteligentemente elípticos, Muschietti abruma con ingenio. Sin cambiar de plano, maneja el fuera de campo y la presencia no visible de la otredad. Una otredad que ya estaba presente en el cortometraje que inspiró esta película y cuyo diseño de producción recuerda a ese icono creado por Jaume Balagueró y Paco Plaza en su exquisito experimento zombi, [Rec] (2007), interpretado por un Javier Botet que sacó inmenso provecho al síndrome que padece y que fue bautizado como la Niña Medeiros, más tarde aprovechada en los cómics de Hernán Migoya. El fantasma femenino de Mamá tiene algo de este personaje. También es Botet quien lo interpreta, pero su cuerpo es ahora pura animación, algo que amplía sus posibilidades de movimiento y lo convierte en una caja de resonancias dispares. Su ubicación en espacios silvestres y su agresividad podría retrotraernos a figuraciones sobrenaturales del horror japonés e incluso a la ilustración folclórica de Baba Yaga: una bruja huesuda y demacrada que habita en los bosques y que es, en esencia, una fuerza cinética perseguidora de infantes.

Además de evocador, el personaje de Botet manifiesta entidad dramática a través de una función maternal que desemboca, lejos del susto, en un manierista y trágico desenlace de unión y destrucción, simbolizado mediante una metamorfosis de naturaleza lepidóptera. Con todo, los Muschietti han utilizado un monstruo con alma para revestir una historia de terror al uso en un melodrama sobre el reemplazo de la pérdida y la necesidad de calor materno. Y está claro que Mamá no es perfecta. Pero se hace querer.

Publicado en Estrenos | Etiquetado , , , , , , | Comentarios desactivados en ‘Mamá’ (‘Mama’, Andrés Muschietti, 2013)

Sitges 2012 – Cuatro pinceladas japonesas

Me dispongo a comentar mis impresiones sobre el cine japonés visto en Sitges, lo que comporta una forzosa revisión del mismo ejercicio publicado en la edición del 2011, así como de lo comentado en este mismo espacio sobre la reciente edición.

Que Miike visite la costa catalana por partida doble ya es casi rutina, y eso que ni tan sólo presenta anualmente en Sitges todos los trabajos que realiza. Continúa incansable, con un ritmo productivo en el que algún traspié se le da por presupuesto, parece imposible que le siga funcionando el juego de apropiación, destrucción, reconstrucción, mezcolanza... de los numerosos géneros que visita. Y eso parecía anunciar For Love’s Sake (Ai to makoto): con las ideas agotadas, Miike parece plagiar de una tirada sus propias Crows Zero (Kurôzu zero, 2007) y La felicidad de los Katakuri (Katakurike no kôfuku, 2004). Construir un relato sobre el amor adornándolo con temas musicales de gran popularidad local –referente que nos perdemos por desconocimiento, en algún caso reclutando a los intérpretes originales, como la madre de la protagonista– ya se ha hecho varias veces, desde Moulin Rouge! (Baz Luhrmann, 1995) a El otro lado de la cama (Emilio Martínez Lázaro, 2002).

Y sin embargo, pese una excesiva recurrencia en el segundo tramo que la alarga innecesariamente, la película se ve fresca y el resultado convence. Miike demuestra poner toda la carne en el asador en cada uno de sus trabajos, cuando lo fácil sería activar el piloto automático, confrontando una vez más con su acostumbrada capacidad irónica sentimentalidad y violencia.

Tal vez Miike nunca llegue a ser considerado un auteur, con una trayectoria dada a productos que se apreciarán más en Sitges que en Cannes, pero se diría que el concepto de autor se hubiera establecido pensando en que alguna vez surgiera un director como él: sin emprender nunca un proyecto personal, siempre trabaja de encargo y, tocando prácticamente todos los palos posibles, acaba apropiándose y dándole su reconocible sello a todo lo que realiza, aún en su inabarcable variedad.

Cabe destacar la presencia de Robo-G (Robo Jî, Yaguchi Shinobu, 2012) en la programación del festival, no por su calidad, pero sí por ejercer como síntoma. Lejos de interpretar el film como una muestra de humor “lointaine”, es precisamente su amable tono familiar lo que evocaría ciertas producciones americanas de los 80, con otro título con robot como Cortocircuito (Short Circuit, John Badham, 1986). La proyección a la que asistí registró una aceptable entrada, con el Retiro casi lleno en un mediodía laborable. Las carcajadas del auditorio constataban una acogida nada fría, remitiéndome a ese progresivo acercamiento que el año pasado subrayé, facilitado por los Kitano, Matsumoto o el propio Miike, de nuestros públicos con el anteriormente vedado terreno del humor nipón. Recupero aquí una de las ideas que también promoví en uno de mis textos recientes, la del festival de cine como deseo de acontecimiento.

