Olga Beltrán, la rabia y el cuerpo

De las Semióticas de la cocina de Martha Rosler  (1975) a las Siluetas de Ana Mendieta (1973-1978) pasando por los retratos de Cindy Sherman o las pinturas de Judy Chicago, la historia del arte feminista se ha ido componiendo de modo parcial y fragmentado, con bastante retraso y también con cierta urgencia. Recordándonos, sobre todo en estos últimos años, que es necesario acabar con esa brecha que durante siglos ha discriminado por defecto la labor artística de miles de mujeres en todo el mundo. Los años setenta fueron un momento clave, tanto en el mundo del arte como en el del feminismo. Ambos caminos confluyeron y, probablemente gracias a ello, la obra de un puñado de mujeres artistas logró adquirir relativa visibilidad. La realidad, eso sí, distaba (y lo sigue haciendo) de alcanzar la paridad en el mundo artístico y cultural. De hecho, en el año 1989, las Guerrilla Girls todavía se preguntaban  en una de sus obras –con ironía, amargura, y por supuesto, ánimo reivindicativo– si era necesario que las mujeres estuviesen desnudas para poder entrar en el Metropolitan Museum, ya que menos del 5%  de las obras allí expuestas estaban realizadas por mujeres, pero en cambio el 85% de los desnudos que se mostraban eran femeninos. Casi treinta años después, la situación no ha mejorado especialmente, ya que la mayor parte de museos e instituciones mantienen unos porcentajes que oscilan entre el 3 y el 20%, haciendo caso omiso de una sociedad que clama por una mayor equidad.

Como resultado de esta discriminación sistemática, la producción artística de numerosas mujeres ha sido ninguneada a lo largo del S XX y gran parte de estas obras permanecerá oculta (tal vez durante siglos) a los ojos del público. A menos, claro está, que hagamos entre todos (y sobre todo las instituciones) un verdadero esfuerzo por visibilizarla. En la novela El mundo deslumbrante, la escritora Siri Hustvedt narra la historia de Harriet Burden; artista norteamericana que, ante el machismo estructural que impregna el mundo del arte, decide crear diversos alter egos masculinos que asuman su obra como propia para así tener más oportunidades de mostrarla. La novela de Hustvedt es una historia de ficción, sí, pero los casos reales que la podrían ilustrar son tantos que sería necesario más de un artículo para poder enumerarlos.

Entre todas esas mujeres que la historia ha silenciado os hablamos en esta ocasión del caso de Olga Beltrán, artista ecuatoriana nacida en 1957 y que falleció en Guayaquil (República del Ecuador) a la temprana edad de 27 años, víctima de una rara enfermedad. Beltrán vivió algunos años en Barcelona, donde se estableció en 1977, tan solo dos años después de la muerte de Franco. Poeta y videoartista, Beltrán dejó un legado artístico que, tras permanecer oculto durante cuarenta años, ve la luz en un momento en que las reivindicaciones feministas alzan su voz de modo contundente ante la hegemonía masculina.

Cuerpo Estado

En su tríptico videográfico conformado por las obras Cuerpo Estado, Cuerpo Objeto y Cuerpo Sujeto Cambio, la artista reflexiona sobre la discriminación, la cosificación del cuerpo femenino y los roles de género que condicionaban la sociedad en los años 70. Las ofertas de empleo en prensa buscaban hombres con iniciativa y capacidad de liderazgo, que pudieran dirigir una empresa. También buscaban mujeres hermosas, femeninas y con estilo, que pudieran ejercer el rol de secretarias y asistentes. Mujeres con –y esto parecía ser lo más importante– un cabello magnífico. Los cuerpos que aparecen en la obra de Beltrán carecen de rostro e identidad, se dejan mirar y se dejan hacer. Como tantas otras personas que nunca se han detenido a reflexionar sobre el lugar que ocupan en el mundo.

Cuerpo Objeto

En la selección de poemas inéditos a los que hemos podido acceder, abundan la rabia contenida, el anhelo desbocado y el vigor de la juventud. Las ansias por reivindicar un espacio, por alcanzar una sociedad más justa e igualitaria en una época, la de la llamada transición, marcada tanto por anhelos como por convulsiones. Con el corazón a medio camino entre Barcelona y Guayaquil, Beltrán se carteó de modo frecuente con su madre, que le enviaba recortes de prensa con las noticias más importantes que sucedían en Ecuador. Mediante poderosas metáforas atemporales, Beltrán reflexiona con espíritu crítico sobre nuestra historia más reciente. Experimenta con la estructura de los poemas y transforma el canon imperante en poéticas imágenes de una singular belleza. Tanto en sus poemas como en sus obras de vídeo, analiza algunos de los mensajes emitidos por los mass media y realiza un cuestionamiento de la normatividad imperante y los roles de género. Mujer, artista, extranjera y militante. Cuarenta años después, una de tantas mujeres silenciadas, por fin ha recuperado la voz. Esperemos que haya muchas más que lo logren y que no sea demasiado tarde.

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D’A Film Festival 2018 (IV)

La reconstrucción de la intimidad

Con su primera película, El gran vuelo, Carolina Astudillo intentaba rastrear la figura de la militante del PSUC Clara Pueyo Jornet que, tras una condena a muerte, consiguió escapar de la prisión de Les Corts, en Barcelona, y desaparecer para siempre. La información y material gráfico del que disponía Astudillo era mínima: apenas unas fotos y algunas cartas. Cuando Clara Pueyo salió por la puerta de la cárcel (parece ser que por la mismísima puerta principal) consiguió de alguna manera que desapareciese con ella todo rastro de sí misma. Esa dificultad inicial la cineasta la asume como reto y consigue que su película acabe hablando, a partir de esa ausencia, del papel injustamente silenciado de la mujer en el proyecto revolucionario de la izquierda clandestina.

