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‘The Deep Blue Sea’ (Terence Davies, 2011) [Cameo 2013]

Desde Londres con (des)amor

Si hace unos días celebrábamos la edición en DVD de Blancanieves (Pablo Berger, 2012), película de cuidada factura visual y notables pretensiones artísticas, nos alegramos de que Cameo haya decidido editar esta discreta joya de confuso título: The Deep Blue Sea, que pudo verse en prestigiosos festivales como Londres, Toronto o San Sebastián, antes de su inadvertido paso por nuestras salas.

El film, adaptación de una exitosa obra de teatro de Terence Rattigan estrenada en 1952, conoció la primera versión cinematográfica en 1955 de la mano del multigénerico y siempre apasionado Anatole Litvak. Para esta, Davies recoge y combina estos dos precedentes y construye una preciosista puesta en escena que reinterpreta el origen teatral de Rattigan y, a la vez, la síntesis narrativa de Litvak. En sus secuencias de interior, Davies se ampara en la prodigiosa fotografía del alemán Florian Hoffmeister que, bebiendo confesamente de Vermeer, envuelve de delicada condescendencia la amarga historia de la protagonista y otorga al conjunto una majestuosa identidad. The Deep Blue Sea se ubica en la puritana Inglaterra post-Segunda Guerra Mundial, en la que Hester Collyer (Rachel Weisz) es una mujer casada con un hombre mucho mayor que ella, un insigne juez que le ha proporcionado estabilidad y un alto nivel de vida, pero que no ha sabido ponerle pasión a su matrimonio. Hester conocerá a Freddie (Tom Hiddleston), un ex piloto dela RAF bebedor y pendenciero, quien le descubrirá un mundo nuevo y del que caerá enamorada, pero este no podrá darle estabilidad a su relación ya que su atracción hacia ella es sólo sexual. Ante tal dicotomía y el temor de volver a una vida insulsa y monótona, Hester decidirá suicidarse.

Dos luces y dos sombras en los amores de Hester Collyer, perfectamente representados en la excelente fotografía.

El dicho inglés “Between the Devil and the Deep Blue Sea”, del que se extrae el título de la película, hace referencia al dilema en el que Hester está inmersa y nos sugiere cuál es su tono general. La muy eficaz síntesis con la que se plantea la situación inicial da lugar, a partir de este momento de la narración, a todo el desarrollo melodramático que, eso sí, con contención y frialdad inglesa, nos llevará por ese estado melancólico que acaba contagiándose a todo el relato. Davies explora con una inusitada sensibilidad formal las idas y venidas de los sentimientos de su protagonista femenina, algo que ya estaba presente en alguna de sus anteriores obras: en La casa de la alegría (The House of Mirth, 2000), donde Davies, escudándose en la adaptación de la novela de Edith Wharton de título homónimo, exploraba la complicada moralidad de una mujer de clase alta en la Nueva York de principios de siglo XX. Con una siempre expresa voluntad de detallismo en su diseño artístico (que destaca especialmente al tratarse, ambas películas, de recreaciones históricas) el director ponía a su protagonista, una joven a punto de casarse, en la difícil situación de elegir entre el hombre del que se había enamorado o el que podría hacerla escalar socialmente. Davies afirma que “el amor es la peculiaridad de la especie humana” [1] y esto se corrobora en su tratamiento de los sentimientos que hace en sus personajes, de los que parece escrutar su conducta, aún sin necesidad de emitir un juicio moral.

Gillian Anderson en ‘La casa de la alegría’ (2000) y Rachel Weisz en ‘The Deep Blue Sea’ (2012). O como Terence Davies filma dos películas (y dos épocas) distintas partiendo de un planteamiento similar.

Esta edición de Cameo presenta la película en su formato original 16:9 y con Dolby Digital 5.1. En el apartado de extras se echa de menos (no nos consta que exista) el habitual Making Off, que nos permitiría, por ejemplo, descubrir el presumible intenso trabajo de Davies con sus actores. Como compensación, Cameo nos ofrece 34 minutos de un interesante material de prensa extraído de la presentación que ofreció el director junto a los protagonistas y el productor de la cinta con motivo de su proyección en el Festival de Cine de San Sebastián, en la que estos explican algunos temas esenciales que abordaron en la confección del film. The Deep Blue Sea ha obtenido el reconocimiento de crítica y público y su edición en DVD es una buena oportunidad para descubrir el porqué.