Ante el balance general del Festival recientemente publicado aquí, aludiendo a un momento de encrucijada en el que decidirse por un festival de género o apostar por lo que podría implicar el actual nombre oficial de Festival Internacional de Cine de Catalunya, creo que es una disyuntiva ya resuelta años atrás. Los festivales de clase A son los que son y dejan poco margen para abrirse paso entre ellos. Sitges tiene una peculiaridad y un público definido y fiel que, cuando se impulsó con el nuevo nombre un intento de transformación, respondió con desgana. Parece que la coyuntura actual invita a consolidar un modelo que se sabe robusto, sin arriesgar un mayor deterioro de nuestro ya castigado tejido cultural.

The Life of Budori Gusuko (Guskô Budori no Denki, Sugii Gisaburo, 2012) es una nueva muestra del buen gusto instalado en la animación nipona. Comentaba Àngel Sala la poderosa presencia de la crisis económica como tema oculto en muchas de las cintas a exhibir. Este es uno de los casos más explícitos, coqueteando de paso con la inevitable sombra del reciente desastre de Fukushima. El envite se solventa con elegancia, sin caer en sentimentalismos fáciles, que no es poco para una emotiva historia de épica individual al servicio del colectivo. Tal vez lo intachable del personaje protagonista, su falta de conflicto interno más allá del drama familiar que sufre, sea el principal problema de un film narrado con gracia y pespunteado de algunos buenos momentos y ambientación impecable. Como muchas otras producciones animadas japonesas de planteamientos estéticos y argumentales similares a esta, el mayor lastre que debe arrastrar es la inevitable comparación con la excelencia de cualquier producto Ghibli.

Y para cerrar Henge (Ohata Hajime, 2012), un mediometraje que, comprimido entre la esperada aparición de Weerasethakul y un pequeño y dinámico ejercicio esteticista como es The Curse (Aldo Comas, 2012), pasó desapercibido. Injustamente. Henge entrelaza varias tradiciones genéricas autóctonas, entre lo melodramático y lo espectacular del kaiju-eiga. Un género que recreaba el miedo a lo nuclear instalado en el imaginario colectivo del siglo XX, inaugurado por Godzilla, que revelaba su tamaño y potencial destructivo al confrontar su tamaño al de la Torre de Tokyo, símbolo del progreso y la pujanza de un recuperado Japón.

Exagerado por el contraste de unas excesivas efusiones de sangre digital, el modesto envoltorio de tokusatsu, con maquetas vintage y prótesis de goma, arrancó más de una carcajada en la platea del Prado. Ya no cuela en estos tiempos en que una recreación virtual puede ser visualmente mucho más efectiva y menos compleja a nivel de producción. Este subrayado de lo artesanal no parece casual en una producción cuyo título juega con la ambigüedad de los conceptos, homófonos en el idioma japonés, de transformación y monstruo. No es sólo el proteico personaje principal quien muta ante nuestros ojos, lo hace el propio ejercicio cinematográfico evidenciando su transformación en curso. Pese a lo cercano de otro desastre nuclear como el de Fukushima, Henge parece recrear otro tipo de agente destructivo. En una línea similar a la que enunciara el llorado Kon con sus magníficas Paranoia Agent (Môsô dairinin, 2004) o Paprika (2006), una cierta neurosis colectiva, tan o más destructiva para el individuo por su capacidad de impedir la normalidad de las relaciones sociales, sería el mal que evidencian los monstruos gigantes en el siglo XXI, visualizados contrapunteando a Godzilla con el debut en pantalla de la recientemente inaugurada Tokyo Sky Tree, llamada a simbolizar el Japón del siglo XXI.

Es posible que no se trate de un film memorable, ni es el primero que explora este discurso ni probablemente el más brillante, pero Ohata consigue que nos apuntemos su nombre. En su plano final, con el colosal protagonista en una imposible perspectiva entre las dos torres, logra la icónica imagen que lo sitúa en los renglones de la historia audiovisual japonesa.