De Ainhoa Mata Juanicotena, al contrario de lo que ocurría con Clara Pueyo, lo que hay es sobreabundancia de material: años de vida familiar grabados compulsivamente con una cámara de Super 8, fotografías, conversaciones telefónicas; pero, sobre todo, los diarios que desde la adolescencia fue escribiendo la propia Ainhoa y que, de alguna forma, constituyen no solo el contrarelato de la imagen idílica que aparece en vídeos y fotografías, sino también una crónica  paralela, personal, en femenino, y por supuesto, brutalmente desencantada de la transición.

Carolina Astudillo lidia con todo este material de manera brillantísima y, en una labor monumental de guion y montaje, construye una película inabarcable, inagotable, poética, sincera y sentida. La cineasta se expone hablando desde la subjetividad de su experiencia personal que hace dialogar con la de Ainhoa, en un gesto de intimidad y complicidad verdaderamente emocionante. Y sin embargo lo que define Ainhoa, yo no soy esa es la polifonía, compuesta en su mayor parte de voces femeninas. Aparece, por supuesto, la voz íntima y cruda de los diarios de Ainhoa, leídos por la escritora Isabel Cadenas, que hablan de una mujer rebelde y frágil, sensible y en permanente lucha por su libertad, y que adquieren toda su dimensión al solaparse con las deterioradas películas y fotografías familiares; está la voz de la cineasta, tan lúcida, reflexiva y cercana a la de Ainhoa (“Querida Ainhoa, he decidido escribirte aun sabiendo que nunca leerás esta carta”, dice la voz en off de Astudillo al empezar la película); Y están las voces invocadas de otras muchas mujeres, escritoras, pensadoras y artistas que han reflejado en sus diarios esos mismos combates que libra Ainhoa: Alejandra Pizarnik, Sylvia Plath, Sherrie Levine, Susan Sontag, Frida Kahlo,…

Ainhoa, yo no soy esa es una película cuya fuerza poética y despliegue reflexivo la convierten en una de las grandes películas del festival.

Qué sesión más sorprendente vivimos ayer en el teatro del CCCB. La plasticidad de las obras de Maya Deren y la absorbente música electrónica industrial de Fasenuova mantienen un diálogo riquísimo, de un brutal impacto sensorial. La música, en este caso, no complementa ni acompaña, no está solapando la imagen ni haciendo innecesarios subrayados, todo lo contrario: añade capas de texturas, de matices, de rugosidades a la portentosa riqueza visual de las obras de Deren.

La belleza sin duda era esto: la ductilidad de los cuerpos que se retuercen, se parten, se desdoblan, danzan y hasta levitan mientras se relacionan con los objetos y los entornos, todo al ritmo de unos sintetizadores que parecen formar parte de ese estudio/disección del Cuerpo recorriendo en pocos minutos todo el abanico posible de estados de ánimo, desde el sufrimiento hasta el éxtasis, en los cuatro títulos que pudimos disfrutar (Meshes of the Afternoon, 1943; At Land, 1944; Study in Choreography for Camera, 1946; y The Very Eye of Night, 1958).

Fasenuova sobre Maya Deren habla un idioma particular dentro de este festival (dentro de cualquier festival, en realidad). Pasa pocas veces que una obra audiovisual exija únicamente sentarse y disfrutar.

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Amante por un día (Philippe Garrel, 2017)

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La hipérbole romántica

Hay historias, plasmaciones de la realidad propia de ciertos momentos vitales, que, a fuerza de ser contadas y mostradas, acaban pareciendo un cliché edulcorado. Por ejemplo, el amor tormentoso entre alumna y profesor, en el que siempre suelen acabar entrando cuestiones de ego, narcisismo y algo de pedantería intelectual. Philippe Garrel aborda en Amante por un día esta cuestión, bailando en ocasiones con esa imagen tópica del amor entre maestro y mentor, pero colocando el foco más allá -o más acá- de la atracción intelectual y el paternalismo del que se cree en una posición superior a la de su amante.

Garrel plantea la relación entre Ariane (Louise Chevillotte) y su profesor, Gilles (Eric Caravaca), desde la perspectiva pasional e irracional de un amor post-adolescente y eminentemente físico. Al binomio de los amantes, se le suma la presencia de la hija de Gilles, Jeanne (Esther Garrel), cuya amistad y complicidad con la amante de su padre la convierte en el tercer vértice de una suerte de triángulo emocional. Cada parte de la ecuación aporta una visión distinta del amor: Jeanne encarna la visión del amor romántico, intenso y eterno, que crea un vacío insufrible cuando termina, sumergiéndola en una desesperación aún más intensa. Ariane se guía por los impulsos propios de su edad, incapaz de resistirse al placer carnal por un concepto de fidelidad que le es demasiado ambiguo. Gilles, por su parte, intenta poner un punto de serenidad y madurez, desde el pragmatismo y la intención de que las infidelidades de Ariane queden en puro desahogo físico y no interfieran una relación construida sobre «algo más».

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Es, precisamente, ese «algo más» sobre lo que la película de Garrel reflexiona con más profundidad. Ese «plus» que separa una relación emocional de una física. Un elemento invisible capaz de jerarquizar encuentros amorosos. El choque de visiones entre los personajes lleva, en definitiva, a un debate sobre la fidelidad, las normas que se establecen entre una pareja, casi a modo de contrato sentimental, y las consecuencias al quebrantar dichas reglas.

Garrel aborda esta sencilla historia sobre complejas pasiones mediante unas formas que resuenan irremediablemente a la tradición del cine moderno francés —a partir de la nouvelle vague—con una gran abundancia de planos cortos que buscan captar la expresión y el rostro de los intérpretes sobre cualquier otra cosa, y con un blanco y negro que renuncia al juego expresionista de contrastes y sombras que tanto le gusta rescatar al neo-noir, apostando más por esas escenas grisáceas tan del gusto de los dramas franceses de los sesenta. Las pasiones y desencuentros de Amante por un día salen al descubierto con el uso del diálogo como principal herramienta de comunicación; una fuerte apuesta por la palabra hablada, al estilo del cine de Éric Rohmer.