Notas:

  1. Como así recoge una entrevista realizada por Begoña Piña y publicada el 4 de Septiembre de 2012 en el diario Público
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Correspondencias (I)

 

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Top 2011- Redacción Contrapicado

Ricardo Adalia Martín

1. Los pasos dobles (Isaki Lacuesta, 2011) & Drive (Nicolas Winding Refn, 2011)

2. Misterios de Lisboa (Raoul Ruiz, 2010)

3. Thérèse (Alain Cavalier, 1986)

4. La piel que habito (Pedro Almodóvar, 2011)

5. Le quattro volte (Michelangelo Frammartino, 2010)

6. Tournée (Mathieu Amalric, 2010)

7. La boda de mi mejor amiga (Paul Feig, 2011)

8. El último verano (Jacques Rivette, 2009)

9. Cisne negro (Darren Aronofsky, 2010)

10. La vida sublime (Daniel V. Villamediana, 2010)

No estrenadas comercialmente:

1. Low life (Nicolas Klotz, 2011)

2. Palácios de Pena (Gabriel Abrantes & Daniel Schmidt, 2011)

3. L'Apollonide (Souvenirs de la maison close) (Bertrand Bonello, 2011)

4. Recuerdos de una mañana (José Luis Guerín, 2011)

5. The Mill and the Cross (Lech Majewski, 2011)

6. Dharma Guns (La succession Starkov) (F. J. Ossang, 2010)

7. Road to Nowhere (Monte Hellman, 2010)

8. Photographic Memory (Ross McElwee, 2011)

9. Color perro que huye (Andrés Duque, 2011)

10. Música Campesina (Alberto Fuguet, 2011)

María Adell

1. Un método peligroso (David Cronenberg, 2011)

2. Carlos (TV Miniserie) (Olivier Assayas, 2010)

3. Drive (Nicolas Winding Refn, 2011)

4. Melancolía (Lars von Trier, 2011)

5. La boda de mi mejor amiga (Paul Feig, 2011)

6. Le père de mes enfants (Mia Hansen-Løve, 2009)

7. Valor de ley (True grit) (Ethan Coen & Joel Coen, 2010)

8. El árbol de la vida (Terrence Malick, 2011)

9. El extraño caso de Angélica (Manoel de Oliveira, 2010)

10. Le Havre (Aki Kaurismäki, 2011)

Enrique Aguilar

1. El árbol de la vida (Terrence Malick, 2011)

2. Misterios de Lisboa (Raoul Ruiz, 2010)

3. Super 8 (J. J. Abrams, 2011)

4. Melancolía (Lars von Trier, 2011)

5. La piel que habito (Pedro Almodóvar, 2011)

6. Valor de ley (True grit) (Ethan Coen & Joel Coen, 2010)

7. Le père de mes enfants (Mia Hansen-Løve, 2009)

8. El extraño caso de Angélica (Manoel de Oliveira, 2010)

9. Una mujer en África (Claire Denis, 2009)

10. Somewhere (Sofia Coppola, 2010)

Gerard Casau

1. El árbol de la vida (Terrence Malick, 2011)

2. Valor de ley (True grit) (Ethan Coen & Joel Coen, 2010)

3. Misterios de Lisboa (Raoul Ruiz, 2010)

4. El topo (Tomas Alfredson, 2011)

5. Insidious (James Wan, 2010)

6. Melancolía (Lars von Trier, 2011)

7. Le Havre (Aki Kaurismäki, 2011)

8. Attack the Block (Joe Cornish, 2011)

9. Un método peligroso (David Cronenberg, 2011)

10. Animal Kingdom (David Michôd, 2010)

No estrenadas comercialmente:

1. The Turin Horse (Béla Tarr & Ágnes Hranitzky, 2011)

2. Take Shelter (Jeff Nichols, 2011)

3. Himizu (Shion Sono, 2011)

4. L'Apollonide (Souvenirs de la maison close) (Bertrand Bonello, 2011)

5. La guerre est déclarée (Valérie Donzelli, 2011)

6. Kotoko (Shin'ya Tsukamoto, 2011)

7. Color perro que huye (Andrés Duque, 2011)

8. 4:44 Last Day on Earth (Abel Ferrara, 2011)

9. Kill List (Ben Wheatley, 2011)

10. The Ballad of Genesis and Lady Jaye (Marie Losier, 2011)

Menciones especiales a la miniserie Black Mirror (Charlie Brooker [guión], 2011) y al mediometraje Boro in the Box (Bertrand Mandico, 2011).