Publicado en Jump cut | Etiquetado , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Comentarios desactivados en Sitges 2012 – Cuatro pinceladas japonesas

Sitges 2012 – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya – Balance final

El fin del mundo (tal y como lo conocemos)

Sitges 2012 ha finalizado y conviene quizás realizar una reflexión no sólo sobre la calidad de lo visto, sino sobre qué modelos de programación está adoptando el festival. Pensar hacia dónde se dirige, qué es lo que quiere y, sobre todo, cuál es el precio a pagar por ello.

Que los premios principales hayan recaído principalmente en Holy Motors (Léos Carax), Chained (Jennifer Lynch) y Berberian Sound Studio (Peter Strickland) no produce extrañeza alguna, eso sí, los motivos de tal falta de sorpresa son distintos. Por un lado Holy Motors ya venía con su aura de película esperada y especial y no ha decepcionado a nadie, ni a nivel crítico ni a nivel de audiencia. Respecto a los otros dos casos podemos hablar de profecía autocumplida. El propio festival se ha encargado de promocionarlas, vendiendo sus excelencias, por tanto raro hubiera sido la no obtención de ningún premio. De todas formas, los premios no dejan de ser algo accesorio ya que, en el fondo, gane quien gane la discusión estará siempre presente.

Más allá de los galardones entregados sí se observan ciertas tendencias ciertamente preocupantes que podríamos resumir en:

  1. Abuso del cine “de moda”. Nos referimos en concreto al cine coreano. Observamos cómo después de la llegada de películas como Old Boy (Oldeuboi, Park Chan-wook, 2003), por citar una, el festival ha ido aumentando la oferta de películas de este país sin atender criterios de calidad. La filosofía parece ser que la filmografía de un país está de moda y hay que traer sus productos y publicitarlos siempre como los mejores, aun sin ser cierto.
  2. Los amigos del festival. Da la sensación que películas como por ejemplo Chained vienen sobredimensionadas. Se produce un proceso de retroalimentación entre el festival y algunos autores consistente en que el festival da una oportunidad (cosa positiva) y el autor de turno acaba por hacer películas pensando más en que el festival las proyectará que en el film per se. Otro ejemplo de ello serían los productos ESCAC.
  3. Turismo. El cine, y el festival, deben estar abiertos a todos, desde luego, y siempre es positivo huir del elitismo. Lo que no parece tan de recibo es que a ese precio se acaben por proyectar películas dobladas sin tan siquiera subtítulos para prensa o público foráneo en base a promocionar personajes tan cinematográficamente dudosos como Mario Vaquerizo (doblador de Hotel Transilvania 3D –Genndy Tartakovsky–) o a vender más entradas “para todos los públicos”.
  4. Dependencia de las majors. Evidentemente las películas no se distribuyen solas, pero permitir que una major cuele videos promocionales antes de una película creo que vincula y hace demasiado dependiente al festival de los productos que esa (u otra) pueda o quiera ofrecer.
  5. El mensaje. Puede parecer anecdótico, pero da la sensación de que el festival va a rebufo de las crónicas. Tomemos el caso de la edición 2011 donde el tema presuntamente era la inteligencia artificial y en cambio hubo mayoría de películas apocalípticas. Consecuencia, en esta edición el eje en el que pivotaría el festival sería el fin del mundo con la paradoja de que ha habido muchas menos películas de esta temática. Puede parecer una anécdota, pero la función del póster de presentación solía ser captar la atención y anticipar lo que vamos a ver.

No hay que ser ingenuos, la importancia que ha ido cobrando el Festival de Sitges con el paso de los años es sinónimo de buen hacer, de un trabajo constante de promoción y de selección. Esto no es óbice para evidenciar que parece que estamos en un punto de inflexión. El festival debe decidir definitivamente si se posiciona como un festival de género o bien se relanza definitivamente, como su nombre actual indica, a ser el Festival Internacional de Cine de Catalunya. Disyuntiva difícil ésta ya que quizás habría que renunciar a algunos símbolos y a un sector importante de público.

Todo ello no significa estar en una posición contraria al crecimiento del festival, pero sí se pide una dosis de coherencia, de no crecimiento a cualquier precio, de asumir que ciertas decisiones acarrearán enfados en algunos sectores, asumir, en definitiva, que no se puede contentar a todo el mundo o, lo que es lo mismo, que no sólo se trata de crecer en tamaño sino también en lo que supone una maduración identitaria.