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Se produce, en la película de Garrel, un encuentro con la importante tradición cinematográfica francesa, que sirve, además, para potenciar una especie de sensación de atemporalidad que casa bastante bien con la narración de unos sentimientos y situaciones que, en definitiva, parecen haberse asentado en nuestra sociedad, acompañándonos y marcándonos, como las distintas etapas de experimentación cinematográfica acompañan y marcan el avance del cine.

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D’A Film Festival 2018 (III)

De la guerra y la esperanza (Frost, Grain)

A menudo nos intentamos convencer a nosotros mismos de que la guerra es eso que solo le atañe a otros, eso que le sucede a los demás mientras nosotros miramos, algo abstracto que intuimos tan horrible como lejano y exótico, algo que no nos concierne y que no tiene que ver con nuestra cotidianidad, algo que aparece en los periódicos pero nunca llegaremos a conocer de primera mano. Aunque también hay días en que la angustia se despereza y transforma la guerra en un hecho inminente e inevitable. En algo que está a punto ya de suceder a nuestro alrededor, porque los cielos atestados de nubes negras evidencian tormenta, y un ambiente como el que tenemos a finales de la segunda década del S XXI, no puede presagiar nada bueno.

Frost, la última película de Sharunas Bartas (a quien el D’A ya dedicó una retrospectiva en 2016) nos habla precisamente sobre esto, sobre la cualidad más inaprensible de la guerra (en este caso entre Rusia y Ucrania), sobre su inherente capacidad de ser algo tan ajeno como cotidiano, algo de lo que constantemente nos han hablado pero en realidad poco o nada sabemos.

Hay quien acusa al cine de Bartas de coquetear en exceso con el tedio y la lentitud, y también hay quien le reprocha el ser frío y distante, utilizar una simbología críptica que dificulta el acceso a su obra. Puedo decir para tranquilizar a los espectadores potenciales que no existe en Frost el simbolismo críptico que habita películas como A Casa (1997), y que tanto la narración como la puesta en escena son claras y directas, si bien salpicadas de reflexiones que podrían ser interpretadas como parábolas. La mirada de Bartas (al igual que la del protagonista del film) es la de alguien que intenta comprender, probablemente en vano, el sinsentido de la guerra, cómo y por qué acaba afectando a tanta gente, cuál es la razón de que nos aterre y nos fascine a partes iguales. Al mismo tiempo, la obra realiza una concisa disección de las relaciones de pareja, permitiendo al espectador que establezca los paralelismos que considere pertinentes entre ambas líneas argumentales. Tan glacial como desgarradora (sus quince últimos minutos lo confirman), Frost reafirma una vez más ese cierto nihilismo que despiden las películas del director lituano, dejándole al espectador un nudo en el estómago que le impedirá volver a ver, pensar y sentir la guerra del mismo modo.

Otra de las películas más destacadas del festival hasta el momento ha sido Grain, el regreso a la ficción del turco Semih Kaplanoglu después de siete años de ausencia. Tras su famosa trilogía (Miel (2010), Leche (2008) y Huevo (2007)), Kaplanoglu se sumerge de lleno en el género de la ciencia ficción y nos ofrece una subyugante historia de inequívocos ecos tarkosvianos. En Grain, una crisis de la agricultura a nivel mundial ha conllevado una serie de problemáticas revueltas. La supervivencia en el mundo es cada vez más difícil y la población está siendo sometida a un mayor control. El especialista en semillas Erol Erin emprenderá un largo y peligroso viaje en busca de Cemil Akman, antiguo compañero de trabajo que escribió una tesis que podría cambiar el rumbo de la historia e incluso salvar a la humanidad. Resulta inevitable, cómo no,  pensar en Stalker (Andrei Tarkovski, 1979) y en todos aquellos personajes que arriesgaban su vida para penetrar en la Zona. Rodada en un impecable blanco y negro, la cuidadísima puesta en escena de Grain nos permite viajar por un sinfín de inquietantes lugares en los que la ruina se ha convertido ya en el estado natural y no es concebible otra cosa. Lugares en los que las capas de historia se acumulan hasta límites insospechados y apenas queda espacio para ser habitado por el presente. El onírico viaje a través de estos lugares descubrirá a Erol aquello que buscaba desde el principio. ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos? ¿De dónde venimos? ¿Hay acaso alguien que no se haya hecho al menos una vez en la vida estas tres preguntas? ¿Hay acaso alguien capaz de responderlas de modo satisfactorio?

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D’A Film Festival 2018 (II)

Algunas notas para un extraordinario arranque de festival

El D´A comenzó para mí por todo lo alto con la película mexicana Tiempo compartido, una comedia perturbadora y una enfermiza representación del infierno. Una película inteligente, llena de diálogos brillantes, situaciones hilarantes y con mucha mala baba. Ahora que el cine mexicano triunfa en Hollywood con películas impecables pero inofensivas, resulta divertido pensar en la cara que pondrían los académicos yanquis ante esta sátira despiadada que utiliza como diana precisamente el avasallador colonialismo cultural norteamericano y su tela de araña capitalista.