José Ramón García Chillerón

1. Four Lions (Christopher Morris, 2010)

2. Super 8 (J. J. Abrams, 2011)

3. Un dios salvaje (Roman Polanski, 2011)

4. George Harrison: Living in the Material World (Martin Scorsese, 2011)

5. Un método peligroso (David Cronenberg, 2011)

6. Melancolía (Lars von Trier, 2011)

7. Piraña 3D (Alexandre Aja, 2010)

8. I’m still here (Casey Affleck, 2010)

9. El árbol de la vida (Terrence Malick, 2011)

10. Attack the Block (Joe Cornish, 2011)

No estrenadas comercialmente:

1. Red State (Kevin Smith, 2011)

2. Diamond Flash (Carlos Vermut, 2011)

3. The Yellow Sea (Na Hong-jin, 2010)

Marla Jacarilla

1. Melancolía (Lars von Trier, 2011)

2. El hombre de al lado (Mariano Cohn & Gastón Duprat, 2009)

3. Nunca me abandones (Mark Romanek, 2010)

4. Incendies (Denis Villeneuve, 2010)

5. Midnight in Paris (Woody Allen, 2011)

6. Una mujer en África (Claire Denis, 2009)

7. Tournée (Mathieu Amalric, 2010)

8. I’m still here (Casey Affleck, 2010)

9. La doctrina del shock (Mat Whitecross & Michael Winterbottom, 2009)

10. Super 8 (J. J. Abrams, 2011)

No estrenadas comercialmente:

1. The Turin Horse (Béla Tarr & Ágnes Hranitzky, 2011)

2. Gravity Was Everywhere Back Then (Brent Green, 2010)

3. Post Mortem (Pablo Larraín, 2010)

4. Morir como un hombre (João Pedro Rodrigues, 2009)

5. Cold Fish (Shion Sono, 2010) & Confessions (Tetsuya Nakashima, 2010)

6. Rubber (Quentin Dupieux, 2010)

7. Bibliothèque Pascal (Szabolcs Hajdu, 2010)

8. Sound of Noise (Ola Simonsson & Johannes Stjärne Nilsson, 2010)

9. The Future (Miranda July, 2011)

10. Winter Vacation (Li Hongqi, 2010)

Álex P. Lascort

1. Melancolía (Lars von Trier, 2011)

2. Jane Eyre (Cary Fukunaga, 2011)

3. El origen del planeta de los simios (Rupert Wyatt, 2011)

4. Super 8 (J. J. Abrams, 2011)

5. Midnight in Paris (Woody Allen, 2011)

6. La boda de mi mejor amiga (Paul Feig, 2011)

7. Mientras duermes (Jaume Balagueró, 2011)

8. Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio (Steven Spielberg, 2011)

9. Scream 4 (Wes Craven, 2011)

10. X-Men: Primera generación (Matthew Vaughn, 2011)

Estrenadas & no estrenadas comercialmente:

1. Shame (Steve McQueen, 2011)

2. Melancolía (Lars von Trier, 2011)

3. Hobo with a Shotgun (Jason Eisener, 2011)

4. Jane Eyre (Cary Fukunaga, 2011)

5. The Raid (Gareth Evans, 2011)

6. The artist (Michel Hazanavicius, 2011)

7. Killer Joe (William Friedkin, 2011)

8. El origen del planeta de los simios (Rupert Wyatt, 2011)

9. Super 8 (J. J. Abrams, 2011)

10. Midnight in Paris (Woody Allen, 2011)

Mónica M. Marinero

1. El árbol de la vida (Terrence Malick, 2011)

2. Misterios de Lisboa (Raoul Ruiz, 2010)

3. El extraño caso de Angélica (Manoel de Oliveira, 2010)

4. El último verano (Jacques Rivette, 2009)

5. La danse - Le ballet de l'Opéra de Paris (Frederick Wiseman, 2009)

6. Una mujer en África (Claire Denis, 2009)

7. Restless (Gus Van Sant, 2011)

8. Another Year (Mike Leigh, 2010)

9. Un método peligroso (David Cronenberg, 2011)

10. El mundo que fue y el que es (Pablo Llorca, 2011) & Naufragio (Pedro Aguilera, 2010)

Jorge Mauro de Pedro

1. Nader y Simin, una separación (Asghar Farhadi, 2011)

2. Le Havre (Aki Kaurismäki, 2011)

3. Le père de mes enfants (Mia Hansen-Løve, 2009)

4. La piel que habito (Pedro Almodóvar, 2011)

5. La danse - Le ballet de l'Opéra de Paris (Frederick Wiseman, 2009)

6. El árbol de la vida (Terrence Malick, 2011)

7. El extraño caso de Angélica (Manoel de Oliveira, 2010)

8. El ilusionista (Sylvain Chomet, 2010)

9. Los pasos dobles (Isaki Lacuesta, 2011)

10. Inside Job (Charles Ferguson, 2010)

Endika Rey

1. Misterios de Lisboa (Raoul Ruiz, 2010)

2. Nader y Simin, una separación (Asghar Farhadi, 2011)

3. Un método peligroso (David Cronenberg, 2011)

4. Le Havre (Aki Kaurismäki, 2011)

5. El árbol de la vida (Terrence Malick, 2011)

6. Pánico en la granja (Stéphane Aubier, Vincent Patar, 2011)

7. Four Lions (Christopher Morris, 2010)

8. El topo (Tomas Alfredson, 2011)

9. Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (Steven Spielberg, 2011)

10. Drive (Nicolas Winding Refn, 2011)

Mención especial para lo mejor del cine español 2011: No habrá paz para los malvados (Enrique Urbizu), La piel que habito (Pedro Almodovar), Guest (José Luis Guerin), La noche que no acaba (Isaki Lacuesta), Mercados de futuro (Mercedes Álvarez)

No estrenadas comercialmente:

1. The deep blue see (Terence Davies, 2011)

2. Guilty Of Romance (Sion Sono, 2011)

3. Carlos (TV Miniserie) (Olivier Assayas, 2010)

4. Elena (Andrei Zvyagintsev, 2011)

5. Abrir puertas y ventanas (Milagros Mumenthaler, 2011)

6. The day he arrives (Hong Sang-Soo, 2011)

7. Sangue do Meu Sangue (João Canijo, 2011)

8. Meek's Cutoff (Kelly Reichardt, 2010)

9. We Need to Talk About Kevin (Lynne Ramsay, 2011)

10. Morir como un hombre (João Pedro Rodrigues, 2009)

 

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FICXixón 49: ‘El estudiante’ (Santiago Mitre, 2011)

El estudiante no es una película política porque sus personajes se expresen en términos políticos durante las dos horas de su metraje, sino porque la palabra pronunciada por Roque (el estudiante al que hace referencia el título del film) justo en el final de la cinta aparece para redimensionar todo el sentido de las imágenes. Tomamos su historia en el momento en que decide iniciar una nueva andadura universitaria. Es su tercera carrera después de que otras dos dieran en fracaso. La universidad está revuelta por las elecciones a rector que se presentan en el horizonte. La lucha por el reparto de poder entre estudiantes y profesores configura un campo de batalla, un caos infinito al que Roque solo puede otorgar un cierto sentido a partir del amor que le despierta una profesora adjunta. Un mitin estudiantil, un café y una fiesta: secuencia sentimental de la génesis de una nueva pareja. Lo íntimo y lo colectivo han quedo presentados; comienza el juego.

Partiendo de unos mínimos llegamos a lo máximo; a la corrupción, la traición y el politiqueo más miserable. Del aula, a la realidad de todo un país. De la historia más reciente, al tiempo de los conquistadores de Latinoamérica. Porque El estudiante es una película que se expande deslizándose hábilmente de historia en historia, obviando cualquier tipo de cronograma. No estamos muy lejos de las Historias Extraordinarias de Mariano Llinás. De hecho, como podemos leer en lo títulos de crédito, la idea original le pertenece. Pero Santiago Mitre toma la esencia de su maestro para dejarla cerca de la formula de su productor, Pablo Trapero, del que ha sido guionista en algunos de sus trabajos. ¿Debería suponer esto un problema? ¿Deberíamos lamentar que haya reducido la complejidad del trabajo de Llinás, de que solo tengamos a un personaje protagonista, de que el amplio espacio de la comarca ahora no sea más que una facultad y sus alrededores? Desde luego que no. Lo que lo que importa de El estudiante es la experiencia que Roque va adquiriendo en cada movimiento, en cada tarea que se le va encomendado a medida que va tomando partido dentro del juego en que se ve envuelto. Porque El estudiante es, ante todo, una película sobre la experiencia. Un estudio acerca de cómo la adquiere un individuo y de cómo conforma su identidad.

Llegamos al momento de la verdad, de ponerla a prueba. Roque debe dar una respuesta y Mitre le coloca solo en el encuadre. Él, al igual que todos los directores argentinos cuando se ponen detrás de una cámara, también debe responder a otra igual de complicada; ¿Qué hacer con toda la memoria de un país que ha sido heredada? Uno dice “No”, el otro le acompaña. Mitre se queda con Roque, con su palabra. Pone fin al metraje con un corte de montaje. Ha tomado partido colocándose en contra. Su decisión, tan heroica como la de Roque, invalida el uso de sus imágenes, convirtiéndolas en un mero fetiche que desfila por una pantalla. Porque estar en contra supone, en realidad, una forma indirecta de alimentar al contrario para perpetuar la estructura que sostiene a ambos.