Publicado en Jump cut | Etiquetado , , , , , , , , , , , , | Comentarios desactivados en Sitges 2012 – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya – Balance final

Sitges 2012 – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya (13/10/2012)

El fin ha llegado

Llegamos a la última jornada del festival y lo empezamos de la mejor manera con Looper, film dirigido por Rian Johnson (Brick, 2005) en lo que se presume su salto al cine comercial. Aunque algo de esto hay, la gran virtud de Looper es saber desenvolverse en los códigos del cine de acción sin descuidar en ningún momento que detrás de los tiros y los efectos especiales existe algo llamado argumento y desarrollo de personajes con lo que construir una película sólida. Es evidente que, y más con el telón de fondo de los viajes temporales como excusa, hay algún que otro desliz de guión, pero nada que empañe el hecho de que, al recordar la película, lo que queda no es la espectacularidad de la misma sino sus momentos de intimidad, las relaciones que en ella se dan y que confieren un aire de credibilidad a esta obra de ciencia ficción.

Remontando el panorama, aunque no en exceso, del cine coreano proyectado en el festival nos llega The Thieves (Dodookdeul), film dirigido por Choi Dong-hoon (Woochi, 2009) que se adentra en el género de los denominados caper films. Con aires de superproducción y un argumento que se parece sospechosamente al de Ocean’s Eleven (Steven Soderbergh, 2001) la película se mueve en varios registros, el ya comentado del caper y el thriller de acción mas “bournesco”, con todo ello sazonado con presuntos toques humorísticos. El resultado final es de un desequilibrio manifiesto ya que, curiosamente, la excusa argumental, el atraco, acaba por parecerse más a un tedioso y mal narrado Macguffin que al eje principal de la cinta. Es justo después del asalto a un casino cuando, y tomando los ya comentados derroteros de thriller, el film cobra un vigor y un pulso renovados permitiendo al director exhibir su dominio de la cámara en estas lides argumentales. Todo ello acaba por ofrecer un conjunto desigual, excesivo en metraje, sobre todo en su inicio y en una presentación de personajes demasiado exhaustiva para su importancia final. Aun así un producto nada desdeñable y más viendo el nivel de las últimas producciones coreanas.

Oír cosas como que Takeshi Kitano se repite y aburre con Outrage Beyond (Autoreiji: Biyondo) es casi como si alguien comentara lo mismo sobre los westerns de John Ford. Estamos en territorio yakuza, en territorio Kitano y por tanto ofrece exactamente lo esperado en lo argumental y en lo formal. ¿Aburrimiento? ¿Repetición? No, si acaso una lección de cómo el señor Kitano sabe movernos con elegancia y naturalidad por un mundo ajeno a nuestro acervo cultural, un mundo de criminalidad y códigos de honor y por encima de todo una master class en recursos formales que tienen como especial virtud que no son visibles hasta posteriormente, es decir una exhibición nada exhibicionista, valga la redundancia, sino sencillamente puesta al servicio de una puesta en escena impecable. Con este film Kitano se confirma ya, si es que hacía falta, como uno de los clásicos del cine nipón.

Para cerrar nuestro particular viaje por el festival visionamos la que, en palabras del director del festival, Ángel Sala, es la película regalo para la audiencia de cada edición. En este caso Beasts of the Southern Wild (Benh Zeitlin). Un film con grandes avales de crítica y público en festivales como el de Sundance o San Sebastián. Una película sin embargo notablemente torpe por su muestra impúdica de recursos sensibleros y su vano intento de disimularlos bajo un manto de cine independiente. En un bucle continuo consistente en desenfocar imágenes, mostrar a la niña protagonista en situaciones dramáticas, poner su voz en off con filosofía digna de un libro de autoayuda (y que además resulta inverosímil en boca de una niña de su edad) y acompañarlo todo con una musiquita reiterativa la sensación que se tiene es que estamos ante un continuo spot publicitario que tanto te vende una colonia, un seguro o intenta que te apuntes a Médicos Sin Fronteras o apadrines a un niño del Tercer Mundo. Un film que pretende crear conciencia sobre aquello de que otro mundo, otra forma de vida es posible, pero que lo hace apuntando de manera casi insultante a los recursos sentimentales de la audiencia. Un film que viene a ser la respuesta “arty” a The Impossible de Bayona, aunque en el fondo sean la misma cosa. Un producto que acaba haciéndose larguísimo, cosa nada extraña teniendo en cuenta que hay anuncios de Médicos Sin Fronteras mejores: son más cortos, y por tanto más concisos, directos y honestos.