La segunda película de Sebastian Hofmann comienza como una comedia familiar sobre lo que parece que serán unas vacaciones fallidas (aunque nos inquieten desde el principio la extraordinaria expresividad de algunos encuadres y de algunos momentos sonoros) para ir convirtiéndose en un infierno en el interior de un aberrante complejo turístico entre cuyas relucientes paredes se alcanzan los límites más terroríficos de esa secta llamada capitalismo, a la que le hemos concedido la gestión de nuestro tiempo, de nuestra familia, de nuestro ocio y hasta de nuestra salud mental. El cineasta mexicano parece haber tomado como referente a Don Delillo cuando consigue convertir las situaciones más cotidianas en una digresión abstracta a medio camino entre lo pintoresco y la pesadilla. Hoffman consigue, con un sorprendente y lúcido dominio de la puesta en escena, que ese paradisiaco monstruo del turismo familiar se convierta en un Cuerpo Sin Órganos que avanza asimilando organismos para formar un entramado de felicidad aparente y temporal y, sobre todo, anestesiante.

La piel, el cuerpo, la fisicidad del viento, las rocas, los pequeños objetos que conforman una memoria personal… eso es Con el viento, el debut en el largometraje de Meritxell Colell, una película sobre las texturas del recuerdo y de la pérdida y sobre cómo se negocian las relaciones familiares, siempre a partir de la cercanía y sinceridad de las miradas vidriosas. Una película íntima sobre la intimidad. Una película pequeña sobre las cosas pequeñas, las que siempre han importado aun sin saberlo, las que se inscriben en el rostro del recuerdo. Las ruinas de la memoria recuperadas a partir de planos detalle; y el viento incesante como metáfora, pero a la vez dolorosamente real, cierto, perverso en su rigor e insistencia, aunque también tremendamente liberador.

Es admirable la madurez y precisión con la que Meritxell Colell pone en escena esta historia emocionante sobre el retorno al núcleo familiar y los lugares de la infancia que arranca como un Grandieux enloquecido, diseccionando los movimientos espasmódicos de una bailarina para, poco a poco, calmarse y ofrecer una visión más serena (aunque igualmente física) del cuerpo y de la relación entre éste y todo lo que le rodea.

Otro debut sobresaliente, el de Ingrid Guardiola, que en Casa de ningú plantea una mirada emotiva y desesperanzada sobre personas, espacios y formas de vida aparcadas en un limbo, condenadas no tanto a desaparecer como a dejar existir para el sistema.

Guardiola visita dos comunidades a priori tan alejadas como una residencia de ancianos en Sant Andreu de Palomar y el pueblo minero de Ciñera, en León, prácticamente desahuciado tras el cierre de la empresa minera, para constatar que ambas se han convertido en excedentes, en deshechos, en las ruinas de un sistema capitalista brutalmente perverso que hace girar todo alrededor del trabajo y la productividad. ¿Qué ocurre cuando una persona, un colectivo, una industria pierden esa capacidad para producir? La cineasta, más que ofrecer respuestas, observa y escucha, pone la cámara y registra las voces, evitando así caer en cierto amarillismo sensacionalista que hubiese lastrado una película hermosa y terrible.

Ramón Lluís Bande lleva años enfrascado en una búsqueda a la vez política y formal (si es que pueden disociarse): la de representar cinematográficamente la memoria, la de conseguir que afloren, bajo el punto de vista único del cineasta, las capas de tiempo que se esconden bajo la apariencia primera de un paisaje que se ha politizado tanto y tan dramáticamente como el asturiano, en cuyas cunetas y en cuyos montes hay aún hoy enterradas miles de personas asesinadas. Cómo rodar esos paisajes, cómo ejecutar una mirada sobre ellos, y no una mirada cualquiera, sino la mirada de un cineasta. Esa es la pregunta que se hace Bande. Y la respuesta está llena de rigor. Su cine es personalísimo, implacable, profundamente reflexivo; pero por momentos, de alguna manera, consigue que resulte emocionante, tal vez porque es, sobre todo, justo.

Escoréu, 24 d´avientu de 1937 es la crónica (cinematográfica) de la exhumación de dos de esos cadáveres que pueblan los suelos asturianos. Bande encuentra su punto de vista a una cierta distancia de la acción, de tal manera que en su encuadre, dilatado también en el tiempo, no cabe manipulación sentimental alguna, registra cada detalle de unos hechos cargados de justicia y emotividad sin recurrir a subrayados. Si con el desenterramiento emerge el pasado, aunque con ochenta años de retraso, hay en Escoréu… una crónica paralela: la de la reconstrucción del relato de la memoria (personal y colectiva). A partir de tres entrevistas a familiares de los asesinados, van apareciendo nombres y hechos concretos de una forma estremecedora.

Solo al final, cuando el pasado ya está totalmente en la superficie y la memoria ha sido restaurada, Bande acerca la cámara al cuerpo desenterrado y mantiene el encuadre durante algunos minutos. Y debajo de esa última imagen, en ese palimpsesto que es (o que puede llegar a ser) una imagen, se esconden no solo capas de tiempo y sentido, sino, de una forma dramáticamente literal, diez mil cadáveres más.

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D’A Film Festival 2018 (I)

Culpas, convenciones, redenciones y rendiciones (Chesil Beach, First Reformed, Razzia)

En tan solo ocho ediciones, el D’A Film Festival ha conseguido convertirse en uno de los festivales de referencia a nivel nacional, consiguiendo que se hable largo y tendido de ese voluble e inaprensible concepto sobre el que tanto nos gusta reflexionar, el de cine de autor. Durante diez días, el D’A nos ofrecerá la oportunidad de ver más de un centenar de obras y prestará una especial atención a las nuevas generaciones de cineastas españoles, aquellos que realizan un cine arriesgado, muchas veces en condiciones un tanto precarias y al margen de la industria y sus etiquetas.