Hace algunos años Liverpool ganó en FICXixón el mismo premio que El estudiante. Aunque Lisandro Alonso contestaba de manera diferente: “Farrel por un lado, yo por otro”, parecía decirnos después de abandonarlo a su suerte. Tomaba posición dentro del espacio al que nos había conducido para configurar un nuevo lugar desde el que relacionarse con la memoria de una manera muy determinada exponiendo, además, una pregunta bastante compleja ¿Qué significa actuar políticamente? Al final de metraje una palabra muda aparecía para resignificar todas las imágenes: “Liverpool”. Ni si ni no. Ni a favor ni en contra. Condición de lugar abierto, de transito de lo inconcluso, sobre la que podría llegar a construirse una nueva relación con el lenguaje. A partir de entonces, tomar la voz, ejercer la palabra, conformarnos como sujetos políticos de pleno derecho, pasaría a ser solamente cosa nuestra.

 

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FICXixón 49: ‘Declaración de Guerra / La guerre est déclarée ’ (Valérie Donzelli, 2011)

Declaración de Guerra / La guerre est déclarée baila portentosamente sobre el difuso límite que separa lo sublime de lo ridículo, y bien podría considerarse como las Histoire(s) du cinéma de ese límite. Tiene algo del primer Godard, de Demy, de Honoré, de todo ese cine que ha utilizado el trazo grueso de manera liviana para enfrentarse a lo indecible, a lo irrepresentable. Porque lo que se trae entre manos es algo demasiado grande para contarlo desde su misma altura. ¿Cómo hacer entonces? Yéndose a su contrario, a su opuesto. Primero el amor: Música ligera en la banda de sonido para acompañar a Romeo (Jérémie Elkaïm) y Julieta (la propia directora, Valérie Donzelli) paseando distraídamente por la ciudad, disfrutando alegremente de unas atracciones de feria. Partiendo de una mirada furtiva en una fiesta, queda representada en un par de minutos la génesis de su relación. Después aparece el cáncer que sufre su hijo. A partir de aquí Declaración de Guerra / La guerre est déclarée queda predispuesta para la tragedia, para el valle de lágrimas: tenemos un drama hospitalario, un niño al borde de la muerte y una pareja que debe poner a prueba su vínculo en la dificultad. Pero también el recuerdo de la propia Valérie Donzelli; su segundo trabajo como directora es la narración de su experiencia y el agradecimiento a todo el equipo médico que logró salvar la vida a su hijo. A estas alturas, el panorama no puede ser más desfavorable.

La guerra a la adversidad ha sido declarada. ¿Cómo hacerle frente? Desde la insistencia; acudiendo una y otra vez al pediatra cuando todo no es más que una amenaza. Desde la rutina; pasando por el hospital a la misma hora o esperando con un cigarrillo en la mano delante de la misma puerta cuando aparece la certeza de la enfermedad. Pero la vida de la pareja continúa aunque ya no sea tan luminosa, aunque viva instalada en una guerra tan fría como la fotografía que les retrata. Es el momento de dar un poco de colorido a base de brochazos. Aquí florece la habilidad de Donzelli para recubrir la realidad asfixiante a partir de esos momentos que podrían componer las historias del cine de ese límite ente lo sublime y lo ridículo. Quedan tan cerca, que las relaciones que entablan son capaces de generar una potencia capaz de dar la vuelta a lo impensable, de convertir lo banal en algo muy diferente. Como caminar por el pasillo de un hospital o esperar a que aparezca un cirujano. Ahora son gags que han adquirido la capacidad de aliviar lo que comienza a ser demasiado pesado.

Al final el niño se salva. No es ningún secreto ni debe serlo. Declaración de Guerra / La guerre est déclarée no va de eso. La propia directora se encarga de recordárnoslo a cada plano: Su historia no es nuestra historia, y el manejo de los más variados recursos cinematográficos [1] abren el intervalo donde nos coloca para vivir el intercambio entre ambos. Ella a lo suyo: el homenaje. Nosotros a lo nuestro: disfrutar de un vaivén emocional sin parangón dentro del cine contemporáneo. Un aplauso.


[1] Son incontables. Caben todos lo que se pueda imaginar el lector.

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