Publicado en Jump cut | Etiquetado , , , , , , , , , , , , , , , , | Comentarios desactivados en Sitges 2012 – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya (13/10/2012)

Sitges 2012 – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya (11/10/2012)

Juego de supervivencia

En algún momento habría que empezar a reflexionar sobre si el interés del Festival de Sitges por crecer y expansionarse vale el precio que está pagando. Más películas en la sección oficial, más cine asiático, más categorías y por ende más capacidad de elección. Todo parece ir in crescendo, ¿Todo? Pues lamentablemente la respuesta es no, y más triste aún cuando esta negativa va referida a lo que nos ocupa: la calidad de las películas.

Cierto que ni el programador ni el espectador pueden esquivar el factor suerte. El caso paradigmático sería The Lords of Salem. Programar a Rob Zombie es un acierto, que su film sea mejor o peor es otra cosa. Lo que resulta más preocupante es que el nivel general cinematográfico ha bajado alarmantemente. Dos ejemplos paradigmáticos de ello los hemos podido ver hoy. Son A Fantastic Fear of Everything (Crispian Mills y Chris Hopewell) y Tai Chi Zero (Stephen Fung), que parecen expresamente proyectados para fans de Simon Pegg y del wu xia sin haberse parado a revisar si realmente, por mucho público que pudieran atraer a priori, son buenas o, al menos, interesantes.

En el primer caso nos hallamos ante un film de la factoría Simon Pegg, es decir una combinación de humor y terror para mayor gloria del actor británico que, en este caso, se adueña prácticamente en su totalidad del show. Un espectáculo consistente en amontonar gags y creer que en el efecto acumulación está la gracia. Una película que pretende ironizar sobre los miedos propios y cómo los trasladamos y acaba por parecerse más a una de las peores películas de los hermanos Farrelly que no al producto inteligente que aspiraba a ser. Si algo positivo en cambio tiene Tai Chi Zero es su nula voluntad de trascender; quiere ser un producto divertido a la par que ambicioso en su estética steampunk. Una voluntad que queda truncada por un 3D espantoso y un desarrollo visual que consiste en atiborrar al espectador de información en la pantalla cortando todo atisbo de ritmo. Junto a ello la no menos incoherente transformación de muchas de las escenas en meras pantallas de un videojuego con el que, naturalmente, el espectador no puede interactuar. En Tai Chi Zero no hallamos atisbo alguno de lo cinematográfico, haciendo así irónicamente honor a su título.

No todo han sido decepciones en la jornada de hoy, especialmente destacable el mediometraje Mekong Hotel de Apichatpong Weerasethakul. Una muestra más del universo particular del director tailandés. Un film coherente con su estilo, que se balancea entre lo documental y lo fantástico y que tiñe situaciones con un aire de suave y relajante ironía. Una película que sugiere más que explicita y que invita a la reflexión a través del desconcierto. Todo lo contrario es lo que Kim Ki-duk nos ofrece en su última película, Pieta. Este es un regreso al Kim de lo excesivo, de lo casi pornográfico en su explotación visual de las miserias humanas. Una cinta que remite a primeros trabajos del director coreano como Bad Guy (Nabbeun namja, 2001) tanto argumental como estéticamente. Un descenso a los infiernos y la mugre de las bajezas humanas que consigue mantener un interés alto. No obstante, Pieta se resiente de una poesía visual muy impostada dando la sensación de que, aunque Kim recupera en parte el pulso, aún no ha vuelto al nivel de, por ejemplo, Hierro 3 (Bin-jip, 2004).

En una modesta pero necesaria equidistancia visionamos el esperado anime Wolf Children (Okami kodomo no ame to yuki) de Mamoru Hosoda, autor de las deliciosas The Girl Who Leapt Through Time (Toki o kakeru shôjo, 2006) y Summer Wars (Samâ uôzu, 2009). Este, aunque con una factura igual de preciosista, no es un trabajo a la altura de los anteriores. Demasiado edulcorado y alargado, se recrea en un drama y en unos acontecimientos muy obvios que llevan al espectador a sentir el peso de un metraje excesivo para lo que la historia pide. Una película a la que sin duda le hubiera convenido una mayor concreción argumental y mejor exposición en el desarrollo del drama, especialmente a la hora de no hacer tanto hincapié en el subrayado musical.