La sesión inaugural corrió a cargo de Chesil Beach, la opera prima del dramaturgo Dominic Cooke. El film adapta la novela homónima de Ian McEwan (encargado también del guion) y narra la relación entre Florence y Edward, una joven pareja en la Inglaterra de principios de los años 60. Como recién casados, Florence y Edward podrían tener toda una vida por delante, pero su noche de bodas en un hotel de Chesil Beach redefinirá sus destinos de un modo inesperado. En la adaptación realizada por Cooke percibimos sin duda su condición de dramaturgo, y el director logra sacar partido de las interpretaciones de Saoirse Ronan y Billie Howle, sus dos protagonistas. El filme roza con elegancia la incomodidad para realizar una crítica a las convenciones sociales que condicionan nuestras vidas: los tópicos sobre la sexualidad, los roles de género, las diferencias de clase… todo ello se desmitifica y aparece envuelto de un halo de sobriedad teñido de una cierta ironía. Se trata, en definitiva, de una película sobre la pérdida de la inocencia que, si bien se ve lastrada ligeramente por la inclusión de un final excesivamente edulcorado, reflexiona con efectividad sobre todos aquellos condicionantes sociales que nos pretenden definir el significado de la palabra amor.

Y si ya empezamos a notar la presencia de la ironía (británica y afilada) en la película de inauguración, su aparición se tornó contundente y desgarrada durante la proyección de First Reformed, última deriva psicotrópica del director Paul Schrader, que esta vez se adentra en las profundidades de la mente de un atormentado predicador de turbio pasado e incierto futuro. Schrader utiliza la figura de Toller, un antiguo capellán del ejército (interpretado magistralmente por Ethan Hawke) para realizar una contundente crítica a la religión y al neoliberalismo (inevitablemente ligados), hablándonos por el camino de la irreversibilidad del cambio climático, de la culpa, la redención y sí, también de ese amor del que tanto se habla pero que tan poco abunda. Viendo First Reformed no pude evitar pensar en Preacher, la serie de la AMC a la que tanto se asemeja a nivel temático y formal. Ambas teñidas de humor negro, ambas bastante delirantes, ambas con el telón de fondo de la América profunda, ambas protagonizadas por personajes oscuros cuyas vidas se encuentran inevitablemente condicionadas por la religión. ¿Casualidad o influencia?

Otro de los films destacables en estos primeros días de proyección ha sido Razzia, del director Nabil Ayouch. El film, ambientado en Casablanca en el año 2015, muestra la tensión presente en una atmósfera que llama a la revolución y parte de lo general para centrarse en lo personal, las historias de varios personajes que se enfrentan a una sociedad convulsa, habitada por seres plagados de contradicciones. Los personajes que protagonizan Razzia se encuentran, por qué no decirlo, fuera de lugar. Las convenciones sociales y el conservadurismo les impiden hacer uso de su libertad, y el día a día se convierte para ellos en una batalla sin descanso. ¿Cómo podemos adaptarnos a una sociedad que parece no ser capaz de dar cabida a sus diversos y heterogéneos miembros? Esa parece ser la principal pregunta que recorre Razzia, una película que, aun a pesar de tener un claro componente de denuncia social, no renuncia en ningún momento a su cariz poético, consiguiendo un equilibrio que solo se ve ligeramente trastocado por una excesiva ambición argumental.

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Americana Film Fest 2018 (III)

Pasión, sordidez y una buena dosis de extrañeza

Concluimos nuestras crónicas del Americana Film Festival hablándoos de algunas de las películas que más nos han interesado: los dos cortometrajes de animación de Don Hertzfeld, la desoladora The Strange Ones y las surrealistas Sylvio y Lemon.

World of Tomorrow I & II (Don Hertzfeld, 2015 y 2017)

Autor de numerosos cortometrajes de animación y ganador de un sinfín de premios internacionales, el animador californiano Don Hertzfeld debutó en el largometraje en el año 2012 con It’s Such a Beautiful Day, película basada en un corto del mismo nombre dirigido por él mismo un año antes. Esta película, que tuvimos la oportunidad de ver en L’Alternativa, Festival de Cinema Independent de Barcelona, muestra a la perfección el universo creado por Hertzfeld, sus múltiples obsesiones y ante todo su incuestionable imaginación. En los dos episodios que conforman World of Tomorrow Hertzfeld da el salto a la ciencia ficción, pero sus inquietudes siguen siendo las mismas. ¿Cuál es nuestra misión en la vida? ¿Qué lugar ocupamos en el mundo? ¿Qué sentido tiene nuestra existencia? ¿Qué papel tienen en nuestra vida los recuerdos? Estas parecen más bien las preguntas que se han hecho a lo largo de la historia del cine directores como Ingmar Bergman, Andréi Tarkovski o Terrence Malick, cineastas serios y en general atormentados que destacan más bien por su capacidad para dirigir dramas. Pero uno de los principales rasgos de la obra de Hertzfeld, en cambio, es su innegable sentido del humor. En apenas 40 minutos y con un estilo visualmente minimalista pero al mismo tiempo al borde de una deliciosa hipertrofia narrativa, Hertzfeld nos narra la historia de Emily Prime, una inocente niña que recibe la visita de un clon suyo, que llega del futuro para explicarle cómo funciona esa realidad que todavía no es capaz de entender. Con cuatro rudimentarios trazos, algunas manchas de color y un guion desbordante, Hertzfeld logra desarrollar una historia de ciencia ficción cuyo único propósito es (nada menos que) el de intentar averiguar cuál es la esencia de la naturaleza humana. O como mínimo, preguntárselo.

World of Tomorrow II (Don Hertzfeld, 2017)

The Strange Ones (Christopher Radcliff, Lauren Wolkstein, 2017)

El joven Nick y el adolescente Sam viajan en coche por Estados Unidos. Aparentemente son hermanos, y aparentemente van de camping. Pero claro, las apariencias, como ya todos sabemos, a menudo nos engañan, y el espectador pronto descubrirá que Nick y Sam tienen mucho que esconder, aunque nadie parezca saber el qué. Christopher Radcliff y Lauren Wolkstein dirigen juntos su primer largometraje, un thriller atmosférico repleto de turbadoras secuencias que poco a poco van introduciendo al espectador en un ambiente oscuro y opresivo. Un filme pausado y con escasos diálogos que opta por la opción más radical, la de provocar un profundo malestar al espectador.