Publicado en Jump cut | Etiquetado , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | 1 comentario

Sitges 2012 – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya (10/10/2012)

Herencias, clásicos, saldos

Lo que está pasando en esta edición de Sitges con el cine coreano empieza a ser realmente preocupante. Observamos cómo cada año las producciones que nos llegan son inversamente proporcionales a la calidad de las mismas. Si ayer hablábamos de Deranged (Yeon-ga-si, Park Jeong-woo) como ejemplo de ello hoy ha continuado esta tendencia con The Weight (Jeon Kyu-hwan), película que además venía expresamente recomendada por el director del certamen, Ángel Sala. Muchas son las cosas negativas de las que hablar, como de su nulo sentido del tempo cinematográfico, de su nula preocupación por desarrollar un guión y un montaje que tengan sentido entre sí o su continua confusión entre lo que se supone debe ser lírico y la absurdidad kitsch de sus imágenes. Pero lo peor de todo es que este es un film sin rumbo, desganado, que no sabemos lo que pretende decir a pesar de que queda claro que algo intenta transmitir, lo que no sólo le confiere el calificativo de vacío sino que le adjudica un barniz de pretenciosidad absolutamente insoportable.

Quentin Dupieux es probablemente una de las voces más originales dentro del panorama actual, y con Wrong confirma lo ya apuntado en películas como Rubber (2010). Este es un director que sabe perfectamente construir un universo propio, unos códigos humorísticos basados en lo surrealista, en lo subversivo y en las repeticiones de gags, sean sonoros o visuales, como marcas principales de la casa. Asimismo parece también que la irregularidad sea constante, y es que igual que sucedía con Rubber, Wrong nunca consigue redondear la faena. Es esta una película de momentos, golpes de efecto, argumentales o humorísticos, muy por encima de la media en cuanto a inteligencia y tratamiento. Sin embargo mantener estos altos resulta ardua tarea, lo que acaba por configurar un conjunto con demasiados altibajos que facilitan la desconexión del espectador con lo acaecido en pantalla demasiadas veces.

Con Vous n'avez encore rien vu Alain Resnais ofrece un auténtico recital de generosidad cinematográfica. Por un lado rinde un cálido homenaje a los colaboradores habituales en sus películas como Sabine Azéma o Pierre Arditi, entre otros, regalándoles un producto bello, compacto y por qué no decirlo denso en su complejo entramado metateatral. Así es, con un desarrollo aparentemente sencillo (actores que acaban fundiéndose con su personaje) se construye un diálogo apabullante entre el actor y su interpretado, entre el rol y el espectador que lo ve. Un juego de miradas amparado por la relación que se establece entre el Resnais director de cine y el Resnais que dirige una representación de Orfeo. Un entramado de complicidades multidireccional complejo, árido por momentos, pero que sabe conjugar la lírica teatral con el análisis de las relaciones maestro-alumno y sus derivaciones paternofiliales o de pareja.

Mucho se esperaba de Antiviral, debut de Brandon Cronenberg, que hace honor a su apellido con un film deudor de Cronenberg padre en muchos sentidos. Por un lado una estética aséptica, fría, con un aire de irrealidad de Apocalipsis de baja intensidad que nos remite a esos páramos médicos aislados de por ejemplo Cromosoma 3 (The Brood, 1979) o Rabia (Rabid, 1977); por otro tenemos un argumento que nos sitúa en el territorio de la nueva carne más en la línea de Videodrome (1983). Con estas herramientas se construye una película que pivota sobre la crítica a la sacralización del famoso, de su explotación comercial y de la vulgar adoración que la sociedad siente por estos seres. Calificativo este duro, pero así presentado en la película. Los famosos son objeto de adoración y explotación en tanto que objetos, no tienen valor per se más que por lo que pueden vender, llegando en el caso del film al extremo de vender sus enfermedades. En todos estos aspectos Antiviral funciona perfectamente, y traza una línea de continuidad con el primer David Cronenberg respetuosa y exigente con el referente a partes iguales. Si algo se le puede achacar a Antiviral es su desarrollo algo deslavazado, con demasiada tendencia a la dispersión, producto quizás del excesivo celo con el que se ha enfocado la parte estética.

Publicado en Jump cut | Etiquetado , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Comentarios desactivados en Sitges 2012 – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya (10/10/2012)

Sitges 2012 – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya (09/10/2012)

Confirmaciones esperadas, realidades decepcionantes

Se esperaba con impaciencia la jornada de hoy debido a la presentación de 3 de los títulos con mayores expectativas del festival. Después de triunfar en Sitges con Surveillance (2008) se esperaba mucho de lo nuevo de Jennifer Chambers Lynch, Chained. Un título que arranca con una fuerza inusitada sumergiéndonos en el mundo amoral e irracional de un secuestrador y asesino múltiple de mujeres. Un inicio de película que poco a poco se deshace al buscar los motivos de tal comportamiento y así, en cierto modo, tratar de buscar una empatía con el personaje que nuca se consigue. Finalmente el film cierra en falso con uno de esos giros de argumento finales que no sólo son innecesarios sino que sumergen la cinta en una vulgaridad que fácilmente podría haber evitado con un desarrollo más enfocado a la intimidad de los personajes y sus psiques desquiciadas.

Una pequeña decepción. Esa es la sensación final después de ver Cosmopolis, último film de David Cronenberg. No es que nos encontremos ante una mala película, la mano del director canadiense se nota en la potencia visual y en la habilidad para sacar petróleo incluso de un hasta ahora intérprete bajo sospecha como Robert Pattinson. No obstante Cosmopolis confunde en su tono general la metáfora de la caída del capitalismo con una intelectualización excesiva, lo que confiere al film un tono árido, denso y por momentos exasperante. Sí, se parece mucho a un film de David Cronenberg, pero lo que de verdad parece es un guión de Eduardo Punset.

Mucha atención estaba depositada en Berberian Sound Studio (Peter Strickland), una película que venía siendo anunciada como la bomba de este año del festival y respaldada por críticas muy positivas. La sensación final, con gran división entre abucheos y aplausos, posiblemente viene marcada por esta alta expectativa. En el fondo Berberian Sound Studio es un producto casi de orfebrería, trabajado hasta el extremo en el estudio de sonido, la atmósfera y recreación de esos estudios cutres italianos donde el giallo alcanzó sus mayores éxitos. Lo que hace tambalear el resultado final es la frialdad con la que se aborda su temática; hay demasiado distanciamiento entre el fondo y la forma de la película y por ello se echa de menos un poco más de arrojo, de valentía o locura si se quiere. Una cinta que transita por los caminos del Carpenter de En la boca del miedo (In the Mouth of Madness, 1994), por ejemplo, pero a la que le falta ese punto de ironía autoconsciente para refrescar una propuesta un tanto acartonada por su seriedad.

Pero no solo de grandes nombres vive el festival, así que también hemos podido contemplar la ópera prima del realizador catalán Marçal Forès, Animals, cuyo punto de partida nos podría remitir a la reciente Ted (Seth MacFarlane, 2012) pero cuyos caminos argumentales nos aproximan más a Donnie Darko (Richard Kelly, 2001). Una película un tanto alambicada argumentalmente pero que sabe crear atmósfera e inquietud y que transmite hábilmente de forma sutil un cierto aire de Apocalipsis final muy íntimo. Lejos de esta propuesta queda el remake de ¿Quién puede matar a un niño? (Narciso Ibáñez Serrador, 1976) a cargo del director mexicano Makinov. Precisamente el nombre del realizador ilustra perfectamente la realidad de Juego de niños: un remake maquinal, sin alma, frío, que no aporta absolutamente nada a destacar. Cierto es que si se hace abstracción del original, Juego de niños puede resultar correcta, sin alardes. El problema está en que tal abstracción resulta imposible. Es lo que pasa cuando se intenta recrear una obra maestra, que todo sabe a poco.

Finalizamos con la enésima producción coreana presentada. En este caso se trata de Deranged (Yeon-ga-si), una película que argumentalmente se emparienta directamente con Contagio (Contagion, Steven Soderbergh, 2011). Hasta aquí las similitudes porque si el film de Soderbergh no era perfecto lo que nos ofrece el director Park Jeong-woo es un desastre en toda regla. Cámara epiléptica, guión obvio, personajes cliché bordeando la caricatura, etc. En definitiva, si no supiéramos que es una película seria podríamos hasta pensar que estamos ante un “Contágialo como puedas” filmado en Corea y ya sin el mítico Leslie Nielsen. Lo positivo, es que filmes como este vienen a confirmar lo apuntado en otras crónicas: como dijo Leo Benhakker cuando entrenaba al Real Madrid y perdió con el Torino, “La época bonita se ha acabado”.