The Strange Ones (Christopher Radcliff, Lauren Wolkstein, 2017)

Sylvio (Kentucker Audley, Albert Birney, 2017)

Y si los directores de The Strange Ones optan por un argumento perturbador y una atmósfera siniestra para conseguir que el espectador se revuelva en su butaca, Kentucker Audley y Albert Birney se decantan con Sylvio por la opción opuesta: la de desarrollar una historia colorista, simple y naif, tan plagada de elementos surrealistas que no se puede tolerar a no ser que el espectador acepte desde el primer minuto el pacto tácito de la suspensión de la incredulidad. Si dicho espectador acepta que es normal que un gorila viva en un apartamento como si fuese un ser humano cualquiera, trabaje como agente de cobro en una oficina y pase sus ratos libres creando espectáculos con marionetas DIY, entonces probablemente sea capaz de disfrutar de una película tan desconcertante como Sylvio, mezcla imposible entre Michel Gondry, Wes Anderson y el posthumor más experimental y underground.

Sylvio (Kentucker Audley, Albert Birney, 2017)

Lemon (Janicza Bravo, 2017)

Terminamos esta crónica hablando de otra película extraña y abracadabrante que ha provocado opiniones diametralmente opuestas entre la audiencia. Se trata de Lemon, el debut en el largometraje de Janicza Bravo. Una historia que a veces parece concebida exclusivamente para provocar, en la que los personajes no tienen sentido del ridículo y las situaciones no se rigen según la razón. Al menos, no según la razón que hasta ahora conocemos. El protagonista de Lemon es Isaac Lachmann, un hombre de 40 años que no tiene más remedio que enfrentarse a sus fracasos, tanto profesionales como personales y amorosos. Un actor en horas bajas que se ve obligado a aceptar la mediocridad de su vida. Abandonado por su novia después de diez años de relación, Isaac encadenará una serie de castings y empleos humillantes y será cuestionado por su familia durante un extraño encuentro. A partir de aquí, un cúmulo de situaciones extravagantes se suceden, provocando la irritación de algunos espectadores y la risa nerviosa de otros. Por momentos, Lemon nos recuerda a algunas comedias de Jared Hess como Napoleon Dynamite (2004) o Gentlemen Broncos (2009), pero a diferencia de Hess, Janicza Bravo estira hasta el límite la sensación de incomodidad y se muestra mucho más inclemente con sus personajes, ofreciéndonos con Lemon una de las comedias negras más enervantes y al mismo tiempo sorprendentes del año.

Lemon (Janicza Bravo, 2017)

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Americana Film Fest 2018 (II)

El principio de una vida y el final de otra

Continuamos con nuestras crónicas del Americana Film Fest 2018 destacando dos películas de la sección Americana Tops. Por un lado, una nostálgica road movie con toques de surrealismo; por otro, el testamento cinematográfico de Harry Dean Stanton.

Weirdos (Bruce Mc Donald, 2016)

Imagina, por un momento, que eres un adolescente de quince años que vive con su padre y su abuela en un pequeño pueblo de Canadá en el que no parecen suceder demasiadas cosas. Corre el año 1976, el año en que los jemeres rojos renombraron Camboya como República Democrática de Kampuchea, el año en que se inauguró la torre CN en Toronto y se celebraron los juegos olímpicos de Montreal. A pesar de que las relaciones con tu padre no son especialmente malas y todo el mundo piensa que es un padre estupendo, hay algo en vuestra relación que no funciona, un tabú que dificulta la comunicación. Echas de menos a tu madre, a quien hace mucho que no ves, y piensas que tal vez podrías recorrer unos doscientos kilómetros, llegar hasta la ciudad de Sidney para reunirte con ella. Para vivir con ella. Imagina que hay una tensión subyacente en la relación con tu novia. A ella le gustaría tener sexo pero tú no lo ves tan claro, a pesar de que estáis muy unidos. Imagina que tu animal totémico es un extraño personaje con peluca rubia que podría ser (o no) la reencarnación de Andy Warhol. Un extraño personaje que hace comentarios, te da consejos, aparece cuando menos te lo esperas y solo tú puedes ver. Imagina que, en un arrebato, tu novia y tú decidís hacer autostop sin que vuestras respectivas familias se enteren. Después de varias desventuras llegas a tu destino y encuentras por fin a tu madre, pero las cosas no son exactamente como te gustarían. Es difícil ser adolescente, pero más difícil es tener que crecer. A pesar de ello, eres valiente y lo afrontas. Al fin y al cabo, normalizar tu identidad sexual forma parte inherente de tu realización como ser humano. Corre el año 1976. Ha pasado poco tiempo desde que empezó la película, pero tú has crecido mucho y nunca volverás a ser el mismo.

Weirdos (Bruce Mc Donald, 2016)

Lucky (John Carroll Lynch, 2017)

Ahora, imagínate en el extremo opuesto. Imagina que eres un veterano de guerra de 90 años que se acerca de modo inevitable al final de su vida. Imagina que vives en un pequeño pueblo en medio del desierto, rodeado de arena y cactus. Llevas una vida que, a pesar de ser bastante rutinaria, no está tan mal. Eres autosuficiente y, aunque parezcas algo taciturno, no pierdes tu particular sentido del humor. Los habitantes del pueblo te tienen aprecio y después de tantos años te has adaptado a vivir ahí sin necesidad de creer en ningún Dios. Tomas un vaso de leche cada mañana, fumas como un carretero y te gusta hacer crucigramas para así poder utilizar en tu vida las palabras que aprendes. Un día, mientras estás tranquilamente en casa, caes al suelo inconsciente. Los análisis médicos indican que estás asombrosamente sano, pero la esperanza de vida media te advierte que no te queda ya demasiado tiempo y tus ejercicios diarios de yoga no conseguirán evitar lo inevitable. Admítelo: eres viejo. Y no hay mucho que puedas hacer al respecto. Si acaso, realizarte  a ti mismo algunas preguntas con el fin de conocerte mejor. Matar el tiempo en el bar con los tuyos. Con tus amigos. Con aquellos que se preocupan por ti. Porque, aunque no haya nadie más viviendo en tu casa, no estás solo. Eres Harry Dean Stanton interpretando tu último papel. El de un anciano que se acerca al final de su vida. El de un anciano que se parece asombrosamente a ti.