Publicado en Jump cut | Etiquetado , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Comentarios desactivados en Sitges 2012 – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya (09/10/2012)

Sitges 2012 – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya (08/10/2012)

Una de expectativas subvertidas

Sitges nos ha traído hoy una jornada intensa, con películas a la altura de lo esperado, alguna brillante sorpresa y un par de decepciones sonadas y sonadas dada la reacción del respetable una vez finalizados los pases respectivos. Empezamos pues la jornada con Sightseers, film con muchas y buenas expectativas después de que su director, Ben Wheatley, nos ofreciera el año pasado una de las revelaciones del festival, Kill List. En esta ocasión se plantea una road movie llena de humor negro, mala leche y una clara advertencia sobre los lobos disfrazados de cordero. Un film irónico aunque a ratos descompensado en una mezcla genérica que no acaba de cuajar del todo.

Pero para expectación la que había despertado el último film de Rob Zombie, The Lords of Salem, un film sobre brujería que prometía de nuevo el espectáculo visual al que el director nos tiene acostumbrados. Sin embargo, y aunque elementos característicos del cine de Zombie no faltan, como esa estética sacada del circo burlesque pasado por un tamiz malsano, nos hallamos ante un auténtico canto a la nada más absoluta. Con un guión que no sabe muy bien adónde va se nos narra una historia que divaga constantemente y que no acaba de encontrar su punto de conexión con la audiencia. Una película en general aburrida y cuyo mayor interés se puede resumir en los planos de Sheri Moon Zombie vinculados directamente a los de Brigitte Bardot en Le mépris (Jean-Luc Godard, 1963).

Todo país y cultura tiene un sentido del humor propio. Esto, aunque parezca de perogrullo, sirve para introducirse en una película como Robo-G (Robo Jî, Shinobu Yaguchi), una comedia amable, de tono familiar, cuyo mayor problema no estriba tanto en su blandura e ingenuidad, sino en que juega con un registro humorístico muy alejado del nuestro. Resulta especialmente difícil empatizar con el catálogo de muecas y expresiones niponas que seguro que tienen mucho éxito en su país pero que aquí resultan cargantes de tan infantiles. Una película sin nada destacable, para ver y olvidar.

Justo lo contrario de la que es, hasta ahora, la mejor película del festival. Hablamos de Safety Not Guaranteed (Colin Trevorrow), un film de factura independiente que aparentemente se mueve en la temática de los viajes en el tiempo. Y sí, sólo lo es de forma lateral, porque esta temática sirve de excusa para narrar una historia sobre relaciones y épocas pasadas. Una reflexión sobre el tiempo que ya no vuelve y cómo nos vincula emocionalmente al presente. Un viaje lleno de ternura, de naturalidad y de conexiones emocionales tratadas con una delicadeza muy cuidada, que huye conscientemente del exceso a través de sus tonalidades cálidas y de unos planos que optan por la desnudez y la transparencia. Una joya.

Aunque como documental no aporte nada formal al género sí vale la pena visionar Side by Side (Chris Kenneally), ni que sea para establecer a posteriori un debate sobre lo visto y lo opinado en el film. En él se nos muestra el enfrentamiento entre defensores del celuloide y los que optan por el cine digital. Un enfrentamiento un tanto maniqueo ya que pocas veces se tienen en cuenta posiciones más equilibradas y se opta por una confrontación de tintes talibanescos entre los directores que dan su punto de vista. No obstante es muy enriquecedor conocer quién es quién, cómo se posiciona y cuáles son sus razones.

Si el director de The Cabin in the Woods, Drew Goddard, hubiera visionado Modus Anomali (Joko Anwar), posiblemente estaría aún más satisfecho de su trabajo, y es que el film indonesio con el que cerramos la jornada podría describirse tal cual como la cinta americana. Las similitudes se quedan, no obstante, en la descripción, ya que contemplamos atónitos una película que intenta romper el cliché y cae en la obviedad más absoluta sin atisbo alguno de humor autorreferencial, tomándose totalmente en serio cuando debería ofrecer margen para la autoparodia. Lo peor está en su tramo metacinematográfico, disparando sin ton ni son a referencias tan dispares como Los cronocrímenes (Nacho Vigalondo, 2007), Funny Games (Michael Haneke, 1997) e incluso planos a lo Tropical Malady (Sud parlad, Apichatpong Weerasethakul, 2004). Una cinta en definitiva a la que le falta capacidad para desatarse, viviendo demasiado constreñida en sus propios márgenes autoimpuestos, lo que aún la acaba perjudicando al ser todo demasiado explícito.

Publicado en Jump cut | Etiquetado , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Comentarios desactivados en Sitges 2012 – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya (08/10/2012)