Lucky (John Carroll Lynch, 2017)

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Americana Film Fest 2018 (I)

La reivindicación de la diferencia

El Festival de cine independiente norteamericano de Barcelona cumple su primer lustro de vida y lo celebra aumentando los días de proyecciones y también la cantidad de contenidos: de los once largometrajes presentados en 2014 a nada menos que veintiocho en 2018, además de veinte cortometrajes. Americana Film Fest se suma de este modo a todos aquellos festivales especializados que, en los últimos años, han conseguido establecerse en la ciudad de Barcelona y convertirse en imprescindibles de la escena cultural en Cataluña. En esta nuestra primera crónica, hacemos un breve repaso por algunas de las películas que hemos podido ver estos primeros días de festival.

Gook (Justin Chon, 2017)

Premiado en los Independent Spirit Awards, en el Festival de Sundance o en VC Film Fest, el segundo largometraje de Justin Chon –que es además uno de los protagonistas– realiza una interesante reflexión sobre las estructuras familiares y la discriminación racial. Chon utiliza los disturbios que tuvieron lugar en Los Angeles en 1992 a raíz del veredicto del caso Rodney King como telón de fondo, pero lo que en realidad le interesa son las relaciones que se establecen entre los tres personajes protagonistas. Por un lado Kamilla, una niña afroamericana que intenta adaptarse a su desestructurado contexto lo mejor que puede; por otro Eli y Daniel, dos hermanos coreanos que tienen una humilde tienda de zapatos en los suburbios y que han de soportar constantemente la discriminación y la violencia ejercida por las comunidades afroamericanas hacia los inmigrantes coreanos. Con una cuidada fotografía en blanco y negro y un especial apego al desarrollo de sus tres personajes protagonistas, la película de Chon ofrece unas buenas interpretaciones, aunque en los últimos minutos deriva hacia algunos clichés que lamentablemente le hacen un flaco favor al desenlace del film.

Gook (Justin Chon, 2017)

Beach Rats (Eliza Hittman, 2017)

La directora Eliza Hittman se alzó con el premio a la mejor dirección en Sundance con este segundo largometraje, drama naturalista sobre el descubrimiento y aceptación de la homosexualidad. Frankie, el adolescente protagonista de Beach Rats, no tiene mucho que hacer en Brooklyn. Mata el tiempo vagabundeando con sus amigos, robando de vez en cuando, intentando conseguir algo de droga y dando vueltas sin rumbo por Conney Island. Por las noches, busca páginas web para citas homosexuales, aunque sigue sin querer aceptar lo que resulta obvio. Es por ello que continua fingiendo ante sus amigos: se busca una novia, pretende ser heterosexual, mantiene la misma actitud de aquellos que hay a su alrededor. Aunque la película no realiza ninguna reflexión política explícita, no es baladí que un film como este se estrene en plena legislatura republicana de Donald Trump. Con un estilo naturalista, el film muestra las dificultades para aceptar la homosexualidad (propia o ajena) en un entorno reaccionario que fomenta heterosexistas roles de género y reacciona con violencia o desprecio hacia todo aquel que no los acepta. Aunque la puesta en escena es acertada y Hittman logra que las imágenes rezumen sexualidad, el mayor problema de Beach Rats es probablemente la falta de interés de los personajes protagonistas, ya que un acercamiento pretendidamente introspectivo acaba convirtiéndose en una constante representación de gestos manidos que se repiten hasta la saciedad en una gran cantidad de cine independiente de estos últimos años.

Beach Rats (Eliza Hittman, 2017)

Saturday Church (Damon Cardasis, 2017)

Pero sin duda alguna la propuesta más sorprendente hasta el momento ha sido Saturday Church, el debut en el largometraje de Damon Cardasis y recolectora de premios en el Festival Internacional de cine Gay y Lésbico de Austin, en el Festival LGTBQ de San Francisco, en el Festival Kaleidoscope, en el LA Outfest, en el Long Beach QFilm Festival, en el Out of Film de Atlanta, en el Outflix Film Festival, en el Festival de cine Gay y Lésbico de Seattle… Una propuesta atrevida y original que mezcla drama con musical, un coctail de influencias kistch aplicadas a una película coming of age que reflexiona sobre cuestiones de género con gran emotividad y optimismo. Una obra de notable carga humanista que, a pesar de acumular en su argumento algunos tópicos sobre la  aceptación de la diversidad sexual y la necesidad de que la heterogeneidad sea una característica inherente de las estructuras familiares, consigue emocionar mediante las interpretaciones de sus protagonistas, especialmente la del joven Luka Kain en el papel de Ulysses. No se trata de un musical al uso y de hecho algunos de los actores no cantan especialmente bien, pero este hecho no es en absoluto relevante. Porque lo que en realidad importa es que en estos tiempos tan crispados que estamos viviendo, en los que el auge de las políticas conservadoras dificultan la defensa de los derechos de las minorías, son necesarias más que nunca reivindicaciones que tendrían que parecernos obvias, pero que por desgracia, parece que para algunos no lo son tanto. Reivindicaciones de algo tan fundamental como es el derecho a elegir y a conformar tu propia identidad de género; en definitiva, a tomar decisiones por ti mismo. Si te gustaron películas como Hedwig and the Angry Inch (John Cameron Mitchell, 2001), Desayuno en Plutón (Neil Jordan, 2005) o Laurence Anyways (Xavier Dolan, 2012), no dudes en ver Saturday Church.

Saturday Church (Damon Cardasis, 2017)

Tanto en Gook como en Beach Rats o Saturday Church hay un elemento llamativo coincidente y es la estructuración de los hechos alrededor de una ausencia. En el caso de Gook  se trata de la ausencia de los padres de Kamilla, fallecidos en un accidente. En el caso de Beach Rats, la muerte del padre, fallecido a causa del cáncer. Ausencia esta que casualmente también se repite en Saturday Church. Tanto si se trata de una coincidencia anecdótica como determinante, lo cierto es que nos podría servir para establecer ciertas similitudes entre los tres filmes, tan distintos en otros aspectos. Pero esa ya sería otra historia.

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Alex Ross Perry, Americana Film Fest 2018

 Las inseguridades, frustraciones y miserias cotidianas del universo de Alex Ross Perry

Con tan solo 33 años y cinco largometrajes en su haber, Alex Ross Perry se ha convertido en uno de los cineastas más representativos del indie americano del S XXI. En su quinto año de vida, el Americana Film Fest ha decidido dedicarle una retrospectiva y desde la revista Contrapicado aprovechamos para hablar con él sobre su cine: sobre películas de gente normal, tensiones narrativas, el trabajo con los personajes, el éxito, el fracaso y la conexión entre sus películas.

En Golden Exits (2017), su último filme hasta la fecha, Perry reflexiona sobre las relaciones de pareja y las inseguridades, valiéndose para ello de las historias cruzadas de siete personajes de mediana edad insatisfechos y desubicados. Personajes todos ellos que buscan algo, aunque no tengan muy claro el qué.

Golden Exits (2017)

Lejos de presentarnos protagonistas complacientes y tramas del gusto de las mayorías, sus filmes a menudo resultan incómodos para el espectador. La misantropía, la desconfianza, el egoísmo y los fantasmas del pasado habitan sus películas, independientemente del género al que se ciñan.

Cuando tenía tan solo 23 años y era estudiante, en tan solo siete días rodó junto con un grupo de amigos Impolex (2009), su primer largometraje, inspirado nada menos que en El arco iris de gravedad de Thomas Pynchon. En él narraba las surrealistas desventuras de un soldado norteamericano tratando de localizar cohetes alemanes de la Segunda Guerra Mundial. Dos años después decidió protagonizar él mismo su segunda película, The Color Wheel (2011), una comedia de bajo presupuesto rodada en blanco y negro que explora las relaciones entre dos hermanos. Una road movie cuyo guion fue escrito por el propio Perry junto con Carlen Altman, protagonista femenina del filme. Al verla, acuden a mi mente referencias como Boy Meets Girl (Leos Carax, 1984), Stranger Than Paradise (Jim Jarmusch, 1984), Clerks (Kevin Smith, 1994) o incluso 25 Watts (Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella, 2001). Simpáticos esbozos de la juventud de una generación que se resiste a tener responsabilidades. Una suerte de humilde naturalismo que nos descubre el valor de la cotidianidad, de esos hechos que a primera vista pueden parecer triviales pero en realidad no lo son tanto.

The Color Wheel (2011)

Pero los referentes, al igual que las inspiraciones, para Perry varían con cada película. Por eso, tres años más tarde llegaría Listen Up Philip (2014), la historia de un escritor de mediana edad que atraviesa una crisis personal, amorosa y probablemente, también existencial. Listen Up Philip (2015) no es exactamente una comedia, pero tal vez tampoco un drama. Huele a Jazz y nos recuerda a algunas películas de Woody Allen. Se ve invadida constantemente por una voz en off que lo describe todo, una hipernarración que nos abruma pero al mismo tiempo compensa con un poso de estabilidad las desequilibradas vidas de sus protagonistas. El reto que nos propone el director (tanto en esta como en sus otras películas) no es fácil, pero es interesante. Perry nos pide que intentemos empatizar con los personajes aunque de entrada nos provoquen rechazo, que nos preguntemos por qué están sufriendo y por qué reaccionan de este modo a las situaciones en que se ven envueltos.

“Respecto a mis personajes, espero que la gente se pregunte: ¿son realmente desagradables o solo tengo que entender la situación emocional por la que están pasando para así descifrar su sufrimiento?”

Listen Up Philip (2014)

Y si el personaje de Jason Schwartzman en Listen Up Philip nos demuestra que conseguir lo que siempre has querido no te hace necesariamente feliz, el de Elisabeth Moss en Queen of Earth (2015) nos recuerda con angustia que el pasado está lleno de espectros que nos hacen sentir incómodos constantemente. Perry acerca la cámara al rostro de Moss y nos enfrenta a la locura de su personaje, transformando lo que podrían ser las tranquilas vacaciones de dos amigas en un descenso al infierno de los celos, el rencor y la desconfianza.

Queen of Earth (2015)

Aunque a priori Queen of Earth no encajaría en los códigos del cine de terror más convencional, sí que están presentes muchas de sus claves. En la música y el sonido, en la tensión que crean los diálogos, en la claustrofobia que provoca su puesta en escena. Ecos, incluso, del Polanski de El cuchillo en el agua (1962) o Repulsión (1965). Influencias que dejan paso a otras, completamente distintas, en Golden Exits.

Así como quien no quiere la cosa han pasado diez años y cinco películas. Seguimos percibiendo, eso sí, una cierta melancolía, transmitida tanto en sus filmes como en las palabras y el modo de hablar de Perry. Notamos un gran apego al cine analógico y descubrimos un corpus fílmico que poco a poco va cobrando entidad. Pero sobre todo, nos damos cuenta de que detrás de este joven director de Pensilvania hay muchas historias que contar y muchos, muchos personajes para habitarlas.